En tierra extraña

Idea original de José María Cámara y Juan Carlos Rubio. Libreto y dirección: Juan Carlos Rubio
Una coproducción de SOM Produce y Teatro Español.
con Diana Navarro, Alejandro Vera y Avelino Piedad.

24 de febrero de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 95’ aprox.

El 12 de julio de 1936 Concha Piquer está en un teatro madrileño ensayando coplas con Rafael de León. Él le ha concertado una cita con Lorca porque ella quiere pedirle que le escriba una canción.

La primera parte no tiene duende pero sí mucha gracia. Seguramente había bastante sintonía entre Concha Piquer y Rafael de León y aquí también la hay entre Diana Navarro y Avelino Piedad. Los dos están bien cuando ella canta y muy bien cuando él apostilla y ella retala. Con su voz poderosa Diana Navarro va haciendo un repaso musical que a mi me trae a la memoria las coplas que mi madre cantaba como nadie cuando yo aún no iba a la escuela. La función es más musical que teatral pero hasta ahí avanza gratamente. Es cuando llega el personaje de Federico cuando se notan las costuras de ese encuentro no documentado e improbable. Y no porque Alejandro Vera haga nada mal sino por las confianzas que el personaje de Concha Piquer se toma con el de Lorca. Especialmente en ese intercambio de opiniones sobre la situación política de España en un día tan señalado como ese. Nada hay que reprocharle a ella pero mucho menos al poeta que pocas semanas después sería asesinado. Y es que no caben especulaciones sobre el contraste entre la prudencia política de la valenciana frente a la pretendida inconsciencia y exceso de compromiso del granadino. Tampoco es de recibo que algún espectador pueda salir creyendo que Ay voz secreta, el poema que Diana Navarro canta como cierre del espectáculo, pudo ser escrito por Lorca para Concha Piquer cuando es uno de los Sonetos del amor oscuro que estuvieron casi medio siglo perdidos y que publicó el ABC hace ahora casi cuarenta años. Cuando se cumplían cincuenta de la muerte del poeta, Amancio Prada les puso música maravillosa y algunos pudimos disfrutar de aquellos inolvidables conciertos que dio en el María Guerrero acompañado por Pedro Iturralde y Agustín Serrano. Aquellos sonetos, que iban dedicados a quien había de morir justo en el día en que hacía un año del asesinato de Lorca, no merecen que alguien pueda creer ahora que Ay voz secreta fue escrito a mayor gloria de Concha Piquer (y vicariamente de Diana Navarro). Son cosas que pasan en este trimestre en que la programación escénica del Palacio Valdés se ha vuelto más musical que teatrera.

Programa de mano

Gris de ausencia / El acompañamiento

Autores: Roberto "Tito" Cossa y Carlos Gorostiza. Dramaturgia y dirección: Miguel G. Expósito.
Teatro Estudio de Gijón.
con Filiberto Blanco, Mariano Alfonso, Ana Pérez, Martina Bueno y Manuel Pizarro.

22 de febrero de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 35’/50’ aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

En Gris de ausencia una familia de emigrantes italianos en Buenos Aires está de vuelta en Roma. En realidad no están allí todos porque los nietos han seguido la tradición de emigrar y al abuelo se le está yendo la cabeza y mezcla las dos ciudades.  El acompañamiento musical es lo que Tuco espera que le llegue para poder triunfar cantando tangos. Pero quien viene a su casa es Sebastián, un viejo amigo que quiere sacarle de su loco ensimismamiento. Los dos compartieron hace muchos años ilusiones juveniles que nunca llegaron a realizarse.

La nostalgia, el dolor por lo perdido, la melancolía, el peso del paso del tiempo... Eso es quizá lo que tienen en común estas dos piezas. En la primera obra se explora el extrañamiento inevitable de quienes se vieron obligados a echar raíces en dos territorios y a no dejar nunca de sentirse forasteros en cada uno de ellos y añorar siempre al otro. En la segunda lo que se extraña son los sueños de otros tiempos cuando por fin se sabe que ya no queda tiempo. Los textos de Tito Cossa y Carlos Gorostiza son pues melancólicos y conmovedores. Así que requieren puestas en escena sobrias e intérpretes con carácter. Y Miguel G. Expósito, Filiberto Blanco, Mariano Alfonso, Ana Pérez, Martina Bueno y Manuel Pizarro han estado a la altura de esas exigencias. Especialmente Manuel Pizarro y Mariano Alfonso que están espléndidos en El acompañamiento, un impresionante retrato de la tristeza que se siente al descubrir que no es el tiempo el que pasa sino nosotros. El fado Vida vivida de Argentina Santos (que Carlos Saura incluyó en su película) define y destila muy bien en qué consiste esa saudade: "Meu deus, como o tempo passa / Dizemos de quando em quando / Afinal, o tempo fica / A gente é que vai passando".

Programa de mano 

Los pálidos

Escrita y dirigida por Lucía Carballal
Una producción del Centro Dramático Nacional.
con Israel Elejalde, Miki Esparbé, Natalia Huarte, Manuela Paso y Alba Planas.

19 de febrero de 2023. Teatro Valle-Inclán (sala Francisco  Nieva), Madrid. 95’ aprox.

En el último episodio de Las hijas del Voleibol la capitana del equipo anuncia que va a ser madre. Ese desenlace ha sentado muy mal y en las redes son muchas las espectadoras que lo consideran sexista. Los guionistas de la serie tienen ahora el reto de que la segunda temporada recupere el interés de unas adolescentes que veían en esas deportistas un ejemplo de chicas liberadas con mucho mérito. Jacobo, el creador de la serie y el que se empeñó en cerrar así el último capítulo, le pide a María que se incorpore al equipo de guionistas para aportar una nueva perspectiva a la historia. Ella le daba clases a su hija y es una joven comprometida que ha dejado el mundo del teatro.

A la calidad como autora que había demostrado en Una vida americana, La resistencia o La actriz y la incertidumbre, Lucía Carballal une ahora un trabajo excelente como directora de esta espléndida obra en la que se combinan historias sentimentales, conflictos generacionales, perspectivas de género, confrontaciones ideológicas y una aguda reflexión con muchas capas sobre la escritura y la ficción en estos tiempos enredados. En Los pálidos hay también idas y vueltas sobre las relaciones de poder entre las edades y los sexos dentro y fuera de los entornos profesionales. Lucía Carballal entra a fondo en esos temas con un magnífico juego de espejos que neutraliza los lugares comunes a fuerza de confrontarlos con la manera en que son percibidos por sus contrarios. Eso provoca sonrisas en muchos momentos porque lo que se dicen (y nos dicen) los personajes es también lo que se dice (y nos decimos) fuera del teatro. Pero con la diferencia de que Los pálidos nos propone una reflexión nada superficial sobre las cuestiones de género. Lucía Carballal consigue además superar por igual lo políticamente correcto y las letanías contra ello. En Los pálidos no hay, por tanto, neutralidad aséptica ni militancia obvia. Hay, más bien, mucho compromiso ético y estético con cosas tan importantes como la creación de las historias y la reflexión sobre las vidas. Sobre lo primero el trabajo de Lucía Carballal tiene cierto parentesco con el de Pablo Remón. De hecho, Los pálidos podría componer un hermoso díptico con El tratamiento. Y sobre lo segundo, lo que aquí se muestra tiene la fuerza de las interacciones bilaterales entre los personajes que Pascal Rambert propone en obras como La Clausura del amor o Ensayo. En ellas Israel Elejalde también participaba en duelos arquetípicos desde una masculinidad cuestionada. Algo que hace como nadie porque sabe llevar al límite los desafíos emocionales.

El proceso

Basada en la novela de Franz Kafka con dramaturgia y dirección de Ernesto Caballero
una coproducción del Centro Dramático Nacional y Lantia Escénica.
con Felipe Ansola, Olivia Baglivi, Jorge Basanta, Carlos Hipólito, Alberto Jiménez, Paco Ochoa, Ainhoa Santamaría y Juan Carlos Talavera.

18 de febrero de 2023. Teatro María Guerrero, Madrid. 95’ aprox..
7 de octubre de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés.

Cuando Josef K. se despierta dos desconocidos ya están allí. Han venido para comunicarle que se ha abierto un proceso contra él del que no podrá escapar. Él se sabe inocente y pone todo su empeño en demostrarlo, pero no lo conseguirá.

Opresiva y hermética como el lenguaje judicial o los textos del Antiguo Testamento. Así es la versión escénica de Ernesto Caballero sobre la novela de Kafka. Lo esencial de ella está en esta obra de texto impecable y puesta en escena sumamente eficaz para recordarnos que, convertido ya en adjetivo, Kafka sigue estando vigente para desvelar la burocracia tácita de estos tiempos anmésicos. La incertidumbre impune de la teología judicial queda patente en las estampas religiosas que se congelan en esta obra inquietante sobre el destino de un hombre sin atributos ni predicamento.

El mar

Texto y Dirección:  Xavier Bobés y Alberto Conejero.
Una producción de Teatre Nacional de Catalunya y Xavier Bobés.
con Xavier Bobés y Sergi Torrecilla.

17 de febrero de 2023. Teatro de La Abadía, Madrid. 65’ aprox.

Antoni Benaiges fue un apasionado maestro republicano. Seguidor de Freinet, estuvo dos años en Bañuelos de Bureba, un pequeño pueblo de Burgos. Allí enseñó a los niños a disfrutar con los placeres de la escritura y los prodigios de la imprenta. Un tema, un cuadernillo y mucha ilusión permitían que los niños se convirtieran en autores, editores y difusores de sus textos. Preparando uno de ellos, Benaiges supo que ninguno de sus alumnos había visto el mar. Así que les prometió que, cuando acabaran las clases, les llevaría a conocerlo. Pero el 18 de julio de aquel verano cambió todo y pocos días después el maestro Benaiges fue asesinado.

Teatro documental de valor incalculable. Un texto de Alberto Conejero que, con el mayor aliento poético, nos hace cómplices de aquel maestro. Una interpretación a dos voces llena de realismo y emoción. Y una puesta en escena extraordinaria a dos escalas: la de un aula republicana en la que las mesas siempre se están moviendo y la del mejor teatro de objetos en el que dos actores manejan con precisión infinitas cosas para que la pantalla pueda evocar mucho más que la pizarra de aquel aula. Eso ya justificaría esta obra bellísima de factura impecable (aún más precisa y poética que las de la Agrupación Señor Serrano). Pero El mar es, además, un poema pedagógico y escénico que forma parte de un proyecto múltiple (una novela, un libro de investigación, una película y un cómic) que nació en 2010 al pie de una fosa. La  que se estaba abriendo cuando un anciano recordó que allí estaba enterrado el maestro Banaiges y empezó a contar su historia. El coloquio que siguió a la representación fue un alegato coral contra el olvido. Así pudimos conocer los detalles de este proyecto y escuchar a personas del público que recordaron la carta de Camus a su maestro, el libro de Alejandro Tiana sobre las Misiones Pedagógicas o los nombres de algunos otros maestros republicanos. Esta misma mañana he enviado a Cuadernos de Pedagogía el artículo de se publicará la semana próxima. En él critico hábitos y prácticas docentes que están en las antípodas de la escuela republicana. Así que, en estos tiempos de sonambulismo tecnológico, resulta reparador que el teatro reviva el legado del maestro Benaiges.

Programa de mano 

Versión

Dirección, autoría y producción: Toni Agustí.
con Toni Agustí y Lara Salvador.

11 de febrero de 2023. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Una actriz y un actor entran en la sala de ensayos. Él va a dirigir y los dos van a interpretar la adaptación de una novela sobre una historia terrible: la de una madre que ha matado a sus dos bebés. Vemos como leen, comentan, improvisan y discuten sobre el proyecto. Y mientras lo hacen asistimos a la construcción de esa obra. Y a la de esta.

Una mesa, dos sillas y dos estupendos intérpretes. Nada más se necesita para esta reflexión prodigiosa sobre el proceso de creación escénica en presente continuo. A cuerpo limpio, sin cambios de decorado y sin efectos especiales. Todo fiado a la naturalidad del gesto y la palabra. Explorando y desvelando la emergencia del texto teatral, su relación con la vida y con la otras literaturas. Añadiendo capas a los subtextos y metatextos de la ficción y dejándonos espacio para reflexionar sobre la autoría, los personajes y las máscaras, el ensayo y la repetición o la transparencia de la cuarta pared. Y, en fuera de campo, el gremio, el público y la crítica alentando o desalentando la gestación de los proyectos. Hiperteatro en estado puro. Un hombre, una mujer y un espacio vacío. Una versión perfecta de los motivos para hacer y amar el teatro. Una comunión fascinante con su esencia, con ese lugar desde el que se mira y en el que se curten las miradas.

Malos tiempos para la lírica

Dramaturgia: Albert Boadella y Martina Cabanas.
Una producción de Klemark y Teatros del Canal.
con María Rey-Joly y Antonio Comas.

10 de febrero de 2023. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90’ aprox. Estreno absoluto.

Susan King vuelve a encontrarse con el maestro que la inició en la música cuando era Susana Rey. Ella es una cantante de moda en la cumbre del éxito internacional y él es un cascarrabias que vive recluido en un geriátrico distópico con la única compañía de Pilar, una especie de Sirialexia que le atiende y le regaña. Susan ha perdido la voz y quiere recuperarla con la ayuda de la memoria zarzuelera del maestro de Susana. 

Qué lejos queda aquella gratísima y trepidante experiencia escénica y musical de El Pimiento Verdi. Y qué poco favor le hace Albert Boadella a la reivindicación de nuestro género lírico. Nada que ver con la labor que se está haciendo desde el Teatro de la Zarzuela con el proyecto Zarza que hace un año traía a este escenario El sobre verde y el próximo mes volverá con Yo te querré. Y es que Malos tiempos para la lírica no pretende tanto reivindicar la zarzuela como defender el orgullo testosterónico del macho ibérico, veterano y bronco, con una historia previsible a la que le sobra tiempo y también tópicos. De todo esto no tienen ninguna culpa María Rey-Joly ni Antonio Comas que hacen todo lo que pueden (con la voz y con el gesto) defendiendo unos personajes que la colocan a ella en el papel de boba y/o sumisa y a él en el de viejo casposo y huraño al que alguien ha caracterizado como si le tuviera manía a Rafael Sánchez Ferlosio.

Ladies Football Club

de Stefano Massini. Dirección: Sergio Peris-Mencheta. Adaptación: Sergio Peris-Mencheta y con la colaboración de Daniel Val. Traducción: Ignacio Rengel.
una producción de Barco Pirata con la coproducción de Teatros del Canal y Producciones Rokamboleskas.
con Noemi Arribas, Xenia Reguant/ Silvia Abascal, Ana Rayo, Maria Pascual, Nur Levi, Alicia González, Carla Hidalgo, Irene Maquieira, Andrea Guasch, Diana Palazón y Belén González.

3 de febrero de 2023. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 135’ aprox.

En 1917 los futbolistas ingleses estaban en el campo de batalla. Fue entonces cuando once mujeres que trabajaban en una fábrica de armas empezaron a jugar con una bola a la hora del bocadillo. La cosa cuajó y llegaron a disputar varios partidos con creciente éxito de público. Contra jugadores malísimos, contra adolescentes casi niños o contra un equipo de mujeres alemanas. Así que, también en femenino, el fútbol de hace un siglo parece que ya era trasunto de la guerra. 

Sergio Peris-Mencheta lo ha vuelto a hacer. Con otro texto de Stefano Massino ha vuelto a demostrar que un escenario se puede convertir en un veloz carrusel o una fábrica de armas en la que se aprende a jugar al fútbol. En Lehman Trilogy eran seis los actores/músicos que, a velocidades de vértigo, se convertían en muchas decenas de personajes para recrear en tres actos una parte de la genealogía del capitalismo americano. Aquí son once las actrices que, en otro prodigio de sincronía  y compenetración, nos muestran, de jóvenes y de ancianas, a once belicosas futboleras en tiempos de la Gran Guerra. El dispositivo es impecable, las interpretaciones están afinadísimas y el espectáculo, con un patio fabril al que le va perfecto el escenario del Niemeyer, es una delicia que tiene mucho de gran musical. Sin  embargo, lamento que tanto esfuerzo y tanto mérito, quizá con excusa (pseudo)feminista, se ponga al servicio de causas que no lo merecen: la reivindicación del futbolismo, la relativa banalización de la guerra y la permanente militancia anglófila. De todas formas, da igual. Aunque prefiero que Peris-Mencheta nos fascine dirigiendo obras de la mano de Lorca (Una noche sin luna), de Lope (Castelvines y Monteses) o retratando la historia del capitalismo americano (Lehman Trilogy), reconozco sus grandísimas virtudes en este delicioso artefacto anglofutbolero. Y, por supuesto, también el estupendo trabajo de estas once actrices magníficas que saben multiplicarse y combinarse en cada una de las escenas de esta obra tan radicalmente coral.

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