Iconos o la exploración del destino

de Rafael Álvarez "El Brujo".
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la Compañía de Rafael Álvarez, “El Brujo”.
con Rafael Álvarez, "El Brujo".

17 de agosto de 2026. Ruinas de Cáparra. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 95’ aprox.

El tema del destino en las tragedias clásicas. Un repaso a personajes tan poderosos como Medea, Jasón, Edipo, Antígona, Sileno o Hécuba. También se ensaya el parentesco de sus cuitas con la mitología hindú. Siempre en torno a la cuestión del destino.  In illo tempore y ahora.

El Brujo lo tiene claro. El problema del teatro clásico es que no se explican bien las tragedias. Por eso en el festival de Mérida llevan setenta años repitiendo las de Edipo, Antígona, Medea y el resto. Así que él decide explicarnos todo eso con conocimiento y mucha gracia. Se diría que improvisa, que sus actuaciones son irrepetibles, pero lo que hace es estar atento al aquí y al ahora. Así le va sacando todo el jugo de lo circunstancial para usarlo como aderezo en su repaso desenfadado a los temas esenciales. Por supuesto, siempre con guiños actuales con los que consigue poner de su parte, y que crean que es uno de los suyos, hasta los públicos más polarizados. El Brujo sabe hacerlo como el mejor juglar y diría que está especialmente cómodo en este off grecolatino que disfrutamos cada agosto en Cáparra.

Programa de mano

Jasón y las Furias

de Nando López. Dirección: Antonio C. Guijosa.
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Teatro del Noctámbulo.
con José Vicente Moirón, Carmen Mayordomo, Gabriel Moreno, José F. Ramos, Alberto Lucero, Lucía Fuengallego y Camila Almeda.

16 de agosto de 2026. Ruinas de Cáparra. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 105’ aprox. 

La traición de Jasón a Medea, la terrible amenaza de ella y el descenso de él a los infiernos para intentar enmendar sus errores y evitar el castigo de las Furias.

 

Tras el paréntesis por obras del año pasado, volvemos a Cáparra para ver esta propuesta de una compañía extremeña tan  fiable como Teatro del Noctámbulo. Buen texto, buenas interpretaciones y una puesta en escena con recursos limitados pero muy bien aprovechados para este drama que tiene en la fuerza de José Vicente Moirón y Carmen Mayordomo una de las claves para que el interés no decaiga ni un segundo. El resto del elenco está también afinadísimo y consigue sacarle el mejor partido a un texto que resulta claro en la exposición del conflicto, preciso en su desarrollo y evita la tentación de esos subrayados actualizadores que parasitan a menudo las temáticas clásicas. Aquí todo interesa, nada perturba y nada sobra. Al revés, sobresale el buen hacer y la intensidad de unos intérpretes a los que da gusto ver y escuchar a la vera de este arco. 

 

Programa de mano

Bacanal

Texto: Juan Carlos Rubio. Dramaturgia: Juan Carlos Rubio y Chevi Muraday. Dirección: Chevi Muraday. Direccion de actores: Ignasi Vidal. Coreografía: Chevi Muraday.
una coproducción de Losdedae Compañía de Danza Contemporánea y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.
con Juana Acosta, Toni Acosta, Carlos Hipólito, Elisa Hipólito, Chevi Muraday, Mapi Sagaseta, Cisco Lara, Julen Pazos, Georgina Flores, Tamar Vela, Inés Valderas y Javier Aguilera.

26 de julio de 2026. Teatro Romano. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 80’ aprox. Estreno absoluto.

El Senado de Roma ha prohibido las bacanales y el culto al dios Baco, así que este le pide ayuda a Dionisio. Una vez convencido, este les otorga el don de la memoria a las bacantes Híspala, Pácula y Duronia para que recuerden que antes fueron Ino, Ágave y Autónoe, las hermanas de Sémele que cumplieron el encargo de Zeus de criarlo. Dioniso se reivindicará como el origen catártico del teatro y ellas conectarán con los espectadores del futuro. Los que esta noche, la de la última función en Mérida, leeremos con ellas el Manifiesto Bacanal. 

 

Juan Carlos Rubio y Chevi Muraday han conseguido equilibrar las referencias clásicas y lo perfomativo de la danza en una propuesta en la que ni lo corporal posterga al texto ni las coreografías son mera ilustración del argumento. Las dos cosas se conjugan muy bien durante la obra concluyendo en una reivindicación de un presente hedonista en el que el teatro puede ser nodo dionisíaco entre las gentes y los tiempos. Chevi Muraday es Baco y Carlos Hipólito es Dionisio, los dos muy bien acompañados por un grupo de bailarines magníficamente conjuntado con el resto del elenco. Juana Acosta está muy poderosa en el papel de Duronia, como también Toni Acosta en el de Pácula. Tras las remembranzas de sus personajes le toca el turno a Elisa Hipólito que demuestra una gran fuerza expresiva en esta noche especial con su familia reunida en el escenario (su madre, Mapi Sagaseta, está muy bien como sacerdotisa báquica y, en cierto modo, conductora del relato). Como no podía ser menos, Bacanal termina de forma catártica, con Toni Acosta dirigiendo al público (con las linternas de los móviles encendidas y mayormente vestido de blanco) en la lectura del Manifiesto Bacanal. Luego la parte más danzarina del elenco se tira a la piscina que se abrió al final en el escenario. Por nuestra parte, fue un acierto elegir las localidades frontales, pero baratas, de la parte alta de la grada . Son las mejores para disfrutar de propuestas coreográficas enmarcadas en la majestuosa fachada escénica de Mérida.

Programa de mano 

Un tal César

Creación y dirección: Marcel Tomàs y Susana Lloret.

Una producción Cascai Teatro.
con Marcel Tomàs y Toni Escribano.

26 de julio de 2026. Teatro María Luisa. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 90’ aprox.

Un supuesto arqueólogo con pinta de explorador (pantalón corto y salacot) nos explica la importancia de unas ruinas romanas, pero en esto llega un currante gallego (con mono y cinta métrica) que toma medidas para la piscina que se construirá en ese mismo lugar. El choque entre ellos es notable, hasta que el primero se convierte en César y el otro hace de Cleopatra. El público también colabora bastante en esta hora y media que solo tiene de clásicas sus maneras esperpénticas.  

Desde hace unos años el teatro María Luisa hace posible ver dos obras del festival de Mérida en un mismo día. Algo que se agradece y que, en general, resulta satistactorio. La cosa hoy prometía poco, pero, habiéndose estrenado esta obra en el festival Temporada Alta, uno esperaba que la sal no fuera muy gruesa y hubiera algo de humor inteligente. Pero no. Un tal César espera, provoca y consigue la risa de ese público que sabe que va a lo que va. Nosotros no lo sabíamos. 

 

Programa de mano

Timón de Atenas

de William Shakespeare. Versión: Joaquín Hinojosa. Dramaturgia y dirección: Hernán Gené.
una coproducción de Bombonera y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.
con Pepe Viyuela, Esther Acevedo, Beatriz Melgares, Tomás Pozzi, Miguel Uribe, Samuel Viyuela González y Pepa Zaragoza.

19 de julio de 2026. Teatro Romano. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 120’ aprox.

Timón de Atenas es un rico despreocupado y generoso que invita y cuida de sus amigos dándoles todo lo que desean o pudieran desear. Así derrocha todo lo que tiene y también lo que no. Su fiel sirviente Flavio le viene advertiendo de la situación, pero Timón no lo escuchaba, confiado en que su magnanimidad sería correspondida por esos amigos si él llegara a necesitarlo. Pero no fue así y Timón terminó si vida alejado de aquella corrompida Atenas y odiando tanto al dinero como a los seres humanos.

 

De la filantropía desmedida a la misantropía más extrema. Esa es la mutación de un personaje al que Shakespeare quiso bautizar con un nombre que remite al honor y la estima. Virtudes a las que este pánfilo ateniense daba más valor que al dinero, sin reparar en que sus conciudadanos no eran en esto sus semejantes. En la primera parte parece que Shakespeare hubiera escrito una comedia boba. De hecho, lo más brillante del texto está en la parte en que Timón se hace misántropo, en los diálogos, los soliloquios y en el epitafio con el que termina la obra. La radicalidad del tramo final parece el desahogo propio de un anarquista o de un filósofo para el que no hay males mayores que las pulsiones pecuniarias y bélicas. Así que Shakespeare no defrauda y su texto resulta muy oportuno para ser representado en Mérida. Así lo ha entendido Hernán Gené con una puesta en escena perfecta presidida por una inmensa diosa fortuna, oculta inicialmente con una gran tela negra, junto a la que también está amontonado el mobiliario que se usará en la representación. Pocas veces se ha sabido conciliar tan bien el uso que requiere este inmenso y hermoso espacio de Mérida con la posibilidad de la misma escenografía pueda ser apta también para teatros convencionales. Por lo demás, Gené consigue que encajen perfectamente la musica, el vestuario y, en general, el tono de una propuesta que, sin dejar de ser clásica, resulta contemporánea y aprovecha muy bien las derivas hacia el esperpento. Para ello tiene a su favor un elenco afinadísimo que en esta última función ha estado soberbio a pesar de que la coincidencia con la ceremonia final de la religión futbolera generó huecos en la grada y llegó a provocar aplausos que interrumpieron la obra por esa parte del público que estaba más atenta al estado de la timé nacional en Nueva York que a la de Timón de Atenas aquí. Antes del comienzo de la obra, Pepe Viyuela se dirigió a nosotros para agradecernos que en esta noche hubiéramos preferido venir al teatro en lugar de apantallarnos. Shakespeare y Gené son los responsables de que quizá esta obra sea la más relevante de la programación emeritense de este año, pero no lo es menos el gran Pepe Viyuela que hoy ha sido un Timón superlativo e inmejorable. El fin de semana pasado lo veíamos en el Corral de Comedias de Almagro recitando romances con Rosa León. Algunos ya sabíamos de su buen hacer viéndolo en obras como Rinoceronte, Esperando a Godot, Tartufo o el Guitón Onofre, pero hoy ha demostrado en Mérida que tiene bien merecido el Premio Corral de Comedias que ha recibido este año en Almagro. Él es un actor magnífico al que le van muy bien personajes tan patéticos y trágicos como este sorprendente Timón.

 

Programa de mano 

Prometeo

Dirección y coreografía: Asun Noales. Dramaturgia: Luis Crespo y Asun Noales.

Una coproducción de Les Arts, Institut Valencià de Cultura-Festival Dansa Valencia, Auditorio de Tenerife, Centro Danza Matadero y OtraDanza.
con Seth Buckley, Asun Noales, Rosanna Freda, Abián Hernández, Joel Mesa, Elena Nielsen y Salvador Rocher.

19 de julio de 2026. Teatro María Luisa. 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 60’ aprox.

En medio del escenario un cuerpo sin alma, casi una estatua. Pronto sale alguien y empieza a moldearlo, a probar con él posturas y gestos hasta conseguir animarlo. Este podría ser Prometeo y aquel un ser humano en ciernes. Luego habrá más. Todos moviéndose al dictado del titán  y en pos de la condición humana.

 

En el principio era el cuerpo. Luis Crespo y Asun Noales lo han entendido muy bien en esta cautivadora propuesta en la que Prometeo da vida al primer humanoide. El escenario está rodeado de huesos y moldes que evocan el espacio subterráneo donde, según Platón, Epimeteo repartió las facultades. No hay coreografías que busquen vistosas sincronías, sino una plasticidad magnética en la que las partes son más que el todo y el todo añade fuerza a cada parte. Es como si contempláramos la belleza amniótica de unos seres que aún no saben que sabrán y que casi serán divinos tras el regalo del fuego y la sabiduría de las artes. Fuera de este teatro comienza la última ceremonia de esa tosca religión en la que se rinde culto al acto de patear una esfera. Pero aquí estamos a salvo, viendo como Prometeo nos preparó para otras cosas.

 

Programa de mano

Memorias de Adriano

Autoría: Marguerite Yourcenar. Dramaturgia: Brenda Escobedo. Dirección: Beatriz Jaén.
una coproducción de Teatre Romea y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.
con Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan y Ricard Boyle.

6 de agosto de 2025. Teatro Romano. 71º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 100’ aprox. Estreno absoluto.

Ya mayor y enfermo, Adriano repasa su vida. Sus primeros afanes por descollar en la política, sus relaciones con Trajano, su pasión por Antínoo y su poder absoluto en aquel gran imperio. Lo hace en este teatro que solo tenía un siglo cuando él era emperador.

Lluís Homar ha estado soberbio en esta noche de estreno. Otra vez inconmensurable, como en Terra baixa. El soliloquio de Adriano no podía tener mejor intérprete. Rotundo, introspectivo, a veces tierno y siempre magnético. Brenda Escobedo ha hecho un trabajo excelente espigando e hilvanando los pasajes más pertinentes del texto de Yourcenar para su representación teatral. El reto era cómo llevar al escenario (especialmente a este) las memorias reflexivas que la escritora imaginó en aquel emperador. Y Beatriz Jaén lo ha resuelto consiguiendo que escuchemos al Adriano romano mientras parece que vemos a un poderoso líder de hoy. Para ello, Lluís Homar nos habla desde un espacio simplísimo de blancura impoluta (y relativamente insular en estos dominios de Ceres) mientras le ayudan a arreglarse con negra elegancia unos auxiliares y unos técnicos que parecen preparar su intervención en un plató presidencial. La palabra, precisa y sugerente, es siempre la suya, pero a su alrededor hay imágenes de él en pantallas y también otros personajes activos, pero silentes, que pululan con micrófonos y cámaras en una coreografía hiperrealista que se convertirá en poética durante los hermosos pasajes en los que Adriano recuerde la relación que tuvo con Antínoo (magníficamente evocado con la expresividad perfecta del bailarín Álvar Nahuel). Es verdad que estas Memorias de Adriano están concebidas con un planteamiento escénico que se ajusta a los requerimientos espaciales de otros teatros, pero el texto de Yourcenar tiene un tono intemporal que se desvirtuaría si el Adriano al que ahora escuchamos tuviera las maneras y atuendos de la época de estas piedras. Así que ha sido una noche de estreno memorable en Mérida en la que hemos podido comprobar que si Adriano era uno de los cinco emperadores buenos que tuvo Roma, Lluís Homar es uno de los grandes emperadores que tiene nuestro teatro actual.

 

Programa de mano

Tiresias

de Joan Espasa, en colaboración con José Manuel Mora y Carlota Ferrer. Dirección: Carlota Ferrer.
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Producciones Draft.inn.
con Anabel Alonso, Alfredo Noval, Paula Mendoza, Carlos Beluga, Ana Fernández, Carlota Ferrer, Alberto Velasco y María García Concha.

14 de agosto de 2024. Teatro Romano. 70º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 120’ aprox.

El adivino ciego de las tragedias clásicas es puesto en el punto de mira. Se recrean los mitos sobre su ceguera (el castigo de Atenea por verla desnuda), la naturaleza de sus dones (entender el lenguaje de los pájaros, tener una vida más larga y mantenerlos en los infiernos) y también se presenta su naturaleza andrógina y el papel que este ciego vidente tuvo en algunas de las más grandes tragedias griegas. Por ejemplo, la de Edipo o la de Creonte frente a Antígona.

El personaje secundario es aquí el hilo que hilvana la recreación de escenas cruciales de las tragedias griegas. El texto mantiene el necesario aliento poético y consigue combinar razonablemente las referencias irónicas y los lenguajes actuales con el respeto debido al material literario del que se nutre esta miscelánea trágica. La puesta en escena es pertinente y sobria. Por eso mismo quizá esté de más ese gran toro de Osborne que aparece al final, pero hemos entrevisto todo el tiempo en un lateral del escenario. Los movimientos escénicos que propone Carlota Ferrer son elegantes y tienen ese tono coreográfico que hacía tan especiales obras como Blackbird y, sobre todo, Los nadadores nocturnos. Aquí están acompañados por buenas interpretaciones y por la voz sobresaliente de la soprano Paula Mendoza. Supongo que sería interesante ver lo que podría haber hecho Eusebio Poncela en esta obra (él era el elegido inicialmente para protagonizarla), pero Anabel Alonso está muy solvente en este difícil papel de Tiresias que ella convierte en poderoso.

Programa de mano

El regalo de Zeus

de Concha Rodríguez.

Una coproducción del Festival de Mérida, Entrearte Al-Badulaque y La Estampa Teatro.
con Emma Ozores, Juan Meseguer, Pablo Mejías, Raquel Bravo, Rubén Torres, Sandro Cordero, Concha Rodríguez, Cira Cabases, Sandra Susana Carrasco, Mike Dosperillas y Daniel “Sifer”,

8 de agosto de 2024. Ruinas de Cáparra. 70º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 110’ aprox.

Dos jóvenes de ahora miran el futuro con ansia y esperanza. El es Deucalión y sueña con un viaje épico a Marte. Ella es Pirra y quiere vivir en la Tierra desvelando la historia que nos conforma. Desde los cielos los dioses los contemplan. Sobre todo, Zeus que asiste a la contienda entre Talía, la musa de la comedia que esta empeñada en desquitarse del dominio que su hermana Melpómene, musa de la tragedia, sigue teniendo en las ficciones de los humanos.   

Teogonía y antropogonía bajo el cielo de Cáparra. Con los dioses de cuerpo presente. Con una divertida y detallada recreación del mito de Prometeo. Con tono de comedia con fundamento. Con voluntad de multiplicar los guiños a los apasionados de la cultura clásica. Y con toques hasta circenses en un espectáculo al que quizá le vendría bien equilibrar el gesto y el silencio ante la exuberancia del texto. Entre sus virtudes está sin duda, su tono accesible y desenfadado y la forma en que se ha sabido aprovechar ese punto de fuga en el escenario que es el arco de Cáparra. Las proyecciones sobre él han sido muy sugerentes (por ejemplo, en el reparto de facultades por Epimeteo). De hecho, de las que he visto aquí,  creo que es la obra que mejor ha sabido aprovecharlo. En la programación de este año, lo más interesante será seguramente La comedia de los errores que vimos en año pasado en Mérida. Así que aunque en esta ocasión solo veremos esta obra, es un gusto volver a Cáparra en vísperas de perseidas.

Coriolano

de William Shakespeare. Dirección: Antonio Simón.
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Vania Produccions.
con Roberto Enríquez, Carmen Conesa, Manuel Morón, Álex Barahona, José Luis Torrijo, Juan Díaz,
María Ordóñez, Beatriz Melgares y Javier Lara.

28 de julio de 2024. Teatro Romano. 70º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 115’ aprox.

Son los primeros tiempos de la República. Entre los pobres hay una rebelión en marcha. Cayo Marcio los desprecia y se lo dice con dureza. La victoria contra los volscos en Corioles le hace merecer el sobrenombre de Coriolano. Sus amigos quieren nombrarle cónsul pero para conseguirlo tendrá que contar con el voto de los pobres. Y pedírselo humildemente. Sin embargo, el orgullo convierte su ruego en diatriba y acaba desterrado. Lleno de odio se une a Aufidio, el general de los volscos, y lucha contra Roma. Durante el asedio sus amigos le suplican el perdón. Solo el discurso de su madre conseguirá convencerle.

El resumen es el que escribí hace diez años para la versión de Fermín Cabal que Eugenio Amaya dirigió en este mismo teatro. Aquella era también muy buena y contaba con decenas de intérpretes. Ahora, con solo nueve y el apoyo del público, Antonio Simón consigue presentar muy bien la historia de Shakespeare. El escenario está presidido por una pasarela con forma de rombo bajo la estatua de Ceres por la que corren con  habilidad y riesgo los intérpretes de este relato que uno no sabe si adjetivar como medio fascista o como populista. Lo cierto es que todo el elenco ha estado magnífico, aunque debo manifestar mi debilidad por el trabajo de Manuel Morón y de Carmen Conesa. Así que el director de obras tan estupendas como Yo, Feuerbach, Filoctetes o Esperando a Godot se ha vuelto a lucir en Mérida. Lástima que sea volviendo a esta obra shakespeariana que tiene mucho de alegato belicista y bastante menos interés que muchas historias de nuestros clásicos del Barroco que también escribieron historias inspiradas en el mundo grecolatino.

Programa de mano

Cassandra o el elogio del fracaso

de María Herrero.

Una producción de Flexión Producciones con la colaboración de Proyecto Barroco.
con Cristina Bernal, Irene Maquieira, Amaranta Munana, Luis Maesso y Blanca Tamarit.

28 de julio de 2024. Teatro María Luisa. 70º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 80’ aprox.

Cassandra pretende librarse del castigo de Apolo. Ella quiere que la crean y volver a profetizar para bien de la humanitas. En compañía de musas lo conseguirá camelando al Can Cerbero.

No hay puntada sin hilo ni momento sin gracia. El vestuario es un delirio, la iluminación impecable, las voces afinadísimas y la gestualidad perfecta. Cassandra o el elogio del fracaso es una ópera bufa, un recital de ironías con retranca y también un juguete escénico complejísimo y muy exigente para los intérpretes. Siendo bastante distinta, por la gracia y la aceleración, esta propuesta recuerda a las de Las niñas de Cádiz. Cada vez queda más claro que la programación del festival de Mérida en el Teatro María Luisa tiene una calidad notable y es un acierto venir en los días en que hay ración doble de buen teatro.

Programa de mano

Pandataria

Dirección y coreografía: Chevi Muraday. Textos Laila Ripoll
Una producción de Losdedae en colaboración con el Festival de Mérida.
con Cayetana Guillén Cuervo, Chevi Muraday, Elio Toffana, Basem Nahnouh, La Merce y Chus Western.

26 de abril de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 75’ aprox.

Una diminuta isla llamada Pandataria sirvió de prisión a mujeres notables, pero díscolas según los valores del imperio. Y en tiempos de Mussolini volvió a serlo para quienes reclamaban una Europa unida. La danza recoge aquellas memorias lejanas y las convierte en canto intemporal a la memoria feminista.

El buen hacer de Chevi Muraday (en Avilés lo vimos en Sensible) y de Laila Ripoll (este verano se la homenajea en Almagro) es bien conocido. El reto aquí lo tenía Cayetana Guillen Cuervo y sale bien parada protagonizando este arquetipo milenario de la insularidad femenina junto a estos impecables danzantes contemporáneos. Quizá en un escenario más amplio, como el de Mérida, funcionara mejor esa plataforma elevada de la que a veces emergen bailarines anfibios, pero en la primera parte se hace extraña la forma en que los vemos desde el patio de butacas. Por lo demás, el espectáculo se sitúa en un territorio intermedio entre la danza contemporánea y el teatro poético sin que tenga del todo claro si aquí el todo es más que la suma de las partes.

Programa de mano
Dossier

La tumba de Antígona

de María Zambrano. Adaptación: Nieves Rodríguez y Cristina Silveira. Dirección: Pep Antón Gómez.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Karlik Danza-Teatro.
con Ana García, Cristina Pérez Bermejo, Lara Martorán, Camilo Maqueda, Mamen Godoy, Tania Garrido, Jorge Barrantes, Fermín Nuñez, Iván Luis y Francisco García,

11 de agosto de 2023. Ruinas de Cáparra. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 105’ aprox.

Antígona en su tumba. Reflexionando desde el espacio liminar entre la vida y la muerte, pero sin entregarse a ninguna de ellas. Desde allí repasa su vida y otras vidas. La de su padre, su madre y sus hermanos que también la visitan. Y al final llegará Creonte que, frente a ella, resulta derrotado.  

Un año más volvemos a Cáparra para contemplar, en esta noche sin luna, una tragedia reflexiva. El texto de María Zambrano es denso, áspero y exigente para el público y los intérpretes. Casi un monólogo ensimismado del que Ana García sale bien parada con la ayuda de un elenco coreográfico. La puesta en escena es sencilla, con una iluminación móvil a la que se le saca bastante partido. Antes de la obra, mientras bajamos hacia el arco, un buen  número de figurantes animan la velada con un buen hacer juguetón que merece ser destacado. El resto de la programación de este año escora demasiado hacia la comedia, así que este año solo bajamos esta noche a este magnífico olivar escénico a la vera del arco. El regreso a nuestras montañas ha sido bajo un cielo limpio y estrellado con ganas de perseidas. Y, mientras llegan, es una delicia contemplar la Vía Láctea desde esta raya.

Odisea, un viaje trepidante

Dirección y coreografía: María Rovira. Música original: Eduard Iniesta.

de Crea Dance Company by María Rovira. Una coproducción del Mercat de les Flors y Teatros del Canal.
con Nilufer Ackanbas, Ariadna Jordán, Marcel Quesada, Idolina Massa, Ángel Gabriel Gutiérrez, Julio León, Osmani Montero y Laia Vancells.

5 de agosto de 2023. Teatro María Luisa. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 60’ aprox.

Ocho bailarines en el escenario evocando en modo coral el periplo de Ulises. Cuatro chicos y cuatro chicas ante algunas imágenes en las que ellos mismos podrían representar divinidades que contemplan o motivan este viaje coreográfico.

La música de Eduard Iniesta es elegantemente hipnótica y la coreografía de María Rovira es fascinante. No se distinguen etapas en un viaje continuo que resulta catártico para el espectador y muy exigente para los danzantes. La ovación final ha sido más que merecida. Y quizá también la merezca la excelente programación paralela que el Festival de Mérida ha desarrollado en el bonito Teatro Maria Luisa y que se cierra con este estupendo díptico homérico que hemos podido disfrutar este año. La semana próxima nos queda otra cita en Cáparra: La tumba de Antígona sobre el texto de María Zambrano.

La comedia de los errores

de William Shakespeare. Versión: Albert Boronat. Dirección: Andrés Lima.
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Mixtolobo.
con Pepón Nieto, Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido.

4 de agosto de 2023. Teatro Romano. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 115’ aprox.

Dos pares de niños gemelos fueron separados durante un naufragio. Dos acabaron en Siracusa y otros dos en Éfeso. Ninguno había vuelto a saber nada de su hermano. Hasta que la llegada a Éfeso del padre de dos de ellos desencadena un buen número de errores y malentendidos.

El texto de Shakespeare es una bobada. De él solo cabría esperar  la típica comedia de enredos y resortes. Sin embargo, resultaba raro que Andrés Lima y Albert Boronat, que nos habían ofrecido aquella impresionante desmesura en dos tiempos que eran Shock 1 (El Cóndor y el Puma) y Shock 2 (La Tormenta y la Guerra), fueran a someterse ahora a los dictados del teatro comercial más bobalicón. Pero de eso nada. Con mucha más gracia de la que el propio Shakespeare podría haber esperado de su texto, Albert Boronat y Andrés Lima lo dotan de con múltiples capas, a cuál más sutil y divertida, que obligan a los seis intérpretes (y también a un técnico) a multiplicarse para ofrecernos un prodigio lúdico de compenetración y buen hacer interpretativo pocas veces visto en un escenario. Así que yo, que no soy de risa fácil y detesto las comedias de resortes, solo puedo decir que he disfrutado de lo lindo con esta obra cautivadora y tronchante que sabe sacar partido hasta del filón gestual de las hermanas de Marge Simpson para dar lustre y brillantez a esta comedieta del Bardo. De modo que ha sido un gustazo este programa doble de hoy en Mérida. Mañana más...

En mitad de tanto fuego

de Alberto Conejero, a partir de la Ilíada de Homero. Director: Xavier Albertí.

Una producción de Grec Festival de Barcelona y Miramedia, con la colaboración de Sala Beckett y Teatros del Canal.
con Rubén de Eguía.

4 de agosto de 2023. Teatro María Luisa. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 60’ aprox.

Patroclo nos cuenta la historia. Desde el principio. La de Aquiles y su cólera. La de aquella guerra que inauguró  todas las guerras. También nos habla (y le habla) del amor entre los dos. De quién era él antes de conocer a Aquiles. Y de lo que podría haber sido de ellos y del mundo si no hubiera motivos para repetir los cantos de la Ilíada.

A cuerpo limpio. Solo con la luz y las palabras. La luz que ilumina el rostro de un actor y las palabras de un texto magnífico que se enfrenta con el primer relato bélico, el que cimentó la ética del asedio. A Rubén de Eguía lo vimos en diciembre en Barcelona interpretando a Adán en Paraíso perdido, aquella joya que, sobre un texto de Helena Tornero inspirado en el poema épico de Milton, dirigió Andrés Lima. Él estaba esta tarde delante de nosotros viendo el magnífico trabajo de Rubén de Eguía, seguramente porque estos días está en Mérida con el estreno de La comedia de los errores que también ha dirigido y que veremos esta noche en el teatro romano. La puesta en escena de En mitad de tanto fuego no puede ser más sobria, quizá para subrayar que lo importante es el trabajo de Rubén de Eguía y la calidad del texto de Alberto Conejero que otra vez ha logrado un equilibrio perfecto entre la poesía y el compromiso. Lo mismo que también logró hace poco con El mar, esa pieza de orfebrería comprometida con la memoria que, justamente por eso, ha sido prohibida por esos ignorantes que siempre están dispuestos para la destrucción (ahora en Sevilla la han tomando con el festival de cine). Por eso siguen siendo tan oportunas propuestas tan magníficas como esta. Porque, tantos siglos después de Troya seguimos en mitad de tanto fuego.

Los Dioses y Dios

Reflexión libre a partir de “Antifrión”, de Plauto. Versión y dirección: Rafael Álvarez.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la Compañía de Rafael Álvarez, “El Brujo”.
con Rafael Álvarez, “El Brujo”.

14 de agosto de 2022. Ruinas de Cáparra. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 85’ aprox.

El Anfitrión de Plauto comentado por El Brujo. Con la irreverencia surrealista que le caracteriza. Hablando sin ton ni son de lo divino y de lo humano. De lo universal y lo local. Y haciendo sátira de todo dios.

El Brujo es un género en si mismo. Con él es completamente cierto que cada función es irrepetible. En Cáparra se mete con Mérida y le saca mucho partido a la demora del comienzo. La conexión con el público es inmediata porque su habilidad monologuista es distinta y anterior a la aparición de esa estirpe televisiva. Su genealogía tiene que ver más bien con los juglares medievales y los comediantes del Barroco. Su casa son los clásicos pero su despensa está llena de presente. Por eso se hace tan corta esta hora y media en la que casi da igual que nos hable de Plauto, de la ópera o de los murciélagos que le han acompañado esta noche.