Cristo está en Tinder

Autoría y dirección: Rodrigo García.
Producción: Teatro de La Abadía en coproducción con Festival Actoral (Marsella) y Festival Next (Valenciennes).
con Elisa Forcano, Selam Ortega, Javier Pedreira y Carlos Pulpón.

1 de marzo de 2024. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 110’ aprox.

Cuerpos ajenos. Palabras ajenas. Sueños ajenos. Un perro robótico, un guitarrista, dos actrices y un actor. A los tres últimos quizá habría que llamarlos intérpretes corporales. De eso va la obra, de escenas con cuerpos sincopados que bailan, juegan y a veces hablan. También los vemos en video, en escenas paródicas del pijerío contemporáneo. 

Peter Brook dijo que cuando alguien camina en un espacio vacío ya hay teatro. Así que la propuesta de Rodrigo García lo es, aunque los que se fueron en la primera media hora (no fueron tantos) estén en desacuerdo. Cristo está en Tinder carece de planteamiento, nudo y desenlace. Uno ha de enfrentarse a esta obra como a la pintura abstracta, a las performances museísticas o a la danza contemporánea. A las dos primeras cada cual le dedica el tiempo que quiere. Quizá por eso la tercera y esta propuesta no sean aptas para todos los públicos. Sin embargo, además de su plasticidad coreográfica (áspera, pero magnética), Cristo está en Tinder tiene otros muchos hallazgos. Desde luego, lo son las ejecuciones de los actuantes (incluido el perro) y, por supuesto unos textos demoledores y sarcásticos que unas veces escuchamos gestualizados (más que dichos) por ese trío y otras los leemos en el magnífico diario de Tito, nuestra increíble mascota robótica. Reconozco que este tipo de propuestas no tienen fácil frecuentar las programaciones escénicas sin que se resientan los abonos. Pero se agradece que también formen parte de la nuestra. Yo, sin duda, prefiero mil veces este ácido corrosivo de Rodrigo García que las resabidas comedias de resortes y tópicos que tan plácido hacen el trabajo de algunos (pseudo)programadores.

Dossier

Camino al zoo

de Edward Albee. Versión: Juan Carlos Rubio y Bernabé Rico. Dirección: Juan Carlos Rubio.
Una producción de TalyCual, Pentación, Lázaro y la Alegría.
con Fernando Tejero, Dani Muriel y Mabel del Pozo.

24 de febrero de 2024. Centro Cultural Valey, Piedras Blancas. 80’ aprox.

Peter está sentado y asediado. Primero por su mujer, Ann, en un sofá doméstico. Luego por un extraño, Jerry, en un banco de Central Park. Con ella tiene diálogos superficiales y profundos sobre lo que sienten y sobre su relación. De él escucha historias truculentas que, casi sin querer, termina protagonizando.

Fin de semana con Edward Albee. Ayer en el Palacio Valdés el estupendo estreno de Un delicado equilibrio dirigido por Nelson Valente. Hoy en el Valey este Camino al zoo dirigido por Juan Carlos Rubio con notable contención. Es un drama en dos actos con un mismo protagonista para dos historias (una íntima y conyugal, otra exterior y masculina) a las que, además del personaje de Peter, comparten instantes violentos: el del pasado que él confiesa a su mujer y el que cerrará dramáticamente el encuentro con Jerry. Fernando Tejero, Mabel del Pozo y Dani Muriel están muy bien en esos personajes intensos. Quizá por sus vecindades con la historia del magnífico estreno de ayer, a mi me han interesado más las confesiones maritales de la primera parte que, en su lado femenino, me han hecho pensar en las matizadas y oportunas reflexiones de Clara Serra en El sentido de consentir (Nuevos Cuadernos Anagrama, 2024). Así que ha sido un fin de semana teatralmente estupendo con el teatro de Albee haciendo doblete en nuestra comarca.

Programa de mano

Dossier

Un delicado equilibrio

de Edward Albee. Dirección: Nelson Valente.
Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Alicia Borrachero, Ben Temple, Manuela Velasco, Joan Bentallé, Cristina de Inza y Anna Moliner

23 de febrero de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 130’ aprox. Estreno absoluto

Agnes y Tobías forman una pareja madura que vive con hastío su cotidianidad. Sobre todo ella, que no soporta la presencia en la casa de su hermana Claire. La cosa se complica con el regreso de Julia, la hija de Agnes y Tobías, que acaba de romper su cuarto matrimonio, y con la inesperada llegada de Harry y Edna. Ellos son sus mejores amigos y han abandonado aterrorizados su casa para instalarse en la habitación de Julia.

Otra magnífica noche de estreno en el Palacio Valdés. El texto tiene casi sesenta años, pero sus atmósferas son tan intemporales como la forma en que una familia puede ser refugio acogedor o escenario de tedios, reproches y culpas. Edward Albee tiene el acierto de hacer del miedo existencial la clave de la llegada de Harry y Edna a la casa de Agnes y Tobías. Cuatro años antes de que Albee estrenara esta obra, Buñuel había dirigido El ángel exterminador. Así que bien podría haberse inspirado en el terror coral que en aquella película impedía a unos burgueses abandonar una casa para ese inexplicable miedo que hace huir de la suya a Harry y Edna. La dirección de Nelson Valente es acertadísima, con un espacio doméstico casi abstracto en el que un sofá, un sillón y un frecuentado aparador de alcoholes varios tienen como fondo una tela oscura que separa a esa familia de un mundo exterior ignoto y de unos cuartos muy disputados: el de ese matrimonio que duerme separado y el de esa hija sin habitación propia porque Harry y Edna ya la han tomado. Un delicado equilibrio compondría un díptico perfecto con El declive, una obra que también dirigió (y escribió) Nelson Valente y que pudimos disfrutar hace cinco años en este mismo escenario. Entre sus aciertos está la elección de un elenco que realiza un magnífico trabajo. Alicia Borrachero está poderosa en ese personaje que no decide nunca, pero lleva siempre el peso de todo. Con una gestualidad ajustadísima, Ben Temple está impecable en el papel del flemático Tobías, el contrapunto perfecto de Agnes, para el que son muy acertadas esas sutiles glosas irónicas sobre su anglodisglosia. Manuela Velasco consigue darle una fuerza singular al personaje de Claire, que carga con un odio recíproco hacia su hermana y una oscura relación con su cuñado en el pasado. Anna Moliner consigue hacer creíble algo tan difícil como llenar de debilidad adolescente al personaje treintañero de Julia. Por su parte, Cristina de Inza y Joan Bentallé encarnan de forma perfecta a esa pareja (en cierto modo simétrica de la de Agnes y Tobías) en la que Edna es la que decide y Harry quien levanta las anclas. Con ese matrimonio, además del inesperado elemento externo que dinamiza la historia, Albee nos ofrece una interesante reflexión sobre la lealtad y la culpa y sobre los derechos y deberes que comporta la amistad. Por lo demás, ha sido un gusto escuchar las voces de todos sin amplificar. Cada vez es menos frecuente en los teatros y eso nos recuerda que el verbo proyectar también formaba parte de las virtudes diferenciales del trabajo actoral.

Italianeses

de Saverio La Ruina. Dirección: María Gómez y Riccardo Rigamonti
Producción: NadaDeLirios.
con Riccardo Rigamonti.

16 de febrero de 2024. Centro Niemeyer (club), Avilés. 80’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Tonino nos cuenta su vida. La de un italiano que nació en Albania y vivió siempre recluido en un campo.  Le tocaron los tiempos de la Guerra Fría y el aislamiento albanés. Una época especialmente dura para los soldados de Mussolini que no pudieron dejar aquel país. El padre de Tonino sí pudo volver, pero él vivió cuarenta años encerrado en ese campo albanés sin perder la esperanza de que algún día podría conocer Italia y encontrar a su padre.   

Bondad, alegría y esperanza. Es lo que destila el conmovedor relato que Riccardo Rigamonti nos comparte en primerísima persona. Esas tres actitudes definen a ese entrañable Tonino que disfruta con las cosas pequeñas, como los colores de las telas, la delicadeza de las costuras o la textura de un sueño en el que una joven de ojos celestes y pelo de trigo bien podría volver en verano. Son historias muy distintas, pero la atención a la belleza de las telas y la delicadeza de las intimidades me ha recordado a las de El Caftán azul, de Maryam Touzani. Con Italianeses Riccardo Rigamonti ha conseguido recrear esta noche la sutil complicidad que genera el viejo arte de contar historias al calor del fuego. Para Luis Landero (pienso en El Balcón en invierno) en ellas está la fuente de la memoria que hace posible la literatura. Así que, viendo a Tonino esta noche, uno cree que está asistiendo, no a la representación de un texto magnífico por un actor extraordinario, sino a las confesiones sinceras de un hombre bueno que inspiraron al autor de esta obra.

Programa de mano

El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar

Texto: Josep María Miró. Dirección: Xavier Albertí.
Una producción de Teatre Romea y Temporada Alta.
con Pere Arquillué.

11 de febrero de 2024. Teatro de La Abadía, Madrid. 105’ aprox.

El cuerpo es el de Albert, que solo tenía 17 años. Él mismo comienza recordando desde ese momento y ese lugar. También hablan los campesinos que lo encuentran. Y Antònia (su madre), Júlia (la directora del instituto), Ricard (el viejo del aserradero) y Eliseu (antes Pink, a partir de ahora Blue). Falta Ramis, el padre de Albert que lleva once años muerto.

Un texto superlativo y un actor inigualable. No es fácil reseñar lo que ha escrito Josep Maria Miró. Un coro de voces sobre una tragedia en tres tiempos: el del trauma infantil del padre, el de la dicha del hijo que quizá explica la inmolación de aquel y el de ese cuerpo tan bonito que el pueblo entero quizá haya sacrificado. El reto para Pere Aquillué era descomunal. Encarnar todas esas voces sin imposturas, a cuerpo limpio,  con solo una luz a su derecha en un espacio vacío y oscuro. Después de verlo haciendo de Dios en el Paraíso perdido de Milton, que dirigió Andrés Lima, estaba seguro de que hoy sería una noche memorable. Y lo ha sido. Hora y tres cuartos de teatro mayúsculo. Del que se contempla hacia adentro, casi con los ojos cerrados y el alma despierta. Conscientes de que, cuando pasen los años, podremos decir que estuvimos en La Abadía viendo al gran Pere Arquillué en El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar. Lluis Homar me había encantado haciendo algo parecido, pero con más apoyos, en Terra Baixa, el clásico de Gimerá. Pero Arquillué ha ido más lejos con este clásico contemporáneo de Josep María Miró (merece la pena leer su propio epílogo y el excelente prólogo de Abel González Melo en la edición de Artezblai). Y hay que destacar también el fenomenal trabajo de Xavier Albertí en la dirección (el pasado verano veíamos en el Teatro Maria Luisa de Mérida su magnífico En mitad de tanto fuego, otro estupendo monólogo de Alberto Conejero protagonizado por Rubén de Eguía). Él y Pere Arquillué  han conseguir llenar de verdad este espacio vacío habitado por muchas voces y un único hombre que ha conseguido emocionar a quienes hemos asistido a esta obra excepcional.

Programa de mano

Misericordia

texto y dirección: Denise Despeyroux.
una producción de Centro Dramático Nacional y Showprime.
con Denise Despeyroux, Natalia Hernández, Pablo Messiez, Cristóbal Suárez y Marta Velilla.

10 de febrero de 2024. Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva), Madrid. 135’ aprox.
24 de enero de 2025. Centro Niemeyer, Avilés. 135' aprox.

Darío Duarte va a estrenar en la sala grande del María Guerrero. Quiere que su obra trate del exilio y se lo comenta a su amigo Dante, un dramaturgo muy premiado al que no le encargan nada. De hecho, ha dejado el teatro por la psiconeuroinmunología. Darío tiene dos hermanas: Delmira, entregada a la cábala judía, y Dunia, diseñadora de videojuegos. Así que los encuentros entre los cuatro son muy especiales. Sobre todo para Darío que quiere que su obra rememore aquel viaje que organizó desde España el primer gobierno socialista para que doscientos hijos de exiliados uruguayos volvieran por Navidad a su país. Él participó en aquel viaje, pero no se acuerda de nada. Así que le ha pedido consejo a Sergio Blanco y él le ha dicho que hable con Denise Despeyroux. Ella también estuvo en aquel viaje cuando tenía ocho años y seguramente se acuerda. A Darío no le apetece hablar con ella porque no ha visto ninguna de sus obras y su teatro no le interesa. 

Metaautoficción hilarante. Dos horas y cuarto de inteligencia, gracia, e ironía a cuenta del propio gremio. Darío es Pablo Messiez y dice que su teatro es demasiado abstracto. Denise es Despeiroux y acepta colaborar con él aunque realmente no quiere hacerlo. También salen otros nombres y obsesiones del panorama teatral españargentiguayo. Así que, además de ellos mismos y Sergio Blanco, también se habla de Francesco Carril (todo el mundo quiere trabajar con él) o de autores y directores más conocidos que Dario Despeiroux  como, por ejemplo, Pablo Remón o Andrés Lima (a este último lo teníamos justo delante y creo que se lo ha pasado tan bien como nosotros). Me encanta Denise Despeyroux. Como autora, como directora, como actriz y ahora también viéndola cuando era una niña deliciosa con ese vestido amarillo (está claro que ella nunca ha tenido miedo al teatro) y era entrevistada por la televisión sobre aquel viaje. Ojalá que a Denise le vaya muy bien con Misericordia (y que a Dante, a Darío y a sus hermanas les vaya muy bien con sus cosas). Y ojalá que pronto la tengamos de nuevo en Avilés. Sabe que la queremos mucho. 

Con esta son 500 las obras que he reseñado en este blog. Diez años de teatro, de buen teatro. Y seguimos en el teatro... 

Programa de mano

Nuestros actos ocultos

Texto y dirección: Lautaro Perotti.
una  coproducción de Timbre 4, Mamá Floriana SL y Teatro Español .
con Carmen Machi, Macarena García y Santi Marín.

9 de febrero de 2024. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 80’ aprox.

Elena acaba de tener un accidente de noche y su marido ha muerto. O quizá no haya sido un accidente. Al lugar llegan Azucena, su madre, y Patri, su medio hermano. Las relaciones en esa familia son complicadas y nosotros la vemos en varios tiempos.

Ahora, hace seis meses y hace dos años. Esos son los momentos se van entreverando en esta historia llena de tristezas. La de una madre antes alcohólica y ahora afectada por la desmemoria. La de una  joven que quiere ser madre y no podrá serlo con su marido. Y la de un joven discapacitado que está siempre disponible para las dos. El texto de Lautaro Perotti es preciso en los lenguajes y destila la aspereza íntima de una familia llena de recelos y vacía de sinceridad. En medio de las dos mujeres está Lautaro, ese joven que es todo ternura y que querría servir de puente entre las dos. Carmen Machi está magnífica y rotunda, como ella sabe, en un personaje que intenta retener su fuerza cuando empieza a ser consciente de que pronto la perderá. También está impecable Macarena García en el papel de esa joven que quiere ser madre y no sabe ser hija para la suya. Y, por supuesto, Santi Marín interpretando a ese joven que, sin entender bien las cosas, intuye que deberían mejorar. Casi no lo reconocía, pero a él lo vi en Buenos Aires cuando interpretaba, precisamente con Laurato Perotti, esa maravilla titulada Próximo.  Aquella noche él y yo debíamos ser los únicos españoles en Timbre 4. Y eso hacía aún más especial y cercana aquella historia sobre las distancias. La de esta noche está llena de sugerencias tristes. Aunque no estoy seguro de que la recurrencia subrayada de los cambios temporales sea lo que más le conviene. Quizá con menos escenas distanciadas y prescindiendo sin rótulos temporales la historia podría ganar en interés sin perder emoción.

Programa de mano

Cielos

de Wajdi Mouawad. Dirección: Sergio Peris-Mencheta.
una producción de Barco Pirata.
con Marta Belmonte, Jorge Kent, Álvaro Monje, Pedro Rubio y Javier Tolosa.

2 de febrero de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 110’ aprox.

Se prepara un gran atentado. A la Secretaría de Estado para la Defensa la pista Tintoretto le parece demasiado poética. Un criptógrafo de la célula francófona había avanzado mucho en ella a partir del cuadro de la Anunciación. Tanto que, por algún motivo, se suicida. Quien le sustituye encuentra nuevas claves que le llevan a anticipar varios atentados simultáneos en diversas ciudades. Pero se les ordena seguir la pista islamista.  

Todo hombre que mata a otro hombre es un hijo que mata a otro hijo. Lo cantaba Lluis Homar en Cerca de tu casa. Wajdi Mouawad pone en esa frase la clave de las herencias de las guerras del siglo XX que explican el dolor de esos jóvenes del XXI dispuestos a hacer del terrorismo un acto poético. Con Cielos cerró su tetralogía La sangre de las promesas que incluye también Bosques, Incendios (sublime el montaje que vimos en 2017 del gran Mario Gas) y Litoral. Cielos es el texto más contemporáneo de los cuatro. El que, abundando en la reflexión sobre la herencia de la sangre derramada, apunta a los desafíos de la actualidad. Verla en estos días de genocidio en Gaza aún impresiona más. Incluso uno sale pensando hasta qué punto la elección por algunos jóvenes de los museos como nuevos escenarios para algunos atentados de baja intensidad no tendrá algo que ver con lo que aquí plantea Wajdi Mouawad. Por lo demás, es admirable la interpretación escénica que hace Sergio Peris-Mencheta de un texto tan complejo como este. Todo un acierto ese espacio en tres niveles con el jardín de las estatuas y las confesiones en el superior, las celdas para las comunicaciones con las familias abajo y en medio esa sala de trabajo gris sin referencias exteriores en cuyo fondo hay unas texturas rugosas que me recuerdan lo que podría haber hecho Cristina Iglesias a partir de dibujos neuronales de Cajal. Junto a esos tres niveles de aislamiento Peris-Mencheta ha sabido crear la imaginería digital necesaria para que, sin perder teatralidad, podamos seguir los muchos elementos virtuales del entramado narrativo que propone Mouawad. Los cinco intérpretes están impecables en esta obra que exige la tensión del suspense y la intensidad de una poesía que, como dice Mouawad, pretende ser compatible con las matemáticas o el terrorismo. Siento no haber podido ver también Bosques y Litoral. Leyendo la tetralogía (y los magníficos prólogos de Eladio de Pablo) se aprecia la gran calidad de un autor cuyo reconocimiento es bien merecido. Aunque también es muy afortunado con puestas en  escena de sus obras como las de Mario Gas y Sergio Peris-Mencheta, quizá los directores de teatro más notables del panorama español. Esperemos que Sergio esté pronto en plena forma para seguir haciendo tan buen teatro como el que nos ha traído en estos años a Avilés: Continuidad de los parques, Lehman Trilogy, ¿Quién es el señor Schmitt?, Una noche sin Luna, Castelvines y monteses, Ladies Football Club y ahora Cielos. Nos encantará poder aplaudir de forma especialmente cálida lo próximo que dirija. No hay prisa. Le estaremos esperando.

 Programa de mano
Dossier

Juicio al extranjero

Dirección y dramaturgia de Íñigo Satacana sobre El extranjero de A. Camus
Barandi Producciones.
con Luis Maesso, Sergio Boyarizo y Mar P. Soler.

26 de enero de 2024. Centro Niemeyer (club), Avilés. 80’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

El hombre al que se juzga es el protagonista (y voz narrativa) de El Extranjero de Albert Camus. Lo harán un juez, un fiscal, un abogado, dos testigos y nueve miembros del jurado cuyos papeles interpretan quince personas del público. El azar ha hecho que esta noche sean mujeres los seis personajes que vemos en el escenario. Todas tienen sus intervenciones escritas, para que puedan leerlas o, si lo prefieren, improvisen. Ellos no participan en el proceso, pero todo está dirigido por los tres miembros de la compañía.

Esto no es un juego de roles. Esa es la advertencia que hago siempre a los participantes en las controversias simuladas sobre temas con relevancia social con las que intentamos promover en las aulas el aprendizaje de la participación pública sobre cuestiones complejas. Esta misma semana mis alumnos del máster están preparando  una de ellas y ya lo saben: no se trata de "hacer teatro". Es decir, de simular que simulamos, de participar en un juego muy serio tomándolo a broma y distanciándonos de él. Por el contrario, la magia del verdadero teatro consiste precisamente en poner entre paréntesis la incredulidad, en olvidar que sabemos que lo que ocurre no es real y meternos de lleno en la historia. El pacto compromete por igual a los actores y al público. Aquellos deben obviar que personaje viene de máscara y nosotros olvidarnos de que sus nombres son los del programa de mano. Si se invita al público a participar no es para los que salen "hagan teatro" y los que miramos nos sintamos en el club de la comedia. Por eso los dispositivos que llevan al público a la escena son arriesgados y, si el tema es dramático, lo primero que se ha de conseguir es que evite conjurar sus miedos haciendo parodias que hagan reír a los que quedaron en las butacas (algo parecido a esos niños que en la función escolar saludan con la manita a sus padres). Creo que esta noche el problema no ha estado solo en que una de las actrices accidentales compitió en gracia asturiana con Joaquín Pajarón. Es, más bien, la forma de plantear un dispositivo, que deja casi todo en manos de los intérpretes imprevistos, lo que condiciona el tratamiento de un asunto que no es para bromas. Conseguir que el público salga comentando las diferencias entre juzgar hechos o intenciones, entre el delito y la delincuencia, entre el acto y las circunstancias o entre el castigo y la reinserción, sería un buen indicador del acierto de haber llevado al escenario, en formato participativo, la novela de Camus. Pero me temo que esta noche, quienes no la hayan leído, no habrán podido intuir su enorme calado e interés.

Contracciones

de Mike Bartlett. Dirección: Israel Solá.
Producciones Come y Calla.
con Candela Peña y Pilar Castro
 
20 de enero de 2024. Teatro Municipal Concha Espina, Torrelavega. 90’ aprox.

La jefa de la compañía llama a Emma y le pregunta cómo está. Luego quiere saber cómo van las relaciones con sus compañeros. La entrevista se repite muchas veces y cada vez la desquicia un poco más. Así va condicionando su vida con nuevas vueltas de tuerca.

Los diálogos van desde los modos convencionales de la hipocresía laboral hasta el acoso más surrealista. Entre cada encuentro un esgrimista sale a escena para recoger cosas y desinfectar la mesa en la que se desarrolla ese pugilato infecto y desequilibrado. Contracciones es un retrato extremo sobre las relaciones laborales. Sobre las formas de intrusión del poder que las preside en la vida de las trabajadores. Una dialéctica del amo y el esclavo en los contextos profilácticos de la cultura del emprendimiento y el afán por el crecimiento. Candela Peña y Pilar Castro están magníficamente compenetradas en estos papeles que dan mucho que pensar y bastante que reír. De hecho, consiguen llevarnos hasta extremos surrealistas. Y es ahí donde la caricatura tiene el riesgo de dar a entender que las cosas no son así en la realidad. Y es verdad. No ocurren durante hora y media sino a lo largo de los años y con formas más sutiles. Y es que Contracciones solo sintetiza y bromea con las hipocresías y las formas de dominio en los entornos laborales. Esos que pregonan la importancia de la identificación con la empresa y el cuidado del equipo, pero chantajean, acosan y (tele)explotan a tantos trabajadores.

Programa de mano

Cucaracha con paisaje de fondo

dirección y dramaturgia: Javier Ballesteros.
una creación de Mujer en Obras.
con Javier Ballesteros, Laura Barceló, Eva Chocrón, Virginia de la Cruz, Matilde Gimeno, María Jáimez y June Velayos

15 de diciembre de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 95’ aprox.

Un médico, unas enfermeras y unas mujeres en un balneario. Ellas toman las aguas porque quieren ser madres. Por allí pasa también Fernanda, una mujer de negro que le pide al médico un tipo de ayuda muy distinta. También hará de pitonisa para esas mujeres.  

En un lugar de arquitectura tan nívea como la del Niemeyer parece muy adecuado ese recinto blanco en el escenario. En el centro hay una piscina mínima que también podría ser altar o pozo oracular. De hecho, Cucaracha con paisaje de fondo tiene mucho que ver con la forma en que en el teatro griego se resolvían las incertidumbres. Aquí también hay coros de mujeres sin rostro que hablan al unísono y profecías cuyo cumplimiento tiene consecuencias trágicas. La obra se inspira en La despedida de Kundera, pero también seguramente en Yerma. De hecho, llama la atención el contrapunto acuático de ese entorno abstracto en el que esperan y desesperan estas mujeres, también yermas, cuya maternidad depende de lo que haga ese médico llamado Federico. Desde su concepción, la obra ha querido ser plenamente coral. Así que Javier Ballesteros no es el único responsable de sus muchos aciertos. Entre ellos ese uso intermitente del verso que resulta tan irónico. O un texto lleno de sugerencias que dan que pensar (el ferrocarril, las letanías hipocráticas, la pitonisa fumadora que no se considera señora...) También esa sencilla iluminación que parece querer evitar cualquier subrayado. Así que ha sido un gusto tener en Avilés en función doble (la de la mañana era para jóvenes y terminó con un animado coloquio) esta obra que mereció en 2023 el Premio Max a la mejor autoría revelación y al mejor espectáculo revelación. Cucaracha con paisaje de fondo trata de la maternidad, de la eutanasia, del aborto, del futuro de lo humano, de la deontología médica, del destino, los deseos y las soledades. Y consigue entreverar todo eso evitando cualquier tesis o discurso edificante. Lo hace con un tono entre el suspense y la comedia, entre lo poético y lo escatológico, entre lo explícito y lo elusivo, entre la sororidad y el sálvese quien pueda. Un trabajo estupendo de las de Mujer en obras. Ojalá vuelvan pronto por Avilés.

Programa de mano

Dossier

Los amigos de ellos dos

de Matías del Federico y Daniel Veronese. Dirección: Daniel Veronese.
una producción de Teatro Español, Vania y Producciones Off.
con Malena Alterio y David Llorente.

12 de enero de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 80’ aprox. Estreno absoluto.

Nicolás y Eli han llegado al reservado del restaurante en el que han quedado con Vanesa y Fran. Desde hace doce años los dos matrimonios cenan juntos todos los jueves, pero esta noche ellos no aparecen. Nicolás está especialmente molesto porque considera que la relación entre los cuatro es muy desigual. Sus amigos deciden siempre todo y en todo son estupendos, mientras que ellos parecen seres inferiores y dependientes. Vanesa y Fran no llegan, así que la incomodidad de Nicolás aumenta y la paciencia de Eli se va agotando. Especialmente con él.

El que espera desespera. Sobre todo si es un hombre y se compara con otro. Eli no tiene esos problemas porque la envidia o los complejos son sentimientos que le resultan ajenos. Así que la espera a la que asistimos en tiempo real es una confrontación catártica entre una pareja estable que se compara con otra más exitosa. El texto está muy bien medido y progresa con una intensidad y una precisión comparables a las de los diálogos de Pascal Rambert, aunque en Los amigos de ellos dos no hay la aspereza de obras como La clausura del amor o Finlandia en las que la pugna no tiene límites. De hecho, no hay duda de que Matías del Federico y Daniel Veronese han escrito una comedia impecable y muy eficaz (las frecuentes risas del público lo confirman). Sin embargo, tras la aparente nimiedad de lo que les pasa a estos personajes que esperan, hay una reflexión de calado sobre la pareja y la amistad, un cuestionamiento de la felicidad aspiracional y un juego teatral en el que dan mucha risa las cuitas de este matrimonio, cuyos amigos quedan en fuera de campo, pero también se cortan en seco con momentos como el del monólogo en que Eli va más allá de las cansinas quejas de su marido o ese final perfecto (y casi doble) que confirma que lo visto es, más bien, una comedia trágica en la que, además de ofrecernos diálogos muy frescos y naturales, Matías del Federico y Daniel Veronese nos dan mucho que pensar. Viendo esta obra me acordaba de Los que hablan, aquella maravilla de Pablo Rosal que exploraba las posibilidades del lenguaje emparejado, desde los balbuceos liminares hasta los intercambios inerciales hechos de frases hechas. Allí también estaba magnífica Malena Alterio con Luis Bermejo, como aquí lo está con David Lorente. En esta noche de estreno los dos parecen tan compenetrados como si la de hoy  fuera la última función en Madrid. Y es que aunque ya sabíamos lo estupenda actriz que es Malena Alterio, trabajos recientes como este o el que ha hecho en Que nadie duerma (la magnífica película de Antonio Méndez Esparza por el que tendría bien merecido el Goya a la mejor interpretación) demuestran su impresionante calidad encarnando a personajes magnéticos, siempre al margen de lo convencional. Así que comenzamos el nuevo año con otra estupenda noche de estreno en la que las risas han sido frecuentes, pero nunca de resortes, y los silencios han sido intensos y bien significativos.

Programa de mano

La caja

Creación: Desirée Belmonte, Sebastián López, Carlos Molina. Texto y dirección: Desirée Belmonte
producción: Teatro La Catrina.
con Desirée Belmonte.

18 de noviembre de 2023. Centro Niemeyer (club), Avilés. 60’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Mabel, Jordi y Vicente. Tres seres con afanes poco comunes. Mabel percibe como nadie los matices del presente. Jordi vive en la calle y duerme en la playa mientras escucha el sonido de las estrellas. Vicente viaja hasta París buscando su otra mitad. Los tres han sufrido el estigma y temido el encerramiento. Nos lo cuenta Desirée y lo vemos en sus videos.

Teatro documental sobre seres bondadosos que no le tienen miedo a la loca de la casa. La caja pudiera ser la de Pandora, en la que solo hay esperanza pero la mantienen cerrada quienes temen lo que ignoran. Son los que pretenden que cada singularidad encaje en una categoría y enclaustran a los que no caben en ninguna. La caja es teatro comprometido. Más que con la salud mental, con los valores humanos. Además de la narración de Desirée Belmonte, las tres historias se desarrollan con los videos de sus protagonistas y con esas metáforas hechas a partir de objetos (el círculo de espejos, la constelación de sombras, la caja que se va abriendo...) Así que bienvenidas sean propuestas escénicas tan sencillas y edificantes como esta. 

Programa de mano

María Luisa

Texto y dirección: Juan Mayorga.
una producción de Teatro de La Abadía y Lazona.
con Lola Casamayor, Juan Codina, Paco Ochoa, Juan Paños, Marisol Rolandi y Juan Vinuesa

15 de diciembre de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100’ aprox.

Raúl, el portero del edificio en el que vive María Luisa, le dice que debería poner más nombres en el buzón para evitar que los ladrones sepan que vive sola. Ella le dice que ponga Emerson Azzopardi y Benito Beckenbauer. Al llegar a casa los dos la esperan. Beckenbauer es un hombre de acción dispuesto a poner el país a sus pies. Azzopardi es un poeta torturado al que continuamente le brotan versos. Luego aparecerá Juan Olmedo, un hombre de orden que se desvive por cuidarla. María Luisa comenta con su amiga Angelines cómo le va con ellos. Ellas se ven todos los jueves, aunque lo que de verdad le apetece a María Luisa es ir a bailar una noche.  

Un canto a la libertad de la mujer madura. Un catálogo de masculinidades arquetípicas. Un repertorio de actos de habla en español vigesímico. Un conjunto poético de filosofemas tentativos. Una comedia surrealista. Un juego de espejos metateatrales. Un texto diáfano y trufado de sutilezas. Todo eso es María Luisa. Mayorga en estado puro. La puesta en escena y las interpretaciones son perfectas. De hecho, ejemplifican la ambivalencia de significados que en español tiene la palabra que define el trabajo actoral: personificar a los personajes (hacer sonar la máscara) y proponer hermenéuticas sobre ellos. Hallazgos como esa escalera de luz que María Luisa sube con fatiga o esa grieta entre coche y andén que ella atraviesa para luego tirar del freno de mano o irse a bailar, demuestran el magnífico director que (también) es Juan Mayorga. Con María Luisa nos ofrece una lección de feminismo libertario y una nueva reivindicación del teatro. De ese arte en el que la imaginación puede ir más allá del encuentro entre autor, director, intérpretes y público. Porque los propios personajes también pueden crear y recrear sus vidas. Quizá Raúl no sea un portero sino un director de escena. Azzopardi, Beckenbauer y Olmedo pudieran no ser ficciones sino intérpretes y sus personajes podrían ser esos muñecos colocados cerca de la ventana que terminan arrumbados en el proscenio. Pudiera ser que la verdadera autora de María Luisa sean María Luisa y que nosotros estemos mirando su vida desde la calle. Podría ser incluso que ella finalmente nos esté invitando a bailar. Ningún lugar más propicio para pensar todo esto que el Niemeyer. Aquí el escenario también se abre a una plaza.

Programa de mano

Días de vino y rosas

de J.P. Miller. Adaptación teatral: Owen McCafferty. Versión: David Serrano. Dirección: José Luis Sáiz.

Producción: ADN Teatro.
con Marcial Álvarez y Cristina Charro.

6 de diciembre de 2023. Teatre La Gleva, Barcelona. 75’ aprox. 

Sandra y Luis se conocen en un aeropuerto de camino a Nueva York. Los dos piensan vivir en esa ciudad. Él trabajando como relaciones públicas de un gran equipo de baloncesto y ella buscando simplemente la felicidad. Los dos acabarán juntos y tendrán un hijo. También compartirán una gran afición al alcohol. 

Se estrena hoy en La Gleva esta obra basada en la historia de J. P. Miller en que se inspiró Días de vino y rosas, la película de Blake Edwards. Los personajes son españoles y la ciudad es Nueva York en lugar de San Francisco, pero lo esencial de la historia se mantiene. Cristina Charro y Marcial Álvarez consiguen modular muy bien la intensidad creciente de este viaje al abismo de sus personajes. Y José Luis Sáiz destila lo básico de la historia ubicándola en un espacio con elementos mínimos (apenas dos sillas y un mueble bajo) que, con mucho acierto, lo fía todo a la fuerza de las escenas y a lo bien que hacen los intérpretes las transiciones y cambios de vestuario sin abandonar ese espacio. "Contigo hasta el infierno" es la frase que ella repite varias veces y resume muy bien la hibridación entre la adicción y la historia de amor que define la historia. Días de vino y rosas da que pensar sobre los cambios de hábitos y percepciones que ha habido acerca de las adicciones en el mundo adulto. Más normalizadas, diversificadas y mimetizadas que nunca, siguen estando presentes en estos tiempos inciertos. Aunque, seguramente, las que más condicionan las vidas ya no sean las que se beben, fuman o esnifan, sino otras que, de forma más sutil, afectan directamente al alma.

Romeo y Julieta despiertan

de E. L. Petschinka. Dirección: Rafael Sánchez.
una producción del Entrecajas Producciones Teatrales y Teatro Español.
con Ana Belén, Jesús Noguero, José Luis Torrijo, Irene Rouco y Pablo Amorós.

1 de diciembre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100’ aprox.

Quizá lo hacen cincuenta años después. Los dos despiertan, pero les cuesta reconocerse. Sobre todo a Romeo, que vuelve bastante amnésico a la realidad.

Recuerdos intermitentes de unos amantes con el sueño eterno interrumpido. Hay música en directo y, desde el comienzo, hay también roturas parciales de la cuarta pared. La puesta en escena es sobria pero eficaz. Las interpretaciones son impecables, con variaciones sin estridencias entre las distintas edades de los personajes. Así que todo está bastante bien en esta obra que, sin embargo, me hubiera gustado que me gustara más. Es como si la encontrara a medio camino entre la recreación de un clásico (y al verla  me acuerdo de lo que hizo Sergio Peris-Mencheta en Castelvines y Monteses) y su revisión (pienso en lo que hizo Pablo Remón con Doña Rosita, anotada -y en lo que seguramente hará con Vania-). Creo que Petschinka se queda a medio camino o no llega a ninguna de las dos cosas. Pero eso no desmerece el estupendo trabajo que hacen Ana Belén, Jesús Noguero y los demás.