Gruyère

Escrita por Alfonso Mendiguchía. Dirigida por César Maroto.
Producción: Los Absurdos Teatro.
con Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía.

21 de diciembre de 2024. Café de las Artes, Santander. 80’ aprox.

Ernesto y María tienen tres días para pagar tres letras de su hipoteca o serán desahuciados. Desesperados, buscan por todos los medios la forma de conseguir el dinero. El azar, y las dificultades de Ernesto para quitarse el casco, les ofrecen de carambola el botín de un atraco al banco. Pero sus pruritos hacen que casi pierdan esa oportunidad. Casi. 

Teníamos ganas de conocer esta sala del off teatral santanderino y la ocasión ha sido perfecta. Gruyère es una comedia divertida, con una pizca de ternura romántica, otra de apostillas, rimas y metatextos y también un amable ajuste de cuentas con los yugos hipotecarios. La sala recuerda, en versión reducida (unas ochenta localidades), la forma de las naves angulares de La Abadía. Y su esquina escénica permite una intimidad máxima con esta pareja de intérpretes que tienen una afinadísima sintonía en los diálogos, en las transiciones y en el manejo de esos módulos polivalentes con los que cada poco van (re)configurando el espacio. Así que con solo eso y dos sillas logran que nos sintamos en lugares tan distintos como un banco, un dormitorio o una cárcel. Gruyère es una obra accesible que ganará para el teatro a quienes no lo frecuentan, pero está escrita, montada e interpretada con la finura y precisión que espera y valora el público más exigente.

Programa de mano

Burro

Dramaturgia de Alvaro Tato, basada en textos clásicos sobre asnos. Dirección y música original: Yayo Cáceres.
Una producción de Ay Teatro. Coproduce Teatre Romea.
con Carlos Hipólito, Fran García, Iballa Rodríguez, Manuel Lavandera.

20 de diciembre de 2024. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 80’ aprox.

Un burro habla con su sombra y repasa la historia de los suyos. Desde los tiempos en que vivían libres en los montes hasta el olvido en que ahora los tienen los humanos.

Una maravilla de texto, música e interpretación. La inteligencia poética de Álvaro Tato está llena de lucidez, ternura y aprecio por nuestra lengua. Y consigue sacar oro de unos textos clásicos a los que Yayo Cáceres añade música, gesto y movimiento para mostrarnos que, mucho antes de Platero, la vida de los asnos ya era espejo de lo mejor y lo peor de los humanos. Con textos de Esopo, Apuleyo o Cervantes, un actor tan entrañable y con tantos registros como Carlos Hipólito consigue que veamos todo el tiempo a ese burro que nos habla y nos mira con actitud especular y bondadosa. Hace dos años nos demostró su virtuosismo interpretativo en el monólogo de Oceanía, aquel sentido homenaje a Gerardo Vera. Aunque aquí  no está solo en el escenario porque los músicos que lo acompañan son también magníficos actores. Y es que Iballa Rodríguez y Fran García aportan esa guinda coral, genuinamente ronlalera, que nos confirma que en este burro Ay teatro. Delicioso y sublime teatro.

Programa de mano
Dossier

Magia. Una comedia fantástica

de C.K. Chesterton. Dirección y adaptación: Emilio Ruiz Barrachina.
producción: Hemisphere Teatro.
con Carlos Chamorro, Juanma Díez Diego, Valentín Perales, Ángel Héctor Sánchez y Rebeca Arrosse.

19 de diciembre de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 65' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias". Estreno absoluto.

A la mansión del conde acuden el médico, el cura y un mago. También está su sobrina, fascinada por la magia y los duendes. Los dos primeros discrepan y se lanzas puyas. Aunque algunas son compartidas cuando van  dirigidas al mago.

Llenazo en el estreno de esta obra del ciclo Hecho en Asturias. La puesta en escena, el vestuario y la dicción de los intérpretes son coherentes con lo que da de sí este texto de Chesterton que no se había estrenado en España. Hay juegos irónicos de palabras, simetrías antitéticas entre el clérigo y el científico y cierta displicencia centrista en el aristócrata potentado. También está la magia esperable en los usos amorosos de la época en que se estaba construyendo este teatro. Aunque poco más que eso.

Programa de mano

¿De dónde venimos?

Creación: Santiago Sánchez y Hassane Kouyaté. Dirección: Hassane Kouyaté.
Una coproducción de CITA (Centro Internacional de Teatro Actual) y L’om-Imprebís.
con Santiago Sánchez y música de Víctor Lucas.

13 y 14 de noviembre de 2024. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer. Estreno absoluto.

¿De dónde venimos? Nos lo pregunta al inicio Santiago Sánchez para hacernos pensar en el comienzo de todo. Del universo, de las palabras, de las cosas... Y también de las vidas y las historias. Nos pide que cerremos los ojos y escuchemos una voz. Es la de Galeano diciéndonos que, vistos desde el cielo, somos como fueguitos. También escuchamos a Serrat cantando lo que le pasa a la vida de vez en cuando. Santiago Sánchez nos contará más historias. La de los hombres que suben a un pueblo del que se hablan maravillas. La del niño que le pregunta al cura sobre el cielo y las almas. O la de la propia vida humana desde las entrañas hasta la tumba. Santiago Sánchez nos lo cuenta con palabras, con gestos y también con música.

El viernes asistimos con el alumnado de 2º de bachillerato al ensayo general. Quedaron encantados y le hicieron preguntas muy interesantes. Y es que Hassane Kouyaté y Santiago Sánchez son herederos de esa tradición insondable de contar historias alrededor del fuego. Por eso consiguen que veamos nítidamente lo invisible y pensemos lúcidamente en el paso del tiempo. ¿De dónde venimos? es teatro mínimo sobre cuestiones máximas. Un repertorio variado de lo que se puede hacer en el teatro. En ese encuentro en el que suspendemos por un tiempo nuestras cuitas y nos convertimos en seres radicalmente atencionales. Santiago Sánchez nos muestra lo que, en un espacio casi vacío (solo dos sillas, una mesa y un banco) se puede evocar con el cuerpo, con el gesto y con las palabras cuando se cuenta con las delicadas luces de Félix Garma y la arrulladoras músicas de Víctor Lucas. Y también lo que les pasa a los personajes con solo cambiar unas máscaras. ¿De dónde venimos? es una delicia que se disfruta, da que pensar y alimenta el alma. En este fin de semana de magníficos estrenos en Avilés se agradece que al terminar el suyo, además de recibir con sus compañeros nuestros aplausos, Santiago Sánchez haya querido hacer un público reconocimiento a quien desde hace tantos años es el demiurgo que ha hecho posible que esta ciudad sea una polis del teatro. Por eso ha sido tan sentido nuestro segundo aplauso.

Programa de mano
Dossier

Los de ahí

Autoría y dirección: Claudio Tolcachir.
Una producción de Centro Dramático Nacional, Producciones Teatrales Contemporáneas y Teatro Picadero.
con Nourdin Batán, Fer Fraga, Malena Gutiérrez, Nuria Herrero y Gerardo Otero.

13 de diciembre de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100' aprox. Estreno absoluto

Tras una montaña desolada, Nuno, Dani y Munir esperan a que la máquina les de los avisos. Acercándole el móvil sabrán la dirección a la que deben llevar cuanto antes el nuevo paquete. Solo falta Eduardo que ahora no está y ha dejado su bicicleta. También llega Susan, una mujer madura que ha dejado a su marido y ahora comparte amor con el bueno de Dani. Y Mirja, la única del país cuya lengua no entienden y con la que Nuno tiene un bebé que, no se sabe por qué, ella ha dejado en su casa. Son seis seres desvalidos que mitigan su soledad en esa pequeña comunidad que han formado entre la desolación y la esperanza.

Por una vez nos acercamos a esos de ahí y entendemos su lengua. La que une a Nuno, Munir, Dani y Eduardo en ese no lugar extranjero en el que comparten extrañamiento. Son los nadies que ahora recorren nuestras ciudades con sus mochilas y bicicletas. Godot podría ser aquí esa máquina muda que, como tótem posmoderno, suministra de forma imprevista direcciones y paquetes. O Eduardo, ese personaje que, en fuera de campo, es el destinatario de los afectos de Munir. Pero, además de los ecos beckettianos, en el teatro de Tolcachir hay tantas resonancias propias que no hace falta adscribirlo a ningún clásico. En Los de ahí las palabras a veces se vacían y acaban expresando mejor lo que no dicen que lo reiterado. Incluso las de Mirja, que sin entenderlas, tienen una fuerza especial para esos nadies y también para nosotros (como las del monólogo en ruso de la obra de Berta Prieto que tanto nos impresionó hace unos días en la Sala Beckett). En Los de ahí el espacio vacío es un lugar desolado, una espalda del mundo tras esa montaña que oculta y protege. Un sitio en el que la penuria, además de miedos, hace crecer los afectos entre los personajes y quizá la compasión en nosotros. La obra tiene una aspereza y una parsimonia exigente, pero el texto es radicalmente tolcachiriano. Lo es en el lenguaje como protagonista desnortado, en el escenario como cobijo de la intemperie y en los afectos como urdimbre tácita que ojalá ponga a salvo a los personajes. Son algunos de los elementos conmovedores que, de un  modo u otro, estaban presentes en obras como La omisión de la familia Coleman,  Emilia, Tercer cuerpo, Dínamo o Próximo. Así que Claudio Tolcachir, además del demiurgo de Timbre 4, es un autor extraordinario. Por lo demás, desde que lo tenemos en España también disfrutamos de su maestría dirigiendo textos ajenos como Tierra de fuego, Copenhague, La máquina de Turing o Las guerras de nuestros antepasados. Así que ha sido un gustazo que haya vuelto al Palacio Valdés para estrenar esta magnífica obra. Si no llevo mal la cuenta, este es su quinto estreno en nuestro teatro. Y ya estamos pendientes del próximo.

(pre)Dossier

Del fandom al troleig. Una sàtira del bla bla bla

autoría y dirección: Berta Prieto.
una producción de la Sala Beckett.
con Belén Barenys, Roser Dresaire, Judit Martín, Irene Moray y Laura Roig.

6 de diciembre de 2024. Sala Beckett, Barcelona. 100' aprox. (catalán)

Paula Miró decide abandonar el ideal de perfección que de niña le inculcó su madre y la presión creativa a la que ahora la somete su editora. La decisión está tomada. Quiere perder cuanto antes su lucidez cultural y transitar de una vez hacia la estupidez total. Para conseguirlo se inyectara bótox en el cerebro.

Venimos por primera vez a la magnífica Sala Beckett, de la que tantas referencias tenía, y en la que, en cierto modo, ya había estado viendo El zoo, la interesante película que hizo aquí Gemma Blasco. Estamos en la sala de abajo, con dos gradas enfrentadas y en el medio cinco actrices que derrochan cualidades en esta obra meta y autorreflexiva. Del fandom al troleig está escrita en clave de género (femenino plural) y también generacional (jóvenes culturetas que se alimentan en sitios como Filmin, el CCCB o la propia Sala Beckett). El texto de Berta Prieto es magnífico, divertidísimo y tan sutil que hasta ironiza sobre la sobredosis de extraescolares aspiracionales de las tardes infantiles. Su aguda perspectiva rebelde tiene más que ver con la lucidez crítica de Remedios Zafra (desde El entusiasmo hasta El informe) que con la nostalgia rojiparda de Ana Iris Simón (desde la Feria pretérita hasta los críos de ahora). De modo que Del fandom al troleig, además de tronchante, es una propuesta escénica de gran calado y (buenísima) mala intención en el uso de las imágenes, en las formas de hablar de los personajes, en las caracterizaciones y hasta en los desnudos. Es una gozada teatral que se disfruta aún más en una sala llena de un público bastante más joven que nosotros (algo que da mucha envidia viniendo de Asturias). El magnífico trabajo de Belén Barenys, Roser Dresaire, Judit Martín, Irene Moray, Laura Roig y, por supuesto, de Berta Prieto, me ha recordado al de Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez (las de Teatro en Vilo) en obras tan estupendas como Generación Why, Man Up y Hoy puede ser mi gran noche. Así que no ha podido ser mejor esta primera visita a la Beckett en nuestra ya clásica escapada de diciembre a Barcelona. Por lo demás, al menos en comprensión oral, está claro que en catalán estamos por encima del B2 y con tendencias aspiracionales hacia el C1. En cuanto al ruso, creo que estábamos a la altura de los catalanes con los que compartíamos grada. Todos nos hemos reído mucho con el discurso en esa lengua sin haber entendido nada de nada.

Programa de mano

Una

Basada en la obra de Luigi Pirandello Uno, ninguno y cien mil. Dramaturgia y dirección: Giampaolo Sama.
T4 Producciones Teatrales.
con Miriam Odorico.

29 de noviembre de 2024. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Angélica no había reparado en que tiene un poco torcida la nariz. Ella no lo ve, pero los demás seguramente sí. De ese modo se va dando cuenta de que no es posible verse desde fuera. De que una no es una, sino otras distintas para los demás. De hecho, para su marido es Gengé, para los del pueblo es Moscarda, la usurera, y para los del banco será la loca que quiere dejar todo eso atrás.

¿Somos un cuerpo o tenemos un cuerpo? Al poco de empezar la obra, me acordé de esa pregunta de reflexión que planteamos en las clases de Historia de la Filosofía. Y también del artículo sobre la identidad y la inteligencia artificial que hoy publica Juan José Millás en El País. Pero esta joya de Miriam Odorico y Giampaolo Sama no es solo un monólogo con derivas filosóficas. Es una obra unipersonal con múltiples personajes sobre la relación entre uno y los otros. O, mejor dicho, entre una y los otros. La una es ella, Miriam Odorico, capaz de encarnar a Angélica (esa una que descubre que no lo es) y también a ellos. Al marido, al padre, a los del banco, a Aldo y a Monseñor. Y es que al ser femenino el punto de vista, esta magnífica reflexión socioepistémica se convierte también en un revelador retrato en negativo sobre la degeneración de la mirada cuando el género es el de esa masculinidad bronca del "es lo que hay". Pero Una es también una prueba del carácter especular del propio dispositivo teatral. De la capacidad de una persona que interpreta a un personaje para ponerse la máscara y desenmascarar lo que no nos atrevemos a mirar ("tengo la conciencia tranquila y con esto me alcanza"). El título no puede ser más oportuno porque una, en nuestra lengua, es a la vez única y cualquiera. En cierto modo,  Luigi Pirandello y Giampaolo Sama (su libro es estupendo) impugnan la idea de que la identidad sea lo uno o lo otro. Porque a Angélica le pasa lo mismo que a todos, pero la que no es intercambiable es Miriam Odorico (la madre en La omisión de la familia Coleman) que hace aquí un trabajo inigualable. Con solo esa silla que nos llega de la calle Boedo esquina con México, consigue ponernos ante el espejo en que su personaje se está buscando, mientras nosotros lo miramos y la admiramos. Así que nuestro off se ha vuelto esta noche deliciosamente porteño y nos ha recordado aquellos días confinados en que nos asomábamos a la ventana abierta de Timbre 4. O aquella otra noche del 12 de octubre de hace once años en que Denise Despeyroux y Fernanda Orazi inauguraron esta sala con  La realidad. 

Dossier

Los lunes al sol

Autoría: Fernando León de Aranoa e Ignacio del Moral. Adaptación de Ignacio del Moral y Javier Hernández Simón. Dirección: Javier Hernández Simón.
Una producción de: GG Producción escénica, Saga Producciones, Teatro del Nómada y AJ Claqué.
con Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez y Lidia Navarro.

22 de noviembre de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 100' aprox.

Tras el cierre de la Naval, los antiguos compañeros siguen bromeando y compartiendo sus penas en el bar del amigo. El líder del grupo es Santa, un tipo grande y tozudo que tiene muy claro que lo más importante es la dignidad.

Venía con muy pocas expectativas. La película de León de Aranoa y el Santa de Javier Bardem parecían hacer peor que redundante la pretensión de llevar a las tablas aquella conmovedora historia. Pero nada más comenzar me doy cuenta de que lo que veo es magnífico. Sin amplificación, con un escenario opresivo (ese reloj al revés, esas chapas que parecen espejos oxidados...) y con un trabajo superlativo de estos ocho intérpretes afinadísimos me ocurre algo extraordinario. No me olvido de las escenas de la película. Al contrario, al evocarlas no hay comparación sino multiplicación en los sentimientos que me provoca el recuerdo de la historia filmada y la contemplación de lo que ahora veo representado. Fernando Cayo no es Javier Bardem. No es mejor ni peor que él. Ambos son el mismo Santa que acoge a sus compañeros y nos interpela a todos sobre las cosas que importan. Por ejemplo, sobre cosas como las que estamos viviendo en esos espacios (pseudo)laborales en que los afiliados de un sindicato de clase no saben (ni quieren que se sepa) quiénes de sus compañeros están afiliados al mismo que ellos. El ensimismamiento neoliberal del yo, mi, me, conmigo, se ha hecho fuerte en las cabezas atomizadas que parecen refractarias a los viejos valores de la fraternidad y la esperanza. Así que, contra lo que pensaba cuando entré al Palacio Valdés esta tarde de viernes, Los lunes al sol son más necesarios que nunca. Para disfrutar con el buen teatro y el buen hacer de los teatreros. Y para dar que pensar a quienes en el patio de butacas quizá hayan olvidado esa dignidad mayúscula que tiene siempre el trabajo. Y que deberían defender los trabajadores.

Altsasu

Dramaturgia y dirección: María Goiricelaya.
una producción del La Dramática Errante.
con Aitor Borobia
, Nagore González, 
Ane Pikaza
 y Egoitz Sánchez.

15 de noviembre de 2024. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 90’ aprox.

En una noche de octubre de 2016 hay un incidente en el Koxka, un bar de Altsasu. Dos guardias civiles y sus novias son reconocidos por jóvenes hostiles a la presencia del cuerpo allí. El de uno de ellos resultará dañado y dos de los jóvenes serán acusados de terrorismo y acabarán en la cárcel por unas sentencias hostiles y desmesuradas.

En el abono de este año tenemos fila 6 en el Palacio Valdés y fila 4 en el Niemeyer. Así que no podemos estar mejor situados en esta primera función de la temporada aquí. La obra es otra joya de ese género emergente del teatro documental en el que autores como Jordi Casanovas han creado textos tan magníficos como Ruz-Bárcenas, Port Arthur, o Jauría. Altsasu es un retrato detallado de aquellos hechos, de su contexto y consecuencias, desde los puntos de vista de quienes participaron en ellos (o quizá no). Lo cierto es que un guardia civil resultó con un tobillo roto y dos jóvenes con sus vidas fracturadas por el peso de la ley (y por la voluntad de quienes la administran). La puesta en escena es sencilla y, con apenas unos tuburetes, Aitor Borobia, Nagore González, Ane Pikaza y Egoitz Sánchez consiguen apropiarse, en un trabajo conjuntadísimo, de la gestualidad, la postura y la compostura de decenas de personajes. Así, en un escenario casi vacío, parece que hubiéramos asistido a lo que pasó en un bar, en una calle o en una plaza de Altsasu, en un tribunal de orden público, en una cárcel de Madrid y también a lo que les pasa a esos familiares que tienen que viajar cientos de kilómetros para ver a sus seres queridos. Aunque el tema fuera otro y la historia fuera de ficción, Altsasu ya sería teatro trepidante y fascinante. Pero, como documento sobre algunas heridas de esta España nuestra, es una propuesta necesaria para poner en su sitio a unas fuerzas del orden (consideradas por defecto beneméritas) que se sienten protegidas (también por defecto) por un tercer poder que a veces es más parte que juez. Lo explica magníficamente  Joaquín Urías en su libro La justicia en el banquillo. Por ejemplo, en el tercer capítulo.

Programa de mano
Dossier

Caminando con Antonio Machado

Dramaturgia, dirección e interpretación: José Sacristán. Poemas: Antonio Machado.
Producción ejecutiva: Amparo Pascual.
con José Sacristán y Aurora Martínez Piqué (violoncello).

9 de noviembre de 2024. Teatro Palacio Valdés, IV Festival de Jazz y Poesía Fifty Fifty de Avilés. 70' aprox.

De “Los días azules” a “El sol de la infancia”. Ese es el subtítulo de esta conmovedora maravilla que nos ofrece José Sacristán (con Aurora Martínez Piqué) evocando la figura y las palabras de Antonio Machado.

Caminando con Antonio Machado nos llega, fuera del abono de teatro, en  la cuarta edición del magnífico festival Fifty-Fifty, sobre poesía y jazz, que nos permitió disfrutar ayer en la Casa de la Cultura del estupendo concierto de Lakecia Benjamin y que cerraremos mañana en la Factoría Cultural con el de Yuvisney Aguilar y The Cubintage. Hace pocos días que hemos visto a José Sacristán haciendo de juez en Escape, la magnífica película de Rodrigo Cortés, y hace bien poco las palabras de Machado también estaban presentes en las actividades que organizó la FPA con motivo del premio Princesa de Asturias de las Artes que ha recibido Joan Manuel Serrat. Así que no podía ser más pertinente la ceremonia de esta tarde en que nada menos que José Sacristán nos ha regalado este recital de poesía viva que ha comenzado (no arrancado) con ese entrañable poema de Soledades, II del que últimamente tengo tantos motivos para citar una y otra vez ese verso certero sobre la maldad: "mala gente que camina y va apestando la tierra". En el bolsillo de su abrigo en Colliure quedaron aquellas dulces palabras: "Estos días azules / Este sol de la infancia" que también son evocadas en el emocionante documental Antonio Machado. Los días azules, de Laura Hojman. La voz, el gesto, y los silencios de don José Sacristán son un verdadero sortilegio para que, con su abrigo, su bastón y su sombrero sintamos esta tarde la intensa presencia de don Antonio Machado, el poeta de los caminos, el de la primavera en un olmo, el del llanto por Lorca con mi Granada, su Granada, nuestra Granada... Pocas tardes tan memorables como esta. Pocas veces tantos aplausos con todo el público puesto en pie para agradecer como se merece la visita al  Palació Valdés de don Antonio Machado en la voz de don José Sacristán.

Variaciones sobre un tema dado

Espectáculo teatral basado en el libro de poemas Variaciones sobre un tema dado, de Ana Blandiana. Dirección: Luis Alija
Producción: Fundación Princesa de Asturias
con Carmen Gloria, Cristina Lorenzo y Paula Mata.

20 de octubre de 2024. Fábrica de Armas de la Vega, Oviedo. 55’ aprox.

El duelo por la muerte del ser amado a tres voces femeninas 

El duelo. El amor. El ser y el no ser. El tiempo y sus quiebros. Los recuerdos y las preguntas. La añoranza y la desesperanza. De eso tratan las palabras elegíacas de Ana Blandiana que esta noche se han convertido en un espectáculo escénico depuradísimo y conmovedor. Con solo con unas sillas y unas columnas especulares movidas por tres mujeres de negro se crea la atmósfera perfecta para  traslación escénica de un discurso poético de gran hondura existencial. En él resuena tanto Parménides como el Génesis, haciendo que Versiones sobre un tema dado sea una experiencia escénica de gran altura poética y la mayor calidad escénica. Y todo ello gracias al magnífico trabajo de estas tres magas de la contención, el ritmo y la dicción intemporal que son Carmen Gloria, Cristina Lorenzo y Paula Mata. Así que, tras el estupendo concierto íntimo sobre canciones de Serrat que nos acaban de ofrecer Rita Ojanguren y Marco Martínez, este domingo termina con esta magnífica experiencia poética y teatral. Cosas que tiene estar en Asturias en octubre y poder disfrutar de la excelencia superlativa  que nos regala estos días (mejor dicho, estas semanas) la FPA.

Forever

Creado por: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki Rikarte y Edu Cárcamo. Máscaras: Garbiñe Insausti. Dirección: Iñaki Rikarte.
Una producción de: Kulunka Teatro en co-producción con el Centro Dramático Nacional (CDN), Teatro Victoria Eugenia de Donosti y Teatro Arriaga de Bilbao.

19 de octubre de 2024. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 105' aprox.

Una pareja enamorada quiere tener un hijo. Y lo tiene, pero no será como esperan. Y ahí empieza una debacle familiar de ilusiones truncadas y convivencia imposible.

"El deseo al cuadrado es amor y el amor al cuadrado es locura. / La locura al cuadrado es matrimonio". El fragmento es de Anne Carson y con él comienza hoy Leila Guerriero su columna en El País. Aunque también podría ser una buena síntesis de esta obra pesimista y melancólica que parece considerar que la familia feliz es solo un oxímoron. Un escenario giratorio con espacios domésticos desangelados, la expresividad silente de unas máscaras y el magnífico trabajo gestual de los tres intérpretes son los mimbres con que le sacan en máximo partido a esa técnica tan depurada con que hace diez años nos cautivaron en André y Dorine y volvieron demostrar su virtuosismo hace cinco con Solitudes. Su trabajo está en la senda de creaciones tan singulares como las de Familie Flöz que pronto cumplirá treinta años y de quienes pudimos ver Hotel Paradiso en el Lliure de Gracia. Así que la sorpresa ante este teatro gestual, en el que la contención es máxima y la intención también, ya no es tanta como cuando descubrimos su primera joya en el Valey.

La gran cacería

de Juan Mayorga. Dirección: Luz Arcas.
Producción: Teatro del Barrio y Fundación Princesa de Asturias
con Juan Mayorga y Luz Arcas.

16 de octubre de 2024. Fábrica de Armas de la Vega, Oviedo. 80’ aprox.

Al parecer Goethe no visitó la catedral de Monreale cuando estuvo en Sicilia. Se perdió los mosaicos de los animales del arca de Noé, pero Juan sí los vio y, mientras regresaba insomne al continente  a bordo de un barco, no podía dejar de pensar en ellos. Ni tampoco en otro barco con animales que vio en los mosaicos de la villa romana de Casale en Piazza Armerina. Barcos que llevan animales que se salvarán del diluvio, barcos que llevan animales para morir en el corazón del imperio y barcos en los que se hacen simulacros de emergencia en ese Mediterráneo que es sepultara para quienes quieren llegar a Europa.

La gran cacería también podría tener resonancias de el Grand Tour. Goethe y el insomne actual parecen viajar sin más intención que dejarse mojar por el pasado, como aquellos turistas de las élites europeas en tiempos barrocos pretendidamente ilustrados. Hoy Juan Mayorga ha vuelto a Oviedo para lo que parecía que iba a ser una lectura. Pero a los pocos segundos ha tirado los papeles y se ha convertido en ese viajero actual que piensa en animales y barcos mientras viaja insomne en el vientre de otro. Como en todos sus textos, hay pensamiento, poesía, emoción e intención en esta gran cacería que parte de imágenes resonantes en medio de las cuales también está la dialéctica de un amo y un esclavo mediterráneos. Así que La gran cacería es una gozada apasionada para el alma. Con solo un cuerpo, con solo una silla, con sus palabras sincopadas y madrileñas y con sus pretéritos perfectos e intemporales, Juan es más clásico y más Mayorga que nunca. Le acompaña Luz Arcas que tras, el silencio de las palabras, hace que nos hable otro cuerpo sincopado. Y después de los aplausos los dos se sientan y responden a nuestras preguntas. Y mientras lo hacen multiplican las evocaciones de un texto que se encarna en un autor que quiere ser más acto que potencia en esta antilectura poética que trata de animales, de barcos, de la belleza y de la violencia.  

Programa de mano

La torre

Texto: Pedro Calderón de la Barca. Texto adicional: Luis Guridi. Idea Original: Ángeles Vázquez. Dirección: Ángeles Vázquez y Antonio Moreno.
Producción: Albadulaker.
con Luis Valle.

22 de agosto de 2024. Espacio AFECIR. 27 Feria de Teatro de Castilla y León, Ciudad Rodrigo. 60’ aprox. 

Seg es un lince de la inteligencia artificial que ha creado La Torre, un ser digital con las maneras de Hal. A Seg le fascina el personaje de Segismundo con el que comparte ensoñaciones y encierros. Así que al final tendrá que vérselas con La Torre.

En el escenario un trapecio circense y, a veces, una cortina cilíndrica en la que se proyectan digitalismos. Hay tres hilos en esta historia: el calderoniano, el algorítmico y el circense. Pero se trenzan malamente. El peor es, sin duda, el digital. De hecho, esta torre recuerda demasiado al ordenador de la nave de Kubrick (y ya han pasado casi sesenta años). El trabajo de Luis Valle es bastante digno, sobre todo en los momentos de equilibrismos, pero no consigue que la cosa acabe de cuajar. No importa. En una tarde en que hemos visto un espectáculo magnífico y otro más que superlativo no era nada fácil que ninguna torre estuviera a la altura.

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