El sobre verde

Libreto de Enrique Paradas y Joaquín Jiménez, música de Jacinto Guerrero. Adaptación: Álvaro Tato. Dirección escénica: Nuria Castejón. Dirección musical: Cecilia Bercovich.
Producción: Teatro de la Zarzuela
con Julia Adún, Paula Arévalo, Claudia Bravo, Andro Crespo, Soraya Estévez, Iñigo Etayo, Cielo Ferrández, Cristina García, Antonio Iniesta, Pascual Laborda, Aarón Montes, Nuria Pérez, David Pérez Bayona, Lara Sagastizabal, Ana San Martín, Sigor Schwaderer, Fran Velázquez y Nacho Zorrilla.

26 de marzo de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 60’ aprox.

Nicanor es un tipo sin oficio ni beneficio que recibe un sobre verde con un décimo de lotería. Poco después la diosa Fortuna le anuncia que su número es el del Gordo de Navidad. Muy eufórico promete a sus amigos indigentes que, a la vuelta de su viaje a Nueva York, construirá un alojamiento digno para todos. Allí disfruta de lo lindo con su amigo Simeón y se gasta todo el dinero. Así que cuando regresa a Madrid trae solo una lección: que la mejor lotería es el trabajo y la economía.

 

En el texto original de Paradas y Jiménez había intenciones edificantes sobre los riesgos que acompañan a la fortuna. Sin negarlas, la propuesta del proyecto Zarza que hemos visto esta noche tiene más interés por el ritmo trepidante que le ha dado Nuria Castejón, por la dirección musical de Cecilia Bercovich, por la brillantez en la adaptación de Álvaro Tato y, por supuesto, por el buen hacer de estos dieciocho intérpretes y ocho músicos que han puesto fuerza y corazón para hacer que esta zarzuela (aderezada con aires de musical internacional) sea muy grata para cualquier público. En las cuatro funciones escolares que estos días han llenado el Palacio Valdés, los adolescentes avilesinos han descubierto un género inesperado de la mano de unos jóvenes que son poco mayores que ellos. Hoy las edades del público eran las de sus padres y abuelos que también han disfrutado muchísimo con esta zarzuela juvenil. De modo que esta primera colaboración del proyecto Zarza con Avilés ha sido un éxito rotundo en esta semana en que celebramos el Día Mundial del Teatro. Una prueba más de lo importantes que son  las políticas públicas sostenidas y el buen hacer de las personas comprometidas con el teatro. Por suerte, en Avilés tenemos esas políticas culturales y también esas personas.

Los Pazos de Ulloa

de Emilia Pardo Bazán. Adaptación: Eduardo Galán. Dirección: Helena Pimenta.
una producción de Secuencia 3, La Villarroel, Olymplia Metropolitana y Saga Producciones.
con Pere Ponce, Ariana Martínez, Marcial Álvarez, Francesc Galcerán, Esther Isla y David Huertas.

25 de marzo de 2022. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 95’ aprox.

Don Julián es un cura tímido que llega a un pazo remoto para ayudar en la gestión de la hacienda de don Pedro, el marqués de Ulloa, que vive allí como un sátrapa al que ayuda Primitivo, un  canalla con el que tiene mucha complicidad. Don Pedro tiene un hijo con Sabel, la hija de Primitivo, al que los dos maltratan sin compasión. Por recomendación de don Julián, el marqués va a Santiago a buscar esposa y vuelve casado con Nucha, una de sus primas. Con ella tendrá una hija pero no un heredero como él quería.

El mes pasado vimos en el Palacio Valdés Las cigarreras, una estupenda adaptación de La tribuna en la que Cándido Pazo tuvo el acierto de incluir a la propia escritora como mediadora entre las cigarreras y el público. Aquí es el  atribulado personaje del cura Julián el que al comienzo de la obra se dirige nosotros para relacionar su papel con el de don Fermín de Pas, planteándonos una comparación innecesaria entre la novela de Emilia Pardo Bazán y la de Clarín. No es un buen comienzo para una obra en la que parece que el empeño principal es que sepamos que los malos son muy malos y que someten a las mujeres de forma tan injusta como inexorable. Y por si no nos había quedado claro, al final de la obra don Julián le echa valor y se atreve a decirle a la cara a don Pedro que es un maltratador. De modo que las probables intenciones edificantes de la obra son tan naífs como convencional resulta su puesta en escena. De hecho, los malos son tan histriónicos y las víctimas (especialmente Nucha) tan propiciatorias que casi me han recordado a aquella Genoveva de Brabante, maltratada por Golo, que leí de niño en la colección Historias Selección de Bruguera (y creo que doña Emilia no tiene la culpa de eso). Ahora que lo pienso, aquella historia de Christoph von Schmid se parece sospechosamente a la de El animal de Hungría de Lope de Vega. Estaría bien indagar sobre ello.

Programa de mano

Nadia

Autoría:  Carles Fernández Giua, Nadia Ghulam y Eugenio Szwarcer. Dirección: Carles Fernández Giua.
Producción: La Conquesta del Pol Sud
con Carles Fernández Giua , Nadia Ghulam y Eugenio Szwarcer.

19 de marzo de 2022. Teatro Jovellanos, Gijón. 80’ aprox.

Nadia fue durante mucho tiempo un chico. Cuando era niña una bomba la hirió para siempre. Luego el infierno talibán la obligó a sobrevivir haciéndose pasar por niño. Nos lo cuenta después de haber dejado hace años Afganistán para atenuar en Barcelona sus cicatrices y recuperar su identidad. 

La tragedia de un país cebándose en la identidad de una niña. Eso es lo que une las historias de Nadia y de Claudia, la argentina que hace unos años nos contó, también de la mano de La Conquesta del Pol Sud, la forma en que fue entregada a una familia de derechas por los militares que habían torturado y hecho desaparecer a sus padres en tiempos de la dictadura. Las de ellas no son solo verdaderas historias que cautivan sino también historias verdaderas que conmueven. El formato es similar en los dos casos con protagonismo absoluto de Nadia (o de Claudia) y pequeños contrapuntos de Carles Fernández Giua y Eugenio Szwarcer. Pero el relato de Claudia me pareció más impresionante que el de Nadia. Seguramente porque, más allá de la proximidad cultural y el calado de las reflexiones éticas que su historia suscita, compartir o no la lengua nos acerca o nos distancia de lo que se cuenta. Lo que vimos hacer a Claudia en el TNC fue asombroso además de conmovedor. Lo que hace Nadia también lo es. De modo que, aunque el resultado no sea tan impresionante, tiene mucho mérito haberlo hecho en una lengua que no es la suya.

Decadencia

de Steven Berkoff. Adaptación: Benjamín Prado. Dirección: Pedro Casablanc.
Producción: ES[OFF] - VANIA
con Maru Valdivieso y Pedro Casablanc.

18 de marzo de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 75’ aprox. Estreno absoluto.

Cuatro hedonistas viscerales emparejados de dos en dos. Por un lado, el depredador y su amante igualmente salvaje, y, por otro, su esposa que ha domesticado al suyo para dañarle. Los vemos siempre por separado. Tramando y ejecutanto formas de satisfacer sus deseos. Comiendo, bebiendo, fumando y sobre todo fornicando. Hablan y follan sin parar con un desprecio compulsivo hacia los que no son de su especie. La de unas élites carroñeras de un mundo en decadencia.

 

Al fondo del escenario un inmenso espejo roñoso que refleja las posturas sin postureo de estos seres anencefálicos y en el que también nos intuimos nosotros mientras los contemplamos. Delante del espejo dos biombos verticales como estandartes metafóricos de lo vulvar y lo cipotudo, los motores vitales de unos seres que ejecutan compulsivamente sus rituales de apareamiento y destrucción. Hay también dos grandes chaise longes rojos en un espacio sin matices en el que la negrura y la estridencia configuran el hábitat natural de estos onanistas del cuerpo y la palabra. Steven Berkoff los retrató sin filtro en este animalario de las élites inglesas de los ochenta que a nosotros nos resulta bastante familiar. Y no solo por el parentesco entre nuestros pijos y los suyos, sino por lo valleinclanesco de la forma en que se nos presentan. Benjamín Prado sabe que adaptar es mucho más que traducir y que aquí era crucial tenerlo muy claro para que no se perdiera la más radical de las provocaciones que contiene esta obra que es la del lenguaje. Así, esa tenue versificación y esa radical frescura del texto, junto con el tono y el ritmo endiablado que Pedro Casablanc le ha dado, hacen que Decadencia sea una delicia que en esta noche de estreno le ha encantado hasta al público biempensante. Y es que momentos como el de la caza del zorro, la cena en el restaurante o la lección de los diez tragos son un prodigio de buen hacer escénico e interpretativo que, aunque les incomoden, les resultarían alucinantes incluso a nuestros depredadores ibéricos (si les diera por ir al teatro). Pero ni Steven Berkoff ni Benjamín Prado (ni siquiera Valle-Inclán) habrían conseguido que esta Decadencia fuera tan fulgurante si no la hubieran interpretado Maru Valdivieso y Pedro Casablanc. Para ella debe ser un lujo y un reto trabajar con él. Y para él también lo ha debido ser trabajar con ella en esta noche de estreno que seguramente preludia otras muchas de éxito. La velocidad y el distanciamiento del naturalismo con una gestualidad radicalizada son algunos de los muchos aciertos que tiene la obra. Y Maru Valdivieso ha sabido entenderlo magníficamente dándole a su(s) personajes un tono perversamente impecable. De Pedro Casablanc, que además dirige esta Decadencia, poco se puede decir que no sea superlativo. Hace dos meses nos deslumbró en Gijón con su Torquemada (como tantas otras veces con sus Filoctetes, Yo, Feuerbach,  Los cuentos de la peste, Ruz-Barcenas, Hacia la alegría...) Esta noche hemos tenido la suerte de asistir al estreno en el Palacio Valdés de este nuevo recital interpretativo en clave cabaretera. En un modo menos trágico que en otras obras, caricaturiza a un personaje deleznable al que le pasa justo lo contrario de lo que se puede decir de él. Como ese tipo hay muchos en Inglaterra y en España pero actores como Casablanc hay muy pocos en los dos países.

Ser o no ser

Adaptación: Bernardo Sánchez según versión teatral de Nick Whitby. Dirección: Juan Echanove.
Una producción de José Velasco basada en la comedia de Ernst Lubitsch
con Juan Echanove, Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota y Nicolás Illoro.

4 de marzo de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 120’ aprox. Estreno absoluto.

Cuando Polonia está a punto de ser invadida por Alemania,  una compañía está representando Hamlet en un teatro de Varsovia  y prepara el estreno de una sátira sobre el nazismo titulada ¡Gestapo!. La obra será prohibida pero el elenco acabará interpretando a los nazis para rescatar un documento que podría poner en peligro a la resistencia polaca. En el enredo también estará implicado un joven aviador inglés que se cita con la mujer del actor principal mientras este recita las famosas palabras de Shakespeare calavera en mano.

 

Un estreno afinadísimo en clave de comedia clásica que ha hecho las delicias del público con un Juan Echanove al que, como actor y como director, se le notan las ganas de hacer reír tras este largo invierno de nuestro descontento pandémico. Y a fe que lo ha conseguido en esta noche de estreno. De hecho, la sombra de lo que está pasando ahora en Ucrania no ha restado un ápice de alegría contagiosa desde la primera fila hasta el fondo del gallinero de un Palacio Valdés abarrotado en el que mañana habrá segunda función. Como no soy de risa fácil no puedo dejar de pensar en que la decisión de Echanove de rescatar la comedia de Lubitch ochenta años después quizá no haya sido afortunada. De hecho, ha tenido la mala suerte de que su estreno sea ocho días después del comienzo de la invasión rusa que, según recoge hoy la prensa, ya ha provocado el éxodo de un millón de ucranios. Pero hay que reconocer que, a pesar del reconocimiento cinéfilo posterior, el estreno de la película de Lubitch fue mucho más cuestionable. Sin esperar a que Adorno aludiera a la poesía después de Auschwitz algunos críticos ya plantearon si en 1942 era oportuno que los estadounidenses rieran las gracias de este matrimonio de cómicos puesto en entredicho por un aviador mientras Shakespeare servía de contrapunto a los nazis. La película se estrenó cuando se estaba construyendo Treblinka y poco antes de que comenzaran las deportaciones a los campos de exterminio de los judíos hacinados en el gueto de Varsovia. Que en aquellos momentos pareciera normal en Estados Unidos situar en Varsovia una historia que daba mucha risa quizá pueda explicar en parte por qué los campos de exterminio quedaron intactos hasta el final de la guerra. Así que llevar ahora al teatro aquella comedia para recuperar la risa y celebrar la superación de los tiempos pandémicos quizá pueda justificarse por los guiños metateatrales que contiene y por esa pulsión anglófila (también bastante pandémica) por la que encomendarse a Shakespeare da pedigrí de calidad y es garantía de éxito. En todo caso, lo siento por Echanove y por el resto del elenco que hacen un trabajo magnífico en esta obra pero, al margen de la mala fortuna del estreno en estos momentos en que otra invasión acongoja nuestras conciencias, creo que si hay que volver a la Varsovia de hace ochenta años es mejor hacerlo como lo hace El Cartógrafo de Juan Mayorga o  El amor en su lugar de Rodrigo Cortés. Y si hay que retomar la risa antes de quitarnos las mascarillas casi mejor echar mano de Berlanga que de Lubitsch y de nuestro Siglo de Oro que del inglés. De esto último tuvimos buena prueba hace dos semanas en el Niemeyer.

Espaldas de Plata

Autoría y dirección: Xavo Giménez.
Una producción de La Teta Calva.
con Leo de Bari y Xavo Giménez.

26 de febrero de 2022. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Fontana es un creativo publicitario que comete dos errores: no resistir la presión de su jefe para que prepare la campaña de un político corrupto y no rectificar ni esa ni otra mancha que por error aparece en los carteles electorales. Eso y la idea de que Marta Sánchez ponga letra al himno nacional harán que el político manchado gane las elecciones. Así que Fontana no sabe dónde meterse. Y todo eso pasa mientras un gorila llamado Espaldas de Plata se escapa del zoo y vaga por Valencia.

Del buen hacer de La Teta Calva tuvimos buena prueba en esta misma sala con Sindrhomo. Hoy Xavo Giménez no solo dirige sino que, en un mano a mano magnífico con Leo de Bari, interpreta esta obra que también podría adscribirse a la poética de la amargura que comentaba a propósito de aquella. En Espaldas de Plata la intención crítica se combina con la fina ironía de un texto que es un torrente de lugares comunes valencianos (y españoles) consiguiendo algo admirable: hacernos dudar de si estamos ante una comedia poética, un (anti)panfleto político o, simplemente, la historia de dos publicistas antagónicos, un gorila metafísico y un político indeseable.

Malvivir

Dramaturgia y adaptación: Álvaro Tato. Basado en las novelas de pícaras del Siglo de Oro. Dirección: Yayo Cáceres.
una producción de Ay Teatro.
con Aitana Sánchez-Gijón, Marta Poveda y Bruno Tambascio.

18 de febrero de 2022. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 95’ aprox.

La vida de Elena de Paz desde que su madre rompe aguas hasta que, tras ser ajusticiada, es arrojada a las de un río (o al revés). Andanzas y correrías de una mujer libérrima, pícara y tenaz que, entre otras muchas cosas, desea llegar al mar.

Variaciones y permutaciones entre Marta Poveda y Aitana Sánchez-Gijón encarnando a una granuja deliciosa y a muchos personajes más. La compañía musical de Bruno Tambascio subraya la impresionante compenetración entre estas dos actrices superlativas que se multiplican en un derroche físico e interpretativo increible para hacernos sentir la alegría de esta picara deliciosamente feminácrata compuesta a pertir de retales de La hija de Celestina de Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo, de La niña de los embustes de Alonso de Castillo Solórzano, de La pícara Justina de Francisco López de Úbeda y las de letrillas de Francisco de Quevedo. Álvaro Tato los recupera desde el siglo XVII con una habilidad que uno no sabe si atribuir a que aquellos escritores son en realidad contemporáneos nuestros o a que él vive otra vida paralela en el Siglo de Oro y es allí donde escribe estos textos. Por su parte, Yayo Cáceres es el motor de este delirio de buen hacer interpretativo con una concepción escénica tan alegre como trepidante en la que la música es, como siempre en el universo ronlalero, elemento imprescindible en el trabajo de esta pareja de magos del teatro clásicontemporáneo. De Ay Teatro habíamos visto hace tres años Todas hieren y una mata que nos dejó también muy impresionados. Pero vivir este Malvivir es una verdadera delicia que no sé a quién debemos agradecer más, si a Marta Sánchez-Gijón y Aitana Poveda o a Yayo Tato y Alvaro Cáceres. Da igual. Los cuatro se han compinchado para que esta noche disfrutemos lo indecible con las andanzas y correrías de Elena de Paz.      

Dossier

Los invitados

de Cris Puertas y José Busto. Dirección: José Busto.
Producción: Teatro A Las Puertas.
con Cris Puertas, Cristina Lorenzo, Sandro Cordero y Carlos Dávila.

16 de febrero de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 80’ aprox. Ciclo "Hecho en Asturias". Estreno absoluto.

Un hombre, una mujer embarazada y quizá una camioneta. Otro hombre y otra mujer desquiciados llegando a una gasolinera. La que acaba de cerrar el hombre que antes discutía con la mujer embarazada. Él termina golpeado y atado a una silla. Ella recibirá la visita de esos invitados que nada tienen que ver con la camioneta.

Al principio pienso en Beckett y en que quizá Godot sea aquí la camioneta. La aspereza de los primeros diálogos también me hacen pensar en los territorios desolados de algunos cuentos de Carver. Pero al llegar a la gasolinera me parece que es Tarantino quien inspira todo esto. Y es entonces cuando me acuerdo de aquel debate entre Antonio Muñoz Molina y Félix de Azúa en El País a propósito de la violencia en el cine. Félix de Azúa negaba que la estética debiera tener compromisos con la ética mientras que Muñoz Molina se alarmaba por las risas del público en las escenas más sangrientas. Esta noche me he sentido como él porque, para mi, el espectáculo más sorprendente no ha estado en el escenario sino en el patio de butacas. Quizá a los que tanto se reían les hacía mucha gracia ver a sus amigos haciendo cosas raras en el escenario. O quizá las violencias que no entienden les resultan insoportables y la risa les ayuda a distanciarse de lo que pasa en el escenario. Lo cierto es que a mi esas risas me alejan de los mundos de Carver y de Beckett y me hacen preguntarme si no seré yo el tipo raro que no le encuentra la gracia a la violencia. Aprecio algunos diálogos, la excelente iluminación de Félix Garma en ese no lugar escénico radicalmente negro y, por su puesto, las estupendas interpretaciones, casi expresionistas, de Cris Puertas, Cristina Lorenzo, Sandro Cordero y Carlos Dávila. Sin embargo, hoy me ha parecido que la cuarta pared se empañaba desde nuestro lado y quizá por eso no me he sentido invitado a este drama angustioso que a otros les ha divertido tanto.

Cigarreras

basado en La tribuna de Emilia Pardo Bazán. Versión y dirección: Cándido Pazo.
Una coproducción de Contraproducións, Teatre Romea, Histrión Teatro y Encaro Factory
con Tamara Canosa, Susana Dans, Merce Castro, Isabel Naveira, Covadonga Berdiñas, Ana Santos y Ledicia Sola.

11 de febrero de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 105’ aprox. Estreno absoluto.

Emilia Pardo Bazán nos cuenta la historia de las cigarreras de la fábrica de tabaco de La Coruña desde los tiempos de La Gloriosa hasta los de la Primera República. Nos habla de los afanes de un grupo de mujeres entre las que está Ámparo, una joven enamoradiza  a la que llamaban la Tribuna por su encendido verbo. Además de los fracasos sindicales, Ámparo conocerá el escaso valor que algunos hombres conceden al honor y la palabra.

 

Novecento en versión femenina y gallega. Ese es el tono que me recuerda esta obra que ha conseguido poner en pie al público en la noche de su estreno en el Palacio Valdés. Cándido Pazo ha acertado, no solo con la versión del texto, sino con la idea de poner a la propia autora como mediadora entre las protagonistas de su novela y el público. También acierta al evitar los subrayados y dejar que seamos nosotros los que encontremos lecturas  contemporáneas en clave feminista, obrera y republicana de esta obra coral interpretada por un elenco de mujeres perfectamente compenetradas. Las cigarreras terminan gritando "Viva la República Federal" y Emilia Pardo Bazán dice que le vale ese final. Al público avilesino parece que también le ha parecido muy bien la propuesta a la vista del gran aplauso con que la ha despedido. Sería interesante ver cómo es recibida en el Romea de Barcelona y si hay el mismo entusiasmo republicano y federalista en según qué públicos de Madrid.  

 

Programa de mano

Dossier

N.E.V.E.R.M.O.R.E.

Idea y creación: Chévere. Dramaturgia y dirección: Xron.
Producción: Chévere y Centro Dramático Nacional.
con Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, Manuel Cortés, Mónica García, Arantza Villar, Borja Fernández.

29 de enero de 2022. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 110’ aprox.

En noviembre 2002 el Prestige se rompió frente a las costas gallegas. Las dudas de las administraciones sobre cómo afrontar aquel accidente hicieron que la tragedia fuera aún mayor. Quienes no tuvieron dudas fueron los miles de voluntarios que se pusieron inmediatamente manos a la obra. Y los miles de gallegos que se identificaron con la consigna Nunca máis. 

Tras Eurozone y Curva España los del Chévere lo han vuelto a hacer. Han conseguido que estas casi dos horas de teatro documental muy intencionado cautiven la atención del público ante una propuesta de ejecución arriesgada y enfoque militante. Lo segundo resulta catártico para cualquiera que recuerde las imágenes de aquella catástrofe o a Rajoy hablando de hilillos. En cuanto a lo primero, la idea de rescatar testimonios de aquellos días y darles forma de programa radiofónico hace que este documento irónico e hiperrealista adquiera una vivacidad impresionante gracias al trabajo de estos seis intérpretes que tienen una sintonía y una compenetración que parece vicaria de la que, como gallegos, debieron vivir hace veinte años. Recuperar la intrahistoria de aquella catástrofe es una experiencia escénica memorable que ayuda a entender algunas de las cosas que pasaron. Y que no deberían suceder nunca más.

 Programa de mano

Torquemada

Basado en la tetralogía de las novelas de Torquemada de Benito Pérez Galdós. Versión: Ignacio García May. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente.
con Pedro Casablanc.

22 de enero de 2022. Teatro Jovellanos, Gijón. 80’ aprox.

Torquemada en el purgatorio, Torquemada en la hoguera, Torquemada en la cruz y Torquemada y San Pedro. La historia de Francisco Torquemada a partir de las cuatro novelas de Galdós. Su ambición desmedida, su presencia agreste, sus paternidades traumáticas y finalmente su conversión, más financiera que teológica.

Desde que Pedro Casablanc atraviesa el patio de butacas y sube al escenario sabemos que el monólogo será memorable. Quien lo ha visto en otros anteriores como José K. torturado o Hacia la alegría, o en casi monólogos como Ruz-Barcenas o Yo, Feuerbach, sabe que se trata de un actor descomunal. Así que Torquemada es el personaje ideal para alguien que, solo con su voz y su fuerza interpretativa, es capaz de imponer el silencio más expresivo en cualquier teatro. En la magnífica adaptación teatral que Ignacio García May ha hecho de las novelas de Galdós, Pedro Casablanc se convierte en un intérprete mutante que es capaz de encarnar a la tía Roma, a Valentinito, a los miembros de la familia Águila (Rafael, Cruz y Fidela), al misionero Gamborena y al propio Francisco Torquemada cambiando a velocidad de vértigo la voz, el rostro (más que el gesto), el cuerpo (más que el ademán) y hasta el aura de esos personajes. De hecho, uno sale del teatro pensando que no ha asistido a un monólogo del gran Pedro Casablanc sino a una obra coral a cargo de varios intérpretes que tienen su mismo nombre. Pero, además de un texto tan inspirador como el de Galdós, una adaptación tan impecable como la de García May y un actor tan extraordinario como Casablanc, para que Torquemada sea una obra mayúscula tiene que haber también un director como Juan Carlos Pérez de la Fuente que ha sabido encontrar el tono, la atmósfera, el brío, el estruendo y la luz que requiere una historia tan relevante como esta. Una obra en la que el espectador puede encontrar lecciones para el presente sin que ni el texto ni la dirección caigan en la tentación de los subrayados extemporáneos. Con una poética muy distinta, pero también sobresaliente, Juan Carlos Pérez de la Fuente ya nos había maravillado en Tarde te amé. Confesiones de San Agustín, aquella experiencia escénica y musical que pudimos disfrutar un 28 de agosto en la iglesia vieja de Sabugo. Hoy en el Teatro Jovellanos hemos asistido a otra noche teatral memorable.

Puertas abiertas

de Emma Riverola. Dirección: Abel Folk.
Una coproducción de Hold-Principal SL, Teatro Romea e Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC).
con Cayetana Guillén Cuervo y Ayoub El Hilali.

21 de enero de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 75’ aprox.

En la noche de los atentados de Bataclan una mujer que vive sola se une a la iniciativa de abrir las puertas de las casas a quien pudiera necesitarlo. Quien llega a la suya es un marroquí (o un sirio) que estudia psicología (o filología árabe). De modo que las mentiras, las sospechas y las angustias condicionan las conversaciones de esa noche.

Un espacio casi abstracto sintetiza la casa en cuyo fondo una ventana/pantalla muestra imágenes tremendas de lo que sucedió en París aquella noche. Es un ambiente adecuado para un encuentro cuyo tono podría no ser naturalista. Sin embargo, el texto no consigue estar a la altura del contexto en que se pretende situar la historia y son demasiadas las veces en que se echa mano de ideas a las que les falta calado para ir más allá de lo previsible. Por lo demás, tampoco ayuda la falta de evolución en los registros de los personajes. Su conversación parece sincopada, tensa y monocorde. Quizá debería fluir de forma más natural, delicada y cautivadora. Algo así como esos bellos movimientos coreográficos que separan cada escena. Para mi, lo mejor de la obra.

Sí, a todo

Dramaturgia y dirección: Antonio Álamo.
con Abel Mora y Maica Rey.

15 de enero de 2022. Centro Niemeyer (club), Avilés. 90’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer. Estreno absoluto.

Abel nos cuenta lo que le pasó. Él era un actor secundario que le había dado la réplica a actores famosos en películas importantes. Pero cuando estaba a punto de empezar un nuevo rodaje fue al hospital y, de un día para otro, tuvo que dejarlo todo. Una operación urgente y complicada fue la primera de una serie que le puso una y otra vez al borde de la muerte. Ahora nos lo cuenta con la hondura existencial de quien la ha visto cerca y puede contarlo. Y también con la bondad y la gracia gaditana de quien dice que todo le parece maravilla y estupendo. Por eso en el hospital no dejaba de decir que sí. Que sí, a todo.

Primera obra del off teatral del Niemeyer en este 2022 que ojalá sea, por fin, el año pospandémico. Por el momento, regresamos al Club que es el lugar más adecuado para estas obras de pequeño formato en las que la intimidad con el público es la condición para que la experiencia pueda ser perfecta. Y desde luego la de esta noche lo ha sido. Sí, a todo es un ejercicio de autoficción en el que durante hora y media Abel Mora comparte con nosotros un año y medio de vivencias terribles que normalmente solo les pasan a otros. Su relato es (casi) monologado, pero consigue que (casi) veamos y oigamos a su familia, a los médicos, a las enfermeras, al psiquiatra y también a esa figura oscura que de vez en cuando se acerca a su cama. Para que esta experiencia teatral sea a la vez dramática, poética e hilarante ha tenido que pasar algunas cosas. Por ejemplo, que su protagonista sea, además de gaditano, un actor tan magnífico como Abel Mora, un tipo que expresa como nadie los sentimientos más normales y también los más agónicos. Pero también, que la dramaturgia y dirección hayan estado a cargo de Antonio Álamo que consigue el prodigio de maridar lo chirigótico con lo poético sin que esto sucumba a aquello ni aquello resulte incoherente con esto. Y por supuesto también que el monólogo de Abel Mora no lo haya sido realmente porque, a partir del ingreso en los mundos oníricos propios del coma, ha estado acompañado por Maica Rey, un prodigio de actriz que canta como los ángeles, que se mueve con una expresividad que cautiva la mirada (y que enamoraría a la cámara) y que puede ser cubana, gaditana, flamenca o cantante del musical neoyorquino en el que nuestro Abel cree estar cuando está al borde de dejar este mundo. ¿De dónde ha salido esta actriz maravillosa? ¿Cómo ha tenido tanto acierto Antonio Álamo intuyendo que la historia de Abel se contaba mejor con ese repertorio musical delicioso a cargo de dos voces maravillosamente entreveradas? Tras este estreno memorable en Avilés, Sí a todo viajará a Cadiz donde se podrá ver el próximo fin de semana. Y ojalá que después a muchas ciudades más. La historia de Abel debe ser conocida por muchos públicos. Para que puedan disfrutar con su calado reflexivo y su aliento poético. Y también con la bondad y la gracia de Abel, ese actor secundario que en la vida tuvo que protagonizar un drama agónico y que, con la ayuda de Antonio Álamo y Maica Rey, ha convertido su experiencia en un impagable y delicioso regalo escénico.

Shock 2 (la Tormenta y la Guerra)

Texto: Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga. Dramaturgia: Albert Boronat y Andrés Lima. Dirección: Andrés Lima.
Producción: Centro Dramático Nacional.
con Antonio Durán "Morris”, Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Guillermo Toledo y Juan Vinuesa.

9 de enero de 2022. Teatro Jovellanos, Gijón. 175’ aprox. (con descanso)

La doctrina del shock continúa. Más acá de los años ochenta y más acá de América Latina. Bush (padre e hijo), Yeltsin, Thatcher, Deng Xiaoping, Juan Pablo II, Rumsfeld y hasta Aznar protagonizan unos tiempos que lo ponen todo patas arriba. En Moscú, en Tiananmén, en Kuwait, en Irak, en Siria y también en un rancho de Texas. Es el shock global, el que casi llega hasta ahora.

El monólogo inicial de Carl Schmitt es impresionante. Nos habla de la política, es decir del Estado, la enemistad y la guerra. Luego vemos otra vez en una plataforma (y mesa) giratoria a los protagonistas recientes de todo eso. A quienes decidieron que la mejor forma de (re)construir el mundo es destruyéndolo. Sobre todo el mundo de los otros. El de los palestinos de Chatila y de Sabra, el de los habitantes de Bagdad o Mosul. O el de cualquiera que no sea uno de los nuestros (o sea, de los suyos). El ritmo es, como ayer, intensísimo y las interpretaciones son otra vez estupendas. Pero quizá el foco de este segundo Shock sea demasiado global y por eso resulta menos nítido. El relato es más fragmentario y menos pregnante. Aunque ver a Willy Toledo haciendo de Bush y dejando en ridículo a Aznar en Texas tiene algo de delicioso y memorable ajuste de cuentas. Así que han sido dos noches estupendas. De esas que uno quisiera poder vivir aquí más veces. Y es que estaría muy bien que las obras del Centro Dramático Nacional giraran con más frecuencia. Al fin y al cabo en CDN es público y español. Y de momento España no es privada. Ni solo madrileña.

Shock 1 (el Cóndor y el Puma)

Texto: Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga. Dramaturgia: Albert Boronat y Andrés Lima. Dirección: Andrés Lima.
Producción: Centro Dramático Nacional.
con Antonio Durán "Morris", Natalia Hernández, Esteban Meloni, María Morales, Paco Ochoa, Guillermo Toledo y Juan Vinuesa.

8 de enero de 2022. Teatro Jovellanos, Gijón. 165’ aprox. (con descanso)

La doctrina del shock como estrategia para el sometimiento individual y colectivo. A la voluntad de los torturadores. A los designios del imperio. El experimento tuvo su origen a finales de los cincuenta en los alegres despachos de los jerarcas de Estados Unidos, en las alucinadas lecciones de los economistas de Chicago y también en aquella Escuela de las Américas que adiestró en las técnicas del shock a los milicos del patio trasero. Asistimos a su desarrollo en el Chile que derroca a Allende, en la Argentina que ahoga los gritos de la Escuela de Mecánica de la Armada con la euforia futbolera y en toda la América Latina con las venas aún más abiertas en aquellos tiempos en que el Cóndor operaba y los helicópteros Puma enterraban en el mar a tantos desaparecidos.

Una plataforma giratoria en el centro del escenario. Al fondo, a la izquierda y a la derecha, tres grandes pantallas y tres gradas con público. En la plataforma se recrean hechos terribles que tuvieron como protagonistas a Nixon, a Kissinger, a Friedman, a Pinochet, a Videla o a Thatcher. También vemos a Allende, a Violeta Parra, a las madres de la Plaza Mayo y escuchamos algunos testimonios de torturas que se recogen en el Informe Sábato. Es teatro documental pero quizá sirva para ilustrar a los que no vivieron aquellos hechos sobre la obscenidad del mundo en que han nacido. Y para que no lo olvidemos nunca los que fuimos conscientes de tanta infamia. Por eso el intenso aplauso final seguramente es a la vez teatrero y político. Sin embargo, hay algo inquietante en el hecho de que las músicas en inglés de los Rolling Stone y George Michael resulten tan animadas para el público y nos nos acompañen alegremente en el receso y al término de la obra. O en que casi se celebre en el patio de butacas la euforia de Kempes cuando los actores interpretaban momentos futbolísticos. El opio del pueblo es tan adictivo que ni siquiera se le reconoce cuando el teatro intenta denunciar la alienación imperiófila y la desencefalización futbolera. Así fueron las cosas. Y así son todavía.

True West

de Sam Shepard. Adaptación: Eduardo Mendoza. Dirección: Montse Tixé.
Producción: Octubre Producciones, Bitò Produccions y Tanttaka Teatroa.
con Tristán Ulloa, Pablo Derqui, José Luis Esteban y Jeannine Mestre.

11 de diciembre de 2021. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 90’ aprox. Estreno absoluto.

Dos hermanos se encuentran en la casa que su madre tiene cerca de Los Angeles. Ella se ha ido a Alaska y Austin aprovecha esos días para preparar el guión de una película mientras le cuida la casa. Inesperadamente llega su hermano Lee, un tipo sin oficio ni beneficio que viene del desierto. Austin tiene una cita con su productor para cerrar el contrato de la película pero Lee interfiere en ese encuentro y consigue que una idea suya bastante vaga sobre dos tipos que se persiguen en el desierto interese al productor más que el guión que estaba preparando su hermano. Cuando la madre regresa encuentra la casa tan alterada como la relación entre ellos.

Esta noche se estrena en el Niemeyer este clásico de Sam Shepard que parece sostener que el auténtico Oeste puede estar también en la relación entre dos hermanos. Tristán Ulloa y Pablo Derqui los encarnan con mucho brío en papeles que me resultan inesperados. La habitual fuerza de Pablo Derqui (Mario Gas lo ha dirigido en registros intensísimos en Pedro Páramo y en Calígula) poco tiene que ver con el carácter sosegado del hermano que comienza tan flemático y termina desquiciado. Y también sorprende la aspereza y el cinismo que Tristán Ulloa consigue dar al personaje del hermano intempestivo. Los dos están cojuntadísimos en esta historia que no deja de ser también un duelo que tiene a un productor y a una madre como testigos. La dirección de Montse Tixé es también muy atinada combinando muy bien las escenas matinales y nocturnas con los estados de los personajes, aprovechando las posibilidades de los movimientos laterales del telón para las transiciones y generando oportunos cambios de atmósferas en el espacio escénico conforme la relación entre los hermanos avanza hacia el desastre. La adaptación del texto de Eduardo Mendoza también es muy fluida y apropiada. Solo me queda la duda de si el pesimismo de Sam Shepard no tendrá también algo de fascinación reaccionaria. En este sentido, me debato entre considerar la historia como una mirada nihilista a las relaciones familiares (particularmente las fraternales) o si interpretar que nos está advirtiendo sobre el magnetismo y el poder disolvente del caos sobre cualquier forma de orden (quizá para defender la tesis de que hay que mantenerlo bien a raya). No sé qué pensar sobre las intenciones de Sam Shephard, pero todo lo demás me ha gustado mucho.