Gigante

Autoría: Mark Rosenblatt. Traducción: José María Pou. Dirección: Josep María Mestres.
Una coproducción de Teatre Romea y Grec 2025 Festival de Barcelona.
con José María Pou, Victoria Pagès, Pep Planas, Claudia Benito, Aida Llop y Jep Barceló.

9 de octubre de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 150’ aprox. (con un entreacto de 15’).

En 1983, cuando está a punto de entregar una nueva novela, Roald Dahl publica una reseña en la que critica duramente a Israel por sus brutales ataques contra la población civil palestina en el Líbano. Su editor teme que ese posicionamiento pueda afectar a su imagen en Estados Unidos y al lanzamiento del libro. Para evitarlo ha organizado un encuentro en casa de Dahl con una representante de su editorial estadounidense. Quieren que él conceda una entrevista en la que se retracte. 

 

Hace solo dos años que se estrenó en el Royal Court Theatre este magnífico texto de Mark Rosenblatt. Fuera de Londres, su primer estreno fue el año pasado en catalán en el Grec. Y en Madrid se ha visto antes de estrenarse en Nueva York. Son primicias internacionales que le debemos a este gigante del teatro catalán, español y europeo que es José María Pou. Y no solo por su extraordinario trabajo como intérprete. También por su intuición sobre la calidad de los textos y los montajes ingleses, así como por su olfato sobre la pertinencia y actualidad de los temas. Por si eso fuera poco, es el responsable de que la versión en castellano de este magnífico texto mantenga la oralidad afilada y cabreada propia de un escritor inglés, pero pareciéndonos que quien discute en esa intimidad doméstica pudiera ser un irónico y muy lúcido escritor de nuestra lengua. Por el texto y su impecable adaptación, por la perfecta dirección de Josep María Mestres y por las interpretaciones cautivadoras de todo el elenco, Gigante ya sería una obra extraordinaria en el panorama teatral español de los últimos años. Pero en el centro de todo está la presencia rotunda de un José María Pou superlativo en este fascinante pugilato ideado por Mark Rosenblatt. No es la primera ver que ocurre, pero tras estas dos horas y media largas de incomparable intensidad interpretativa con variaciones sin repetición de estados de ánimo y lucidez discursiva, el aplauso en pie del teatro anticipaba dos de las cosas más comentadas a la salida: que este ha sido el mejor trabajo de José María Pou (una vez más), y que la obra parecía durar apenas una hora. Y es que aunque Roald Dahl, sus libros y aquella reseña no hubieran existido, lo visto esta noche en el Palacio Valdés ha tenido una calidad y un interés inauditos. Quienes recordamos hechos tan inefables como la brutalidad israelí en el Líbano que casi obligaba a añadir los nombres de Sabra y Shatila (y ahora de Gaza) a la reflexión de Adorno sobre la poesía después de Auschwitz, hemos asistido esta noche a un ejercicio de sinceridad y reflexión sumamente necesario. Gigante es la mejor aportación teatral a un tema sobre el que hay ahora otras tan valiosas como  Naza, la imprescindible película que se  sigue proyectando en algunos cines (dentro de unos días, en la Casa de la Cultura de Avilés). O libros tan necesarios como El mundo después de Gaza, de Pankaj Mishra, o Gaza y el destino del mundo, de Santiago Alba Rico. Todo ello nos lleva a una pregunta de calado: ¿sobrevivirá el judaísmo, esa gran religión de casi cuatro mil años, al Estado de Israel? Sin plantearlo de ese modo, Roald Dahl, Mark Rosenblatt y José María Pou nos dan mucho que pensar sobre ello.

 

Programa de mano

A puerta cerrada

Autoría: Jean-Paul Sartre. Dirección: Ainhoa Amestoy.
Una producción de Estival Producciones y Teatros del Canal.
con Isabel Ordaz, Pere Ponce, Olivia Molina y Jesús Asensi.

9 de octubre de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100’ aprox. Estreno absoluto.

El hombre llega antes. Luego entra una mujer. Y finalmente otra más joven. Han llegado a un espacio blanco en el que solo hay una escultura, un cuchillo y tres canapés de colores diferentes. Las puertas se han cerrado y esos seres ausentes pasarán allí el resto del tiempo. Mucho más que toda una vida.  

 

Sartre escribió que el infierno son los otros, no que son los demás. Decir los demás consuela y exculpa a quien se reconoce en el grupo, pero se pretende mejor. Con los otros no se comparte nada y el solipsismo es infernal porque la mirada del otro desvela una culpa que no tiene comparación. En el infierno de Sartre no hay palos ni parrillas y Ainhoa Amestoy acierta plenamente al presentarlo como un profundo espacio blanco, sin posible punto de fuga, bajo treinta barras de luz. Allí ya nunca podrán parpadear estos tres pecios humanos que solo conservan la memoria y la culpa. Donde están no necesitan espejos. Tan solo una mirada ajena para reconocer sus pecados y sufrir por ellos. Pere Ponce, Isabel Ordaz, Olivia Molina (y Jesús Asensi como maestro de ceremonias) están magníficos en este triángulo, siempre en tensión, que por momentos recuerda los duelos, en otros espacios vacíos, entre los personajes de Pascal Rambert. En mayo de 1944 Sartre estrenaba A puerta cerrada, justo en el mismo mes en que Camus publicaba Calígula. Son dos reflexiones radicales sobre la existencia, la culpa y la voluntad. Sartre nos coloca en la posición de quien ya nada puede y alimenta su remordimiento con la inevitable presencia de otros. Camus nos sitúa ante quien todo lo puede y solo necesita a los otros para comprobar que carece de límites su voluntad. Dos obras maestras de unos tiempos terribles en los que la moralidad se debatía entre la impotencia y la imposibilidad. Lamentablemente, ocho décadas después, la cuestión sigue siendo la misma.

 

Programa de mano 

Magdalena Mariyam (Kathakali)

de T. M. B. Nedungadi. Coreografía: Guru Punnathoor Madhava Panicker.
Producción: Margi Kathakali.
con Margi Vijayakumar.

3 de octubre de 2026. Centro Niemeyer (club), Avilés. 55’ aprox.

Desde dos horas antes del comienzo, un hombre se maquilla frente al público. Luego no habla, solo gesticula con el rostro y las manos y se mueve levemente en medio del escenario. A su derecha otros dos tocan tambores y más atrás a su izquierda otros dos cantan letanías. El conjunto es hipnótico, pero incomprensible.

 

Peter Brook quedó fascinado cuando conoció este arte tradicional indio del Kathakali. El manejo de la expresión corporal y su intensa gestualidad debieron influir en el proceso que le llevó a crear El Mahabharata. Para nosotros, el interés de este espectáculo es principalmente etnográfico. De hecho, siendo lo que vemos bastante cautivador, da tiempo para que vuele la imaginación y especule con posibles parentescos entre estos salmos cantados de la India y las voces gitanas de nuestro flamenco. En todo caso, habría estado bien que, antes del comienzo, alguien hubiera presentado el espectáculo para explicarnos los motivos y las claves de esta rareza programática. Sin ello, esta Madgalena Mariyam no les dirá más a los eruditos de los textos evangélicos que a los aficionados a la cosmética o a la percusión.

Llueve y hace sol en París

Autor: Abel Neves. Dirección y puesta en escena: Cristina Yáñez.
Producción: Tranvía Teatro.
con Silvia Espigado e Inmaculada Oliver.

28 de agosto de 2026. Teatro Fernando Arrabal. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 90' aprox.

Sofía recibe en su casa a Fátima. Las dos comparten el dolor de una tragedia terrible. Sofía perdió a su hija en el atentado de París y Fátima a su hijo, pero el encuentro entre esas madres es complicado porque ella era una de las víctimas y él uno de los terroristas suicidas que provocaron aquella masacre.  

 

Silvia Espigado e Inmaculada Oliver están soberbias en este drama de desarrollo intenso, pero sosegado. El texto de Abel Neves acierta con el tono que requiere este difícil duelo doble y la dirección de Cristina Yañez consigue poner de manifiesto lo catártico del encuentro y el carrusel de emociones que en una situación como esa pueden vivir sus protagonistas. El reto era complicado, pero con un trabajo interpretativo tan perfecto y sintonizado y un planteamiento tan sobrio y reflexivo como el tema merece, Llueve y hace sol en París puede medirse con propuestas que en el cine y el teatro se han acercado a estos temas de forma brillante, conmovedora y edificante. Estoy pensando en películas como Mass, Maixabel o Un año, una noche y en obras como La mirada del otro o El nudo gordiano. Así que con esta última obra que vemos en esta edición de la Feria de Teatro de Castilla y León nos vamos muy satisfechos de Ciudad Rodrigo y con muchas ganas de volver el año que viene.

 

Programa de mano

180136 Bernarda

Dirección artística Lola Eiffel. Dirección técnica: Suso Zurutuza.
Producción: Lola Eiffel Company.
con Lola Eiffel.

28 de agosto de 2026. Sala Tierra. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 60' aprox.

Bernarda quedó viuda con cinco hijos durante la guerra. La familia vivía en Zamora, pero tuvo que llevárselos a Francia. Una nieta lo rememora recuperando la historia de sus antepasados en aquellos tiempos terribles para los represaliados republicanos. 

 

Un monólogo con danza e imágenes. Desde el comienzo el relato se ve perjudicado por la baja luminosidad de la proyección. Pero no es ese el único problema. La familia de esta historia queda desdibujada, quizá porque se alude a muchos personajes sin definir suficientemente a cada uno. Y como propuesta de danza también limitada. Las intenciones de reivindicación de la memoria son compartibles, pero la coincidencia de algunas circunstancias de esa familia con la fecha de la muerte de Lorca y con el título de una de sus obras no son suficiente para amparar el relato. Podrían ser el punto de partida de una obra poética intesante. Pero a esta le falta nitidez y emoción.

Reconversión

Texto y dirección: Santiago Cortegoso. 
Producción: Ibuprofeno Teatro.
con Artur Abad, Cristina Collazo, Santiago Cortegoso, César Goldi, Celia González, Davide González, Fran Lareu y Nani Matos.

26 de agosto de 2026. Espacio Afecir. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 105' aprox.

Un viaje memorable en el espacio y en el tiempo. Desde los confines del universo hasta la ría de Vigo, los astilleros Ascon y la casa del padre de Santiago Cortegoso. Un siglo de los trabajos y los días en una familia, una empresa y una comunidad. El retrato se detiene especialmente en el ascenso y caída de aquellos difíciles años setenta y ochenta.  

 

Hay ecos temáticos y formales con otras historias gallegas tan pregnantes como Los lunes al sol o Rondallas. Aquí la música festiva es tan protagonista que ha conseguido ganarle la partida al gran aguacero que durante unos minutos cayó sobre Ciudad Rodrigo. La grandeza de esta historia trepidante, juguetona, conmovedora y compartible podría compararse con la de Lehmann Trilogy de Sergio Peris-Mencheta. Santiago Cortegoso escribe, dirige e interpreta esta obra coral que es teatro documental, un magnífico musical y un testimonio en primera persona sobre la forja de un carácter (el de su padre) y unas gentes (las del entorno naval de la ría de Vigo). En Reconversión se podrían encontrar guiños a Ciudadano Kane (Rosa/Rosebud), pero yo la asocio con el Avilés de los años setenta y con la forma en que mi padre entendía la honestidad y el trabajo. Reconversión es, por tanto, un despliegue fascinante de teatro mayúsculo, casi circense, que cuenta con un elenco compenetradísimo que todo lo hace bien. Incluso, hay momentos musicales en los que parece que Rodrigo Cuevas estuviera hoy en el escenario de este Vigo salmantino. Así que Santiago Cortegoso y todos los de Ibuprofeno pueden estar muy orgullosos del resultado. Y como regalo final, estos alegres teatreros músicos (o músicos teatreros) se dieron prisa para salir a la calle antes que nosotros y despedirnos reivindicando con su música la reconversión más importante: la de la alegría de vivir.

 

Programa de mano 

El último aullido

Texto: Juan Trueba. Dirección y dramaturgia: Sergio Maggiolo.
Producción: Trueba & Trueba Producciones.
con Juan Trueba.

26 de agosto de 2026. Sala Tierra. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 70' aprox. Estreno absoluto.

Escuchamos la genealogía de la idea del macho alfa en las ciencias naturales. Y también la historia de Jacinto, un niño que siempre recibió muy buenos consejos de su padre. En el instituto y la universidad tuvo que enfrentarse a lo que se espera de un hombre. Algo que también afectaría después a su relación con Naomi.   

 

Los nombres, los contextos y algunas situaciones, serán distintos en cada función porque Juan Trueba pide la colaboración del público para definirlos. Lo hace de forma amable y nada incomodante en esta magnífica tarde de estreno de un relato sobre la masculinidad muy bien contada con la mayor cercanía y cordialidad. La historia es tan sincera que se convierte en carta y homenaje a un padre y a un hijo, en gran medida la causa y el efecto del carácter que define a cada hombre. El último aullido es, por tanto, un monólogo compartido en el que el protagonista está delante de un montón de mesas, taburetes y sillas que va colocando a medida que avanza un relato que es, a la vez, único, compartible y compartido. Es, por tanto, una propuesta que genera intimidades alegres, tiernas y edificantes sobre lo que puede y debe ser una masculinidad distante de la de esos machos alfa que aúllan con mucha más frecuencia y peligro que los lobos.

 

Programa de mano 

En blanco

Dramaturgia y dirección: Simone Mercado.
Producción: Peloponeso Teatro.
con Begoña G. Hidalgo.

26 de agosto de 2026. Espacio en Rosa. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 30' aprox.

Una mujer sentada en un estrado. Está rodeada de lámparas y de libros. Ha sido una gran actriz, pero ahora está siendo asediada por el olvido. Ese es precisamente su nombre y mientras espera a que llegue la muchacha que la sacará de paseo, nos va confesando sus desgarros. Los de una mujer cuya vida se va borrando y los de una actriz  varada y desamparada que a veces no sabe si está en un escenario.

 

Begoña Hidalgo está poderosa en este intenso monólogo que, por momentos, me ha recordado las emociones que despertaba Mamen Camacho en Cumpleaños, aquella obra de Luisa Carnés que dirigió Laura Garmo. Todo lo que Olvido dice y transmite tiene hondura e interés. Pero al espectador quizá le perjudica que esta propuesta coincida en el año en que Gloria Muñoz ha protagonizado de forma tan hiperrealista Las gratitudes, la magnífica obra de Juan Carlos Fisher basada en la novela de Delphine de Vigan. En blanco es una obra breve que está muy bien escrita, dirigida e interpretada. También da bastante que pensar y hablar. De hecho, se propone para representarla seguida de un coloquio (en esta Feria no hay tiempo) que seguramente la hará muy interesante en otros escenarios. Tan solo distancia un tanto la notable lucidez y fuerza expresiva  de un personaje que precisamente las está perdiendo.

 

Programa de mano 

Don Juan Dadá, y un poquito Pop Art

Idea y dirección: Félix Fradejas. Textos: Marta Ruiz de Viñaspre y Felix Fradejas.
Producción: Ghetto 13-26.
con .

26 de agosto de 2026. Salón de actos Misioneras Sta. Teresa. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 60' aprox. Estreno absoluto.

Juan e Inés en el escenario. Evocando momentos de sus infancias, bailando a la tarantiniana manera o recreando al depredador y la novicia. Todo en forma fragmentaria. También las tensiones de un Juan y una Inés adultos unidos maritalmente por el tedio. 

 

Deconstrucción fragmentaria del mito de Don Juan equilibrado con la perspectiva de Doña Inés. Él no es más protagonista que ella porque aquí no se pretende repetir el drama clásico. Si acaso se deja que el público encuentre sus ecos en la vida contemporánea. La puesta en escena juega con múltiples elementos y muchas sugerencias. Lo fragmentario domina sobre la cadencia y el orden propios de un relato. Y eso es a la vez la virtud y la limitación de esta estimable propuesta. Hay sugerencias muy fértiles de las que se esperaría un mayor desarrollo (como esos momentos cruciales de las infancias que hacen deseable un rastreo biográfico más estructurado). Pero la propuesta es más arriesgada y rebelde. Más Dadá, más Pop Art y menos condescendiente. Es algo que se teme, pero que también se agradece.

Odisea

Creación colectiva de Companhia do Chapitô. Dirección: José C. García. 
Producción: Companhia do Chapitô.
con Jorge Cruz, Pedro da Silva y Pedro Diogo.

25 de agosto de 2026. Patio de los Sitios. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 60' aprox.

Los dioses miran y hacen. Aquí frente al sobrado de Odiseo que es más chulo que nadie. Vemos al caballo, al cíclope, al barco, pero no al perro, el arco ni el telar. Son licencias teatrales de estos portugueses que han gastado mucho menos que Nolan para contarnos la Odisea.  

 

En Rei Lear había muchos folios y aquí hay muchos plásticos. Poco más que eso, alguna mesa, alguna silla y unas linternas es lo que necesitan los de La Compañía do Chapitô para que el público se lo pase en grande asistiendo a esta deconstrucción paródica del primer tratado de geografía mediterránea. La facilidad con que consiguen que el público sintonice y se parta de risa seguramente hace que sean más gamberros, más masculinos y menos elaborados los dispositivos escénicos de estos virtuosos de la esquematización irónica de los clásicos. Reconozco que lo que hacen interesa y tiene gracia, pero echo en falta la finura y sutileza que hacía tan sorprendente aquel Rei Lear que vimos el año pasado. Aunque no se conociera la historia de Shakespeare, todo resultaba mucho más singular, y a la vez diáfano, en aquella propuesta. Esta obra, más bronca y menos perfilada, tiene a su favor que la mayoría del público tiene recientes las peripecias de Odiseo tras el repaso nolaniano. Se ha estado bien esta noche en El Patio de los Sitios, pero espero que lo próximo que veamos de Chapitô tenga más que ver con las maneras que nos cautivaron en Olmedo.

La mirada de Lucía

Dramaturgia: Verónica Serrada. Dirección: Xiqui Rodríguez. 
Producción: Teatro del Navegante.
con Béatrice Fulconis, Teru Riesco y Lucía Espín .

25 de agosto de 2026. Espacio Afecir. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 95' aprox.

Tras el fallecimiento de la madre, Alegra y Lea vuelven a la casa familiar para recoger las cosas antes de ponerla a la venta. Alegra es alegre  y sintoniza muy bien con Lucía, la hija ciega de Lea, que también las acompaña. Pero el carácter de las dos hermanas es muy distinto. La mayor, Lea, es seria, responsable y parece amargada, mientras que Alegra siempre ha sido más independiente y parece llevar una vida despreocupada. Abriendo cajas y leyendo cartas repasan y descubren secretos familiares. Algunos de ellas y otros de sus padres. La presencia invidente de Lucía hará de puente entre las dos y desvelará los motivos de sus asperezas.

 

Revolver, fisgar, guardar, volver a sacar y volver a guardar... Es lo que hacen estas dos hermanas con las manos y con las palabras (aunque, de cuando en cuando, también cantan). La presencia invidente de la joven Lucía triangula la relación y da perspectiva a este duelo femenino tan poco fraterno. La situación es distinta, pero me ha recordado a los desvelamientos, también muy sentidos, de aquellas tres hermanas que se encontraban en la isla griega en la que acababa de morir la madre. Pero ni aquellas Tres noches en Ítaca ni La mirada de Lucía han conseguido cautivarme.  

Charlotte, vida o teatro

Dirección y dramaturgia: Mauricio Zabaleta.
Producción: Títeres de María Parrato y Maricastaña Teatro.
con María José Frías y Nuria Aguado.

25 de agosto de 2026. Sala Tierra. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 60' aprox.

La vida de Charlotte Salomon contada en imágenes por ella misma. Desde su infancia berlinesa como niña judía con querencias artísticas hasta los terribles momentos en el epílogo de su vida en que decide pintar, de forma acelerada, una autobiografía preventiva antes de morir en Auschwitz. La suya es una pasión artística y un drama que se desarrolla en el contexto más trágico: el de una familia en la que las mujeres se suicidaban. 

Los textos y las imágenes son de la propia Chalotte Salomon, una mujer con una vida trágica que nos descubre esta obra  que solo por eso ya merece ser elogiada. Pero es que, además, la dirección y la interpretación arriesgan mucho en esta propuesta multisensorial en el que hay títeres, pinturas y audiovisuales enlazados con destreza por María José Frías y Nuria Aguado. Es un continuo retador y complejo que cobra más sentido cuando, al acabar la obra, comprobamos que aquí el medio también es el mensaje. Ojalá que esta atrevida propuesta tenga tanto éxito como la historia del maestro Baneiges que nos descubrieron Xavier Bobés y Alberto Conejero en El mar. La vida y la obra de Charlotte Salomon bien lo merece.

Autorreverse

Texto: Celia I. Nadal  y  Fco. Javier Manzanera.  Dirección: Luis Felpeto.
Producción: Perigallo Teatro.
con Javier Manzanera Y Celia Nadal.

25 de agosto de 2026. Teatro Fernando Arrabal. 29 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 70' aprox. Espectáculo inaugural.

Un hombre y una mujer en el desierto. Frente a ellos estamos nosotros, el público. Él dice que a veces es capaz de ver las cosas como otro sin dejar de ser él mismo. Ella también quiere intentarlo. Incluso con nosotros, que somos quienes los estamos miramos. La cosa va de eso, de mirar lo importante. Y de no olvidar lo que decimos, lo que hacemos o lo que pensamos.  

Autorreverse es teatro sobre la arena. La de los desiertos que habitamos y la que baja en el reloj que ella abre al comienzo de una obra que termina poco antes de que la arena se acabe. Por voluntad propia era una delicia especular de gran calado filosófico y metateatral. Lo mismo que esta nueva joya de estos genios del Perigallo. El teatro, la existencia, la persona y el personaje estaban muy presentes en aquella, pero quizá el eje dominante era la cuestión de la autoría y el texto. Aquí se juega de nuevo con las palabras, en el espacio vacío de un desierto, para abordar los mismos temas, pero poniendo en el centro al sujeto y al lugar desde el que este mira, es decir, el público y el teatro. Autorrevese se dirige a la vez a la razón y al corazón. Al lugar en que habitan las palabras y los juegos del lenguaje y al hogar de las emociones y la empatía. Es una propuesta cautivadora que no reniega de la ternura. Esa que necesitamos para mirar y admirar lo importante y traerlo de nuevo al corazón. Para recordarlo.

 

Programa de mano