El caballero de Olmedo

de Lope de Vega. Versión y dirección: Laila Ripoll.
una producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Elisabet Altube, Arantxa Aranguren, Clara Cabrera, Javier Díaz Gil, Carlos Jiménez Alfaro, Sandra Landín, David Lorente,  Teo Maiztegi, José Luis Martínez, Gerardo Quintana, Mateo Rubistein. Víctor Sáinz y Jorge Varandela.

11 de julio de 2026. Teatro Adolfo Marsillach, 49º Festival de Almagro. 120’ aprox. 

Por encargo de Alonso, la vieja Fabia entrega una carta a Inés. Un breve encuentro entre los dos ha hecho que el sentimiento de amor sea compartido. Sin embargo, la insistencia de Rodrigo por casarse con ella les pone las cosas difíciles a los dos. Incluso después de que, en una fiesta taurina, el noble Alonso le salve la vida a Rodrigo que, lleno de odio y celos,  cuando aquel regrese de noche a Olmedo para ver a sus padres, lo espera en el bosque en compañía de otros para asesinarlo.   

 

En El animal de Hungría Lope se anticipó en más de dos siglos a consideraciones sobre lo humano propias de Rousseau. Y Laila Ripoll ha entendido con acierto que en El caballero de Olmedo, sobre todo en su tercer acto, hay barruntos de la estética que tres siglos después caracterizaría al romanticismo. Ella misma lo expresa en el programa de mano y es ese el aspecto más destacado de la forma en que plantea su versión de este gran clásico. El vestuario es claramente decimonónico, pero lo que define especialmente a esta propuesta es un escenario rotundo en el que, con apenas unos grandes telones verticales y unas veladuras delanteras, consigue dar un magnífico aire espectral a muchas de las escenas. Las proyecciones resultan fantasmagóricas y es impresionante el aspecto neblinoso que, ya desde el primer monólogo, aportan a la obra, siendo cruciales en la escena del encuentro con la sombra y luego de la celada en el bosque. No obstante, el contrapunto perfecto a ese tono sobrecogedor y sombrío está en la escena de la fiesta que precede al gesto heroico de Alonso salvando a su adversario. Ese cuadro sigue siendo decimonónico, pero con un alegre aire goyesco, muy intenso y musical, que recuerda la fuerza con que, en este mismo espacio, Rakel Camacho presentó hace un año su versión de Fuenteovejuna. Por lo demás, la dramaturgia de Laila Ripoll es respetuosa con el texto de Lope y aporta un tratamiento de los personajes muy correcto en el que las interpretaciones son clásicas, pero muy convincentes y están muy entonadas por todo el elenco.

 

Programa de mano

Dossier

Fuenteovejuna

de Lope de Vega. Versión: María Folguera. Dirección: Rakel Camacho.
una producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Pedro Almagro, Mikel Arostegui Tolivar, Lorena Benito, Carmen Escudero, Mariano Estudillo, Cristina García, Jorge Kent, Pascual Laborda, Vicente León, Lucía López, Cristina Marín-Miró,Chani Martín, Eduardo Mayo, Nerea Moreno, Laura Ordás, Jaime Soler Huete, Fernando Trujillo, Adriana Ubani y Alberto Velasco.

12 de julio de 2025. Teatro Adolfo Marsillach, 48º Festival de Almagro. 125’ aprox. 
13 de marzo de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 

El comendador se comporta como un villano con su pueblo y como un traidor con sus reyes. Pero Fuenteovejuna se rebela y mata al pérfido tirano.

 

En este festival de teatro clásico no podía faltar una obra magna de nuestro repertorio y esta propuesta ha sido realmente ambiciosa con un elenco de diecinueve intérpretes que han conseguido que el todo sea más que la suma de las partes. Y no por falta de intensidad o calidad en los personajes principales sino porque está muy claro que Fuenteovejuna es radicalmente coral y unitaria. Así lo ha entendido Rakel Camacho (quizá la primera directora que ha tenido Fuenteovejuna) que, más allá del propio texto,  ha hecho de la fuerza y la expresividad la clave de su apuesta. Los intérpretes no paran ni un momento en el escenario recreando faenas agrarias que podrían recordar, desde varios siglos antes, la forma en que Bertolucci las mostró en Novecento.  La intensidad también está en las músicas, casi ancestrales, y en la representación de la violencia: durísima y verosímil en la agresión sexual, tremenda y contundente cuando el pueblo se rebela. Escuchando el monólogo de Laurencia uno piensa en la actualidad de lo que Lope expresó en esta obra. Su reproche pareciera no proceder de la Fuenteovejuna pretérita sino de la Gaza de ahora. Y sus destinatarios bien podrían ser los gobiernos de esta vergonzante Europa.

 

Programa de mano

Dossier 

El gran teatro del mundo

de Calderón de la Barca. Dirección: Lluís Homar.
producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Aisa Pérez, Antonio Comas, Pablo Chaves, Jorge Merino, Clara Altarriba, Chupi Llorente, Pablo Sánchez y Malena Casado.

12 de julio de 2024. Teatro Adolfo Marsillach, 47º Festival de Almagro. 80’ aprox.

El autor le encarga al mundo preparar un teatro. En él confrontarán a su libre albedrío algunos personajes humanos. Será el autor quien repartirá los papeles del rey, el rico, el pobre, el labrador, la hermosura, la discreción y el niño entre los aspirantes. Y también quien, al final, juzgará sus desempeños.

Volvemos a Almagro para disfrutar de un fin de semana de teatro clásico en medio de la canícula. Esta tarde hemos visto en la iglesia de San Agustín la exposición Calderón, un escenario imaginado. Cuatro siglos de plástica teatral, recordando aquellos años ochenta en que asistíamos al nacimiento de la Compañía Nacional de Teatro Clásico con El médico de su honra dirigidas ambas (la compañía y la obra) por Adolfo Marsillach. Ahora es Lluís Homar quien ocupa ese puesto y ha dirigido El gran teatro del mundo que esta noche hemos visto en el Teatro Adolfo Marsillach de Almagro. El texto es fascinante, combinando a la perfección las exigencias y el rigor teológico de un auto sacramental con la excelencia literaria y filosófica de una obra intemporal que puede ser interpretada como una visión del mundo desde el teatro y también como un retrato del propio mundo del teatro (en nuestra selección de este año viene a ocupar, por tanto, el lugar de Lo fingido verdadero de Lope que también dirigió Lluís Homar). En El gran teatro del mundo hay ricos y pobres, reyes y labradores, gentes discretas o hermosas y, por supuesto, autores que, como dioses, trenzan los hilos de las tramas o, como públicos, las juzgan. Lluís Homar lo ha entendido perfectamente y, con un encomiable respeto al texto, plantea una puesta en escena sencilla y diáfana, pero también vistosa y muy pertinente con esa pasarela de pétalos que avanza entre el patio y hace que la mirada de ese dios-autor sea también la nuestra sobre esas criaturas que, especularmente, ensayan cómo representar nuestro mundo desde el mundo del teatro. Así que ha sido un excelente comienzo para este fin de semana en medio de estos calores manchegos que invitan al recogimiento lector en el día y al disfrute teatral en las noches.  

Programa de mano

Lo fingido verdadero

de Lope de Vega. Dirección: Lluís Homar.
producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Silvia Acosta, María Besant, Montse Díez, Miguel Huertas, José Ramón Iglesias, Ignacio Jiménez, Álvaro de Juan, Jorge Merino, Aisa Pérez, Paco Pozo, Arturo Querejeta, Verónica Ronda, Aina Sánchez, Eva Trancón.

24 de julio de 2022. Teatro Adolfo Marsillach, 45º Festival de Almagro. 120’ aprox.

En la primera jornada vemos cómo Diocleciano pasa de ser un militar muy apreciado a convertirse en emperador. En la segunda, lo vemos como mandatario razonable que prefiere el realismo del teatro al sadismo del circo. La tercera jornada será la de la transgresión entre realidad y ficción. Así que Diocleciano tendrá que participar en la obra en la que Gines representa y vive su conversión cristiana y finalmente su martirio.  

Lo singular de Stanislavski y Pirandello anticipado por Lope. Lo fingido verdadero contiene en su primer tramo una reflexión sobre el poder en la que Lope combina esa crudeza y lucidez que parece patrimonio Shakespeare. Pero lo mejor viene después. Cuando, en esta historia apta para tantos públicos (por ejemplo, los del siglo XVII y los del XXI), se nos ofrece una maravilla metateatral acerca de la distancia entre el intérprete y el personaje y también una mirada especular sobre la ontología del escenario. Lluís Homar lo está haciendo muy bien en la Compañía Nacional de Teratro Clásico. En su labor como director y también cuando elige y dirige obras como esta. No pudimos verla en Madrid, pero hemos podido disfrutarla ahora en esta última noche del Festival de Almagro. Había leído maravillas sobre la interpretación de Israel Elejalde como Gines. Pero Nacho Jiménez ha estado perfecto en ese papel. También todos los demás (impresionante, por ejemplo, Arturo Querejeta en el papel de Diocleciano) que derrochan calidad en esta propuesta teatral tan contenida en lo formal y tan contudente en  su capacidad de destilar toda la belleza, la profundidad y la fuerza del mejor Lope (si es que en él caben grados). Así que han sido solo dos días en Almagro. Pero, una vez más, deliciosos. Volveremos. 

Programa de mano

El príncipe constante

de Calderón de la Barca. Versión y dirección: Xavier Albertí.
producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Lluís Homar, Arturo  Querejeta, José Juan Rodríguez, Beatriz Argüello, Rafa Castejón, Egoitz Sánchez, Jorge Varandela, Lara Grube. José Juan Sevilla, Álvaro de Juan, Marina Mulet, Iñigo Álvarez de Lara, José Cobertera, Jonás Alonso, Alfonso Nieves, Jorge Llamas, Isabel Juárez, Irene Celestino.

23 de julio de 2021. Teatro Adolfo Marsillach, 44º Festival de Almagro. 120’ aprox.

El rey de Fez ansía la ciudad de Ceuta y los portugueses las tierras de su reino. En medio de la batalla el fiel Muley, que está enamorado de Fénix, la hija del rey, cae en manos del infante don Fernando que lo deja libre y con quien se sentirá para siempre en deuda. La ocasión de saldarla vendrá cuando el infante quede preso de su rey. Muley está dispuesto a ayudarle pero Fernando se niega a que la ciudad de Ceuta sea el precio por su liberación.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico pone en escena por primera vez (¿cómo es posible?) este texto de Calderón del que Goethe dijo maravillas y que si hubiera sido escrito en inglés estaría en ese repertorio shakespeariano que representa una y otra vez en español. El príncipe constante es una maravilla con pasajes extraordinarios de alto calado moral y poético. Y eso es lo que ha entendido Xavier Alberti al dirigirlo con una puesta en escena de máxima contención en la que el suelo es de arena, la pared tiene textura cerámica y apenas unos taburetes son los únicos elementos para una historia en la que  los personajes llevan trajes contemporáneos (y pantalones naranjas los cautivos)  y están acompañados por un cuarteto de cuerda que entra y sale de escena para subrayar, acompañar y también mirar las peripecias de una historia que sería aún más universal si fuera más conocida. Pero un texto soberbio y una dirección que sabe estar a la altura cuentan además con el regalo de un elenco afinadísimo en el que me ha encantado José Juan Rodríguez en el papel de Muley, Arturo Querejeta como el rey de Fez, Beatriz Argüello como Fénix y, por supuesto, el gran Lluis Homar que está inconmensurable en el papel de don Fernando al que ya solo su presencia dota del majestuoso calado moral que requiere un texto superlativo que debíamos saber de memoria por haberlo visto y leído mil veces. Después de aquel monólogo total que le vimos hacer en Barcelona hace casi siete años en Terra Baixa, este papel memorable solo nos confirma que es uno de los grandes de la escena española de todos los tiempos. Así que no podía terminar mejor esta primera jornada de nuestro regreso al festival de Almagro.

La hija del aire

de Calderón de la Barca. Versión de Benjamín Prado. Dirección: Mario Gas.
producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con José Luis Alcobendas, Jonás Alonso, Marta Betriu, Lander Iglesias, Ariana Martínez, Aleix Peña Miralles, Silvana Navas, Ricardo Moya, Agus Ruiz, Germán Torres, Pietro Olivera, Marta Poveda, José Luis Torrijo, David Vert.

26 de julio de 2019. Teatro Adolfo Marsillach. Hospital de San Juan, 42 Festival de Almagro. 150’ aprox. (con descanso)

Semíramis vive recluida en una cueva al cuidado de Tiresias. Una terrible profecía sobre lo que llegará a hacer con un buen rey y con su reino justifica un encierro de por vida al que ella no se resigna. Menón la libera y ahí comienza una tragedia de proporciones épicas.

Un impresionante decorado que en lo alto es cueva y tiene forma de relieve babilonico sobre el que se proyectan distintas texturas preside esta producción que tiene la magnífica factura a que nos tiene acostumbrados Mario Gas. Los vestuarios son bélicos, el tono es épico y la adaptación del verso que ha hecho Benjamín Prado apuesta por la claridad, la musicalidad y la tragedia política quizá más que por lo existencial. De modo que los ecos de Segismundo y de Edipo de la primera parte quedan atenuados por la fuerza de una segunda que se presenta más en clave de una superproducción épica que de la sutil poética en femenino heroico y singular que podría evocar la hermosa imagen del cartel. En este sentido, algunos recortes del texto de Calderón podrían ser discutibles (por ejemplo, esa diáfana y hermosa reclamación de la prisionera de morir por el rayo y no por el trueno) y quizá están más escorados a lograr la claridad descriptiva del relato que a garantizar que no se pierden los elementos más filosóficos y poéticos del original. En todo caso, la potencia del espectáculo no defrauda en una noche fresca y magnífica en este teatro al aire libre que lleva el nombre del gran Adolfo Marsillach.

Programa de mano