La caja

Creación: Desirée Belmonte, Sebastián López, Carlos Molina. Texto y dirección: Desirée Belmonte
producción: Teatro La Catrina.
con Desirée Belmonte.

18 de noviembre de 2023. Centro Niemeyer (club), Avilés. 60’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Mabel, Jordi y Vicente. Tres seres con afanes poco comunes. Mabel percibe como nadie los matices del presente. Jordi vive en la calle y duerme en la playa mientras escucha el sonido de las estrellas. Vicente viaja hasta París buscando su otra mitad. Los tres han sufrido el estigma y temido el encerramiento. Nos lo cuenta Desirée y lo vemos en sus videos.

Teatro documental sobre seres bondadosos que no le tienen miedo a la loca de la casa. La caja pudiera ser la de Pandora, en la que solo hay esperanza pero la mantienen cerrada quienes temen lo que ignoran. Son los que pretenden que cada singularidad encaje en una categoría y enclaustran a los que no caben en ninguna. La caja es teatro comprometido. Más que con la salud mental, con los valores humanos. Además de la narración de Desirée Belmonte, las tres historias se desarrollan con los videos de sus protagonistas y con esas metáforas hechas a partir de objetos (el círculo de espejos, la constelación de sombras, la caja que se va abriendo...) Así que bienvenidas sean propuestas escénicas tan sencillas y edificantes como esta. 

Programa de mano

María Luisa

Texto y dirección: Juan Mayorga.
una producción de Teatro de La Abadía y Lazona.
con Lola Casamayor, Juan Codina, Paco Ochoa, Juan Paños, Marisol Rolandi y Juan Vinuesa

15 de diciembre de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100’ aprox.

Raúl, el portero del edificio en el que vive María Luisa, le dice que debería poner más nombres en el buzón para evitar que los ladrones sepan que vive sola. Ella le dice que ponga Emerson Azzopardi y Benito Beckenbauer. Al llegar a casa los dos la esperan. Beckenbauer es un hombre de acción dispuesto a poner el país a sus pies. Azzopardi es un poeta torturado al que continuamente le brotan versos. Luego aparecerá Juan Olmedo, un hombre de orden que se desvive por cuidarla. María Luisa comenta con su amiga Angelines cómo le va con ellos. Ellas se ven todos los jueves, aunque lo que de verdad le apetece a María Luisa es ir a bailar una noche.  

Un canto a la libertad de la mujer madura. Un catálogo de masculinidades arquetípicas. Un repertorio de actos de habla en español vigesímico. Un conjunto poético de filosofemas tentativos. Una comedia surrealista. Un juego de espejos metateatrales. Un texto diáfano y trufado de sutilezas. Todo eso es María Luisa. Mayorga en estado puro. La puesta en escena y las interpretaciones son perfectas. De hecho, ejemplifican la ambivalencia de significados que en español tiene la palabra que define el trabajo actoral: personificar a los personajes (hacer sonar la máscara) y proponer hermenéuticas sobre ellos. Hallazgos como esa escalera de luz que María Luisa sube con fatiga o esa grieta entre coche y andén que ella atraviesa para luego tirar del freno de mano o irse a bailar, demuestran el magnífico director que (también) es Juan Mayorga. Con María Luisa nos ofrece una lección de feminismo libertario y una nueva reivindicación del teatro. De ese arte en el que la imaginación puede ir más allá del encuentro entre autor, director, intérpretes y público. Porque los propios personajes también pueden crear y recrear sus vidas. Quizá Raúl no sea un portero sino un director de escena. Azzopardi, Beckenbauer y Olmedo pudieran no ser ficciones sino intérpretes y sus personajes podrían ser esos muñecos colocados cerca de la ventana que terminan arrumbados en el proscenio. Pudiera ser que la verdadera autora de María Luisa sean María Luisa y que nosotros estemos mirando su vida desde la calle. Podría ser incluso que ella finalmente nos esté invitando a bailar. Ningún lugar más propicio para pensar todo esto que el Niemeyer. Aquí el escenario también se abre a una plaza.

Programa de mano

Días de vino y rosas

de J.P. Miller. Adaptación teatral: Owen McCafferty. Versión: David Serrano. Dirección: José Luis Sáiz.

Producción: ADN Teatro.
con Marcial Álvarez y Cristina Charro.

6 de diciembre de 2023. Teatre La Gleva, Barcelona. 75’ aprox. 

Sandra y Luis se conocen en un aeropuerto de camino a Nueva York. Los dos piensan vivir en esa ciudad. Él trabajando como relaciones públicas de un gran equipo de baloncesto y ella buscando simplemente la felicidad. Los dos acabarán juntos y tendrán un hijo. También compartirán una gran afición al alcohol. 

Se estrena hoy en La Gleva esta obra basada en la historia de J. P. Miller en que se inspiró Días de vino y rosas, la película de Blake Edwards. Los personajes son españoles y la ciudad es Nueva York en lugar de San Francisco, pero lo esencial de la historia se mantiene. Cristina Charro y Marcial Álvarez consiguen modular muy bien la intensidad creciente de este viaje al abismo de sus personajes. Y José Luis Sáiz destila lo básico de la historia ubicándola en un espacio con elementos mínimos (apenas dos sillas y un mueble bajo) que, con mucho acierto, lo fía todo a la fuerza de las escenas y a lo bien que hacen los intérpretes las transiciones y cambios de vestuario sin abandonar ese espacio. "Contigo hasta el infierno" es la frase que ella repite varias veces y resume muy bien la hibridación entre la adicción y la historia de amor que define la historia. Días de vino y rosas da que pensar sobre los cambios de hábitos y percepciones que ha habido acerca de las adicciones en el mundo adulto. Más normalizadas, diversificadas y mimetizadas que nunca, siguen estando presentes en estos tiempos inciertos. Aunque, seguramente, las que más condicionan las vidas ya no sean las que se beben, fuman o esnifan, sino otras que, de forma más sutil, afectan directamente al alma.

Romeo y Julieta despiertan

de E. L. Petschinka. Dirección: Rafael Sánchez.
una producción del Entrecajas Producciones Teatrales y Teatro Español.
con Ana Belén, Jesús Noguero, José Luis Torrijo, Irene Rouco y Pablo Amorós.

1 de diciembre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100’ aprox.

Quizá lo hacen cincuenta años después. Los dos despiertan, pero les cuesta reconocerse. Sobre todo a Romeo, que vuelve bastante amnésico a la realidad.

Recuerdos intermitentes de unos amantes con el sueño eterno interrumpido. Hay música en directo y, desde el comienzo, hay también roturas parciales de la cuarta pared. La puesta en escena es sobria pero eficaz. Las interpretaciones son impecables, con variaciones sin estridencias entre las distintas edades de los personajes. Así que todo está bastante bien en esta obra que, sin embargo, me hubiera gustado que me gustara más. Es como si la encontrara a medio camino entre la recreación de un clásico (y al verla  me acuerdo de lo que hizo Sergio Peris-Mencheta en Castelvines y Monteses) y su revisión (pienso en lo que hizo Pablo Remón con Doña Rosita, anotada -y en lo que seguramente hará con Vania-). Creo que Petschinka se queda a medio camino o no llega a ninguna de las dos cosas. Pero eso no desmerece el estupendo trabajo que hacen Ana Belén, Jesús Noguero y los demás.

Ada Byron: la tejedora de números

autor: César Luis Alonso.  Director: Ernesto Arias.
producción: La Westia Producciones.
con Ici Díaz, Francisco Pardo, Isabel Marcos y César Alonso.

29 de noviembre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

Ada Byron recibe en el lecho de muerte la visita del espectro de su padre. Junto a ella están su madre Annabella y Charles Babbage, su  cómplice en los telares numéricos. Con ellos va evocando en ese trance momentos de su vida: la pasión por las matemáticas y los juegos lógicos, el empeño por ir más allá del mecanicismo algorítmico de los cálculos y la intuición de las posibilidades infinitas del pensamiento artificial.

Ada Byron podría ser al siglo XIX lo que Alan Turing fue al siglo XX en la historia de la informática. Los dos eran genios que sufrieron los límites que en aquellos tiempos les imponía su condición. El texto de César Luis Alonso consigue que interese todo lo que le pasa a esta mujer excepcional. Y, junto al buen trabajo de los intérpretes, la dirección de Ernesto Arias tiene el empaque y acierto para augurar a la obra un buen recorrido nacional. Reivindicando su legado,  Ada Byron tiende puentes entre las dos culturas, juega con las matemáticas y nos recuerda cómo fueron las raíces del mundo digital. Es verdad que la presencia de Lord Byron sirve de contrapunto perfecto para que la obra transcurra por senderos seguros. Pero también posterga un poco el protagonismo de Ada. No es que esté mal que la figura del escritor aparezca en el retrato de la matemática, pero el espectro de Lord Byron quizá podría haber sido aún más espectral. 

Programa de mano

Ruido

autor y director: José Padilla.
producción: Ángel Verde.
con Zaira Montes y Juan Vinuesa.

18 de noviembre de 2023. Centro Niemeyer (club), Avilés. 60’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer. Estreno absoluto.

Una cantante que tuvo cierto éxito en el pasado tiene una entrevista con un hombre en un sótano. Él quiere contratarla para un concierto inminente en un lugar tan raro como ese espacio subterráneo. Ella necesita el dinero y él necesita que  allí haya mucho ruido durante unas horas.

Un diálogo intenso y exasperado entre un hombre y una mujer a los que no les van nada bien las cosas. Los dos tienen motivos inconfesables para contratar ese singular concierto en el que el público parece ser lo de menos. Las interacciones son muy intensas y el intercambio de gritos parecen anticipar como sería el concierto. Con Ruido José Padilla nos ofrece una obra mucho menos ambiciosa que Run [jamás caer vivos], la estupenda propuesta de teatro documental y total que vimos en el auditorio superior de este mismo edificio el pasado mes de mayo. De todas formas, hay que reconocer que para el estreno de este Ruido seguramente no había un lugar más apropiado que este club teatral subterráneo del off del Niemeyer. Sin duda, es el espacio perfecto para una historia que desarrolla en un sótano.

Lectura fácil

versión libre de la novela de Cristina Morales. Dramaturgia y dirección: Alberto San Juan.
una producción del Centro Dramático Nacional.
con Desirée Cascales, Carlota Gaviño, Pilar Gómez y otros.

11 de noviembre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 125’ aprox.

Nati, Patri, Marga y Ángeles. Cuatro primas discapacitadas que comparten piso tutelado. Una jueza va a decidir si autoriza la esterilización forzosa de Marga. Ella escapa y se esconde en una casa destartalada.

La novela de Cristina Morales es extraordinaria. Cuatro voces narrativas de sinceridad extrema y lucidez entreverada. Toda una lección de escritura y compromiso con los nadies. Una bofetada hilarante a las burocracias asistenciales y a la estúpida soberbia judicial. Son cuatrocientas páginas de alta literatura sobre la subnormalidad. La que aqueja a las instituciones, protocolos y procedimientos que se empeñan en evitar la lectura fácil. Alberto San Juan ha logrado que reconozcamos en el escenario a los personajes de Cristina Morales y la intención de su novela. Los hechos transcurren en Madrid y no en Barcelona, pero en ese espacio desnudo con muro gris, sillas y sofá, tres actrices y cuatro intérpretes no profesionales con alguna discapacidad consiguen dar voz a este retablo de personajes infrecuentes que, por momentos, me ha hecho pensar en Valle-Inclán. La novela tenía una voluntad extrema de oralidad y fisicidad. Y aquí se realizan ambos propósitos de manera superlativa provocando que entre el público seguramente haya quien aprecie que asistimos a la esencia del mejor teatro, pero también quien se sienta espantado por tener que contemplar lo que nunca se quiere ver. Tan solo se me ocurre un pequeño reproche. Es verdad que el personaje de la juez en silla de ruedas se podría interpretar como un guiño a la discapacidad esencial del sistema judicial. Sin embargo, creo que desvirtúa la crítica que Cristina Morales hace a una judicatura que, poniendo la cara del que sabe, se cree por encima del bien y del mal. Es una objeción mínima a una obra magnífica que seguramente animará a muchos a leer la novela. Así que bravo por Cristina Morales, bravo por Alberto San Juan y bravo por este estupendo elenco que lo ha dado todo esta noche en el Palacio Valdés.

Miércoles que parecen jueves

de Juan José Millás. Dirección: Mario Gas.
una producción de Entrecajas.
con Clara Sanchís.

20 de octubre de 2023. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Juan José Millás nos va a dar una conferencia. Sin embargo, quien aparece es una mujer con pistola que dice ser él. Nos toma como rehenes y comienza su discurso señalando que no tendría sentido que se empeñara en ser Juan José Millás si realmente no lo fuera. Sus argumentos son inequivocamente millasianos, así que ni siquiera Juan José Millás logra convencerla cuando dialoga con ella desde la pantalla.

En diciembre hará treinta años de que Magüi Mira nos deslumbró en el Palacio Valdés con Ella imagina, aquel primer monólogo inolvidable de Juan José Millás. Hoy su hija nos retiene y nos fascina en el off del Niemeyer con este personaje radicalmente millasiano que nos hace reflexionar sobre la realidad y la ficción de la identidad. Es hora y cuarto de un equilibrio perfecto entre el desquiciamiento que mueve a la risa y la lucidez que da tanto que pensar. Y es que el Juan José Millas que encarna y defiende Clara Sanchis viene muy bien armado. Con su pistola mantiene fuera a la policía y conmina a un espectador a que le acompañe en el escenario. Y con sus palabras nos asombra y desvela, igual que hizo Juan Diego en La lengua madre (aquel segundo monólogo de Millás que disfrutamos en el Palacio Valdés en noviembre de 2012). Desde luego, no ha podido programarse mejor esta inquietante sorpresa especular entre la realidad y la ficción, entre la persona y el personaje, que en esta noche en la que inesperadamente estrenamos una nueva configuración reformada del espacio del off del Niemeyer. El escenario estaba antes al norte y ahora está al sur, así que hoy nosotros estamos sentados donde antes estaba la ficción que ahora ocupa el lugar en el que antes estaba la realidad. En el fondo del escenario (¿desde Madrid? ¿desde Valencia? ¿desde Muros del Nalón?) vemos a Millás intentando convencer (¿a Clara Sanchís? ¿a nosotros? ¿a él mismo?) de que a quien vemos en el escenario es una tal Asunción y no a él. Algo parecido a lo que Unamuno intentó cuando decidió meterse en su novela para explicarle a su personaje quién era quién. Supongo que Mario Gas se lo habrá pasado en grande como segundo (o tercer) demiurgo y haciéndonos disfrutar tanto con estos Miércoles que parecen jueves en este viernes en que hasta el norte y el sur se confunden en el escenario.

Programa de mano
Dossier

Don Ramón María del Valle-Inclán a través de Ramón Gómez de la Serna

Dramaturgia y dirección: Xavier Albertí.
una producción del Teatro Español y Bravo Teatro SL.
con Pedro Casablanc y Mario Molina (al piano)

13 de octubre de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 70’ aprox.

Un repaso a la vida de Don Ramón María del Vallé-Inclán hecho por Ramón Gómez de la Serna con la ayuda de un pianista, un guante y un monóculo.

De Pedro Casablanc uno siempre espera trabajos superlativos. Y él nunca defrauda. Los últimos que ha traído a Asturias son buena prueba de ello. El año pasado estrenó en este mismo teatro esa joya inclasificable titulada Decadencia y poco antes nos había deslumbrado en el Jovellanos con aquel impresionante repaso al Torquemada de Benito Pérez Galdós. Hoy vuelve a Avilés con este monólogo que abre a portagayola con la lección de Ramón Gómez de Serna sobre el canto de las gallinas, las virtudes del monóculo y la mano del orador. A partir ahí, Pedro de la Serna se hacen cargo de Valle-Inclán y nos lo muestran, casi de cuerpo presente, poniendo a la vista sus raíces aristocráticas gallegas, sus querencias por la bohemia madrileña y la singularidad de un hombre cuyo nombre ya es adjetivo. Casablanc cuenta, canta, baila y, como querría el propio Valle-Inclán, hace lo que le da gana en un escenario simplísimo (solo él, Mario Molina y un piano) desde el que nos embelesa con esta semblanza de un escritor, de un país, de un tiempo y del propio arte de hacer arte. Así que hay que darle las gracias a él, a Xavier Albertí y a los dos ramones por esta hora larga de fascinación escénica y literaria que se nos ha hecho tan corta.

Programa de mano

El chigre menguante

autor y director: Maxi Rodríguez.
producción: Saltantes Teatro.
con Luis Alija, Nerea Vázquez, Carlos Mesa, Alberto Rodríguez y David Varela.

11 de octubre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 75' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias". Estreno absoluto.

Retrato hiperrealista de la quintaesencia del ágora asturiana. Tiene serrín en el suelo, fideliza a los parroquianos y asombra a los forasteros. Se llama chigre y ha dado vida a los pueblos desde mucho antes de que las sidrerías urbanas se franquiciaran e hipostasiaran el cachopo. El babayo, el cantarín, el pendenciero y el mundial son algunos de los tipos asturiensis que tienen allí su hábitat natural. El chigre es un espacio secular que languidece en estos tiempos atomizados en los que a muchos les presta más mirar pal móvil que escanciar un culín.

 

Cinco intérpretes soberbios y un dramaturgo extraordinario. Vestidos de negro y con dos micrófonos delante, recuerdan a unos luthiers dispuestos a presentarnos un tratado completo sobre la ontología y la antropología del chigre. A velocidad de vértigo van trenzando tipos humanos, gestos, palabras, cantos, reflexiones y provocaciones para hacer un buen repaso de esa asturianía menguante que antes paraba pol chigre. Maxi lleva al escenario fragmentos de esas joyas periodísticas suyas con las que ha construido el mejor retablo del paisanaje de estas tierras. Y es que, con nombramiento oficial o sin él, creo que Maxi Rodríguez y Jerónimo Granda son los mejores cronistas de la intrahistoria poética e hilarante de lo asturiano. Los cinco intérpretes  han estado impresionantes en el estreno de esta obra trepidante y desternillante que ha llenado le chigre vibrante y grandón en que se ha convertido esta noche nuestro Palacio Valdés. Así que el autor y director de Ondas ("la obra en general gustó"), El color del agua, ¡Oé, Oé, Oé!, Low cost, Crecer, Niue. Under the coconuts, Porno y tantas otras, ha dado en el clavo enseñándonos con El chigre lo mejor del ombligo asturiano y reivindicar lo mucho de esencial, mundial y universal que hay en él. Pero también los peligros que le/nos acechan en estos tiempos en que la inminencia de la alta velocidad ferroviaria (y la baja inteligencia de algunos) puede traer consigo la alegre malagueñización de Vetusta. Quizá porque en Asturias aún no nos hemos enterado de que ahora Madrid es España y lo demás es tierra conquistada. Menos mal que aún tenemos chigreros tan lúdicos y lúcidos como  Maxi.

Depois do silêncio

Autoría: Christiane Jatahy. Basado en Torto Arado, de Itamar Vieira Jr.
una coproducción de los teatros CENTQUATRE-PARIS, Odéon – Théâtre de l’Europe y Théâtre Dijon-Bourgogne CDN.
con Gal Pereira, Juliana Francia, Lian Gaia y Aduni Guedes.

20 de septiembre de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100’ aprox.

Crímenes sin castigo en tierras de los nadies brasileños. Varias mujeres y un hombre nos hablan de su familia y de su comunidad. También de algunos de sus miembros que fueron asesinados por defender el derecho a la tierra. Las vemos a ellas aquí y a sus gentes allí porque están casi todo el tiempo en las pantallas que hay al fondo del escenario.

Los sonidos y las actuaciones están bien armonizadas con las imágenes. Hay escenas intensas como la del baile/trance final y, por momentos, la interacción entre lo representado y lo filmado es especialmente afortunada. Sin embargo, el discurso resulta un tanto enfático y, más que despertarla, presupone la emoción. Eso hace que no resulte fácil sentirse concernido. Sin duda, los sobretítulos distancian, pero lo cierto es que no consigo implicarme como quisiera en la historia.

El traje

autoría y dirección: Juan Cavestany
una producción de Carallada, Producciones Off y Vania.
con Luis Bermejo y Javier Gutiérrez.

2 de septiembre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 60’ aprox. Estreno absoluto.

Dos personajes en un sótano de unos grandes almacenes. Uno tiene encerrado allí al otro. Al parecer se ha producido una avalancha en el primer día de rebajas y una señora mayor y él se han abalanzado a por un traje. Ella ha resultado malparada y está un una sala al lado. El otro es un encargado de seguridad que le está interrogando. Según dice, lo hace por su bien y para que pueda arreglarse todo.

 

Diálogos encabalgados entre dos tipos sudorosos. Hiper(su)rrealismo hipnótico. Lugares comunes, frases hechas e interacciones obsesivas en un espacio opresivo. En fuera de campo queda otro espacio (en el que estaría la mujer) y otro tiempo (en el que sucedió el incidente del traje). La obra se estrenó hace diez años, pero no pudo verse mucho. Ahora Juan Cavestany, Luis Bermejo y Javier Gutiérrez se han puesto de acuerdo para hacernos disfrutar lo indecible con esta joya que es a la vez comedia, tragedia y disparate. El texto (¿es posible que estuviera escrito?) es Cavestany en estado puro, un autor/director que me encanta tanto en el cine (Gente en sitios, Esa sensación, Madrid, interior, Un efecto óptico) como en el teatro (Los Mácbez, Moby Dick, Principantes, Shock 1 y Shock 2). Y estos dos monstruos de la complicidad y la locura bordan sus interpretaciones en esta noche de estreno. De Javier Gutiérrez conocemos sus excelentes trabajos en el cine, pero ha tenido también interpretaciones estupendas en el teatro (Los Mácbez, Principiantes). A Luis Bermejo le hemos visto más sobre las tablas con trabajos magníficos (Jugadores, El minuto del payaso, Los mariachis, Informe lejía, Los que hablan,) y es uno de los actores españoles que más me gustan. Así que ha sido otra estupenda noche de estreno en Avilés. La tercera de este verano. Sentí no volver a tiempo para la primera (Prima facie). Por suerte, esta no nos la hemos perdido. 

 

Programa de mano

Dossier

Hechos y faltas

autoría: Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrell. Versión y dirección: Bernabé Rico
una producción de TalyCual.
con Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti.

25 de agosto de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 75’ aprox. Estreno absoluto.

La directora de Harper's Magazine encarga a Jim Fingal, un joven y diligente becario, la verificación de los datos y los hechos incluidos en un artículo que ha escrito John D'Agata. Él es un afamado periodista que ha redactado un texto soberbio sobre las circunstancias del suicidio de un joven en Las Vegas. La crónica de D'Agata tiene dieciséis páginas, pero el documento con los comentarios y correcciones factuales que Fingal entrega a la directora ocupa más de cien.

"El relato mata al dato". Esa afirmación demoledora aparece una y otra vez en El malestar de las ciudades, el inquietante y magnífico libro de Jorge Dioni López que acabo de leer.  Los hechos importan menos que los dichos. Y las frases hechas y letanías hacen cada vez más indigestos los discursos. Hechos y faltas entrevera la reflexión y la comedia en relación con todo esto confrontando dos arquetipos: el afilado (y a veces ingenuo) joven atrevido que no acepta otra verdad que la objetiva, y el imponente (y a veces despótico) escritor veterano que repudia que los datos y los hechos comprometan la belleza y la fuerza literaria del relato. Bernabé Rico compensa con algunas dosis de comedia la menor profundidad de este texto respecto de otros de Mamet que él ha versionado (La culpa, Muñeca de porcelana). Hechos y faltas comparte con esas obras la pertinencia de un escenario casi abstracto y un manejo impecable de la luz y el sonido. En cuanto a las interpretaciones, Ángeles Martín aporta el carácter que precisa esa directora que ha de hacer de equilibrista en la pugna entre esas dos edades masculinas; Juan Grandinetti está estupendo ofreciendo matices y gestualidades contenidas a ese joven periodista que es más dañino cuanto más respetuoso parece. Y el gran Antonio Dechent tiene la fuerza que requiere ese escritor, irónico y de vuelta de todo, que toma como afrenta cualquier apostilla. Dechent es un actor magnífico del que no olvido que, cuando apenas se oía hablar de nuevas masculinidades, hizo un trabajo memorable en La voz humana. O que protagonizó de forma soberbia A puerta fría, una joya de película que trataba el drama del precariado en un tiempo en que ni siquiera se usaba esa palabra. Así que ha sido un gustazo tenerlo (y tenerlos) hoy en Avilés en esta noche de estreno y saber que a él lo veremos de nuevo a finales de septiembre, cuando se estrene Cerrar los ojos, la esperadísima nueva película de Víctor Erice.    

Dossier

La tumba de Antígona

de María Zambrano. Adaptación: Nieves Rodríguez y Cristina Silveira. Dirección: Pep Antón Gómez.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Karlik Danza-Teatro.
con Ana García, Cristina Pérez Bermejo, Lara Martorán, Camilo Maqueda, Mamen Godoy, Tania Garrido, Jorge Barrantes, Fermín Nuñez, Iván Luis y Francisco García,

11 de agosto de 2023. Ruinas de Cáparra. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 105’ aprox.

Antígona en su tumba. Reflexionando desde el espacio liminar entre la vida y la muerte, pero sin entregarse a ninguna de ellas. Desde allí repasa su vida y otras vidas. La de su padre, su madre y sus hermanos que también la visitan. Y al final llegará Creonte que, frente a ella, resulta derrotado.  

Un año más volvemos a Cáparra para contemplar, en esta noche sin luna, una tragedia reflexiva. El texto de María Zambrano es denso, áspero y exigente para el público y los intérpretes. Casi un monólogo ensimismado del que Ana García sale bien parada con la ayuda de un elenco coreográfico. La puesta en escena es sencilla, con una iluminación móvil a la que se le saca bastante partido. Antes de la obra, mientras bajamos hacia el arco, un buen  número de figurantes animan la velada con un buen hacer juguetón que merece ser destacado. El resto de la programación de este año escora demasiado hacia la comedia, así que este año solo bajamos esta noche a este magnífico olivar escénico a la vera del arco. El regreso a nuestras montañas ha sido bajo un cielo limpio y estrellado con ganas de perseidas. Y, mientras llegan, es una delicia contemplar la Vía Láctea desde esta raya.

Odisea, un viaje trepidante

Dirección y coreografía: María Rovira. Música original: Eduard Iniesta.

de Crea Dance Company by María Rovira. Una coproducción del Mercat de les Flors y Teatros del Canal.
con Nilufer Ackanbas, Ariadna Jordán, Marcel Quesada, Idolina Massa, Ángel Gabriel Gutiérrez, Julio León, Osmani Montero y Laia Vancells.

5 de agosto de 2023. Teatro María Luisa. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 60’ aprox.

Ocho bailarines en el escenario evocando en modo coral el periplo de Ulises. Cuatro chicos y cuatro chicas ante algunas imágenes en las que ellos mismos podrían representar divinidades que contemplan o motivan este viaje coreográfico.

La música de Eduard Iniesta es elegantemente hipnótica y la coreografía de María Rovira es fascinante. No se distinguen etapas en un viaje continuo que resulta catártico para el espectador y muy exigente para los danzantes. La ovación final ha sido más que merecida. Y quizá también la merezca la excelente programación paralela que el Festival de Mérida ha desarrollado en el bonito Teatro Maria Luisa y que se cierra con este estupendo díptico homérico que hemos podido disfrutar este año. La semana próxima nos queda otra cita en Cáparra: La tumba de Antígona sobre el texto de María Zambrano.

La comedia de los errores

de William Shakespeare. Versión: Albert Boronat. Dirección: Andrés Lima.
una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Mixtolobo.
con Pepón Nieto, Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido.

4 de agosto de 2023. Teatro Romano. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 115’ aprox.

Dos pares de niños gemelos fueron separados durante un naufragio. Dos acabaron en Siracusa y otros dos en Éfeso. Ninguno había vuelto a saber nada de su hermano. Hasta que la llegada a Éfeso del padre de dos de ellos desencadena un buen número de errores y malentendidos.

El texto de Shakespeare es una bobada. De él solo cabría esperar  la típica comedia de enredos y resortes. Sin embargo, resultaba raro que Andrés Lima y Albert Boronat, que nos habían ofrecido aquella impresionante desmesura en dos tiempos que eran Shock 1 (El Cóndor y el Puma) y Shock 2 (La Tormenta y la Guerra), fueran a someterse ahora a los dictados del teatro comercial más bobalicón. Pero de eso nada. Con mucha más gracia de la que el propio Shakespeare podría haber esperado de su texto, Albert Boronat y Andrés Lima lo dotan de con múltiples capas, a cuál más sutil y divertida, que obligan a los seis intérpretes (y también a un técnico) a multiplicarse para ofrecernos un prodigio lúdico de compenetración y buen hacer interpretativo pocas veces visto en un escenario. Así que yo, que no soy de risa fácil y detesto las comedias de resortes, solo puedo decir que he disfrutado de lo lindo con esta obra cautivadora y tronchante que sabe sacar partido hasta del filón gestual de las hermanas de Marge Simpson para dar lustre y brillantez a esta comedieta del Bardo. De modo que ha sido un gustazo este programa doble de hoy en Mérida. Mañana más...

En mitad de tanto fuego

de Alberto Conejero, a partir de la Ilíada de Homero. Director: Xavier Albertí.

Una producción de Grec Festival de Barcelona y Miramedia, con la colaboración de Sala Beckett y Teatros del Canal.
con Rubén de Eguía.

4 de agosto de 2023. Teatro María Luisa. 69º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 60’ aprox.

Patroclo nos cuenta la historia. Desde el principio. La de Aquiles y su cólera. La de aquella guerra que inauguró  todas las guerras. También nos habla (y le habla) del amor entre los dos. De quién era él antes de conocer a Aquiles. Y de lo que podría haber sido de ellos y del mundo si no hubiera motivos para repetir los cantos de la Ilíada.

A cuerpo limpio. Solo con la luz y las palabras. La luz que ilumina el rostro de un actor y las palabras de un texto magnífico que se enfrenta con el primer relato bélico, el que cimentó la ética del asedio. A Rubén de Eguía lo vimos en diciembre en Barcelona interpretando a Adán en Paraíso perdido, aquella joya que, sobre un texto de Helena Tornero inspirado en el poema épico de Milton, dirigió Andrés Lima. Él estaba esta tarde delante de nosotros viendo el magnífico trabajo de Rubén de Eguía, seguramente porque estos días está en Mérida con el estreno de La comedia de los errores que también ha dirigido y que veremos esta noche en el teatro romano. La puesta en escena de En mitad de tanto fuego no puede ser más sobria, quizá para subrayar que lo importante es el trabajo de Rubén de Eguía y la calidad del texto de Alberto Conejero que otra vez ha logrado un equilibrio perfecto entre la poesía y el compromiso. Lo mismo que también logró hace poco con El mar, esa pieza de orfebrería comprometida con la memoria que, justamente por eso, ha sido prohibida por esos ignorantes que siempre están dispuestos para la destrucción (ahora en Sevilla la han tomando con el festival de cine). Por eso siguen siendo tan oportunas propuestas tan magníficas como esta. Porque, tantos siglos después de Troya seguimos en mitad de tanto fuego.