domingo, 23 de marzo de 2025

Sobre las hojas de hierba (Walt Whitman)

Dramaturgia: Walt Whitman. Dirección: Juan Diego Botto y Alejandro Pelayo.
Una producción de La Rota Producciones.
con Juan Diego Botto y Nur Levi.


23 de marzo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 55' aprox.

Al fondo, Alejandro Pelayo toca el piano. Delante, Juan Diego Botto y Nur Levi recitan los poemas. El primero y el último son en inglés, pero el conjunto parece la ceremonia de una religión panteísta y humanista. Una exaltación conmovedora de la vida y una reconciliación maravillada con la naturaleza.
 
El viernes, 14.4 en el auditorio Niemeyer. Ayer un encuentro con Juan Diego Botto en el mismo escenario. Y hoy los poemas de Whitman en el Palacio Valdés. Una programación así no suma momentos de felicidad. Los multiplica. Sobre todo, con tan buena gente como la que hemos tenido este fin de semana en Avilés. Suelo decir que la poesía es intraducible, pero esta noche me ha parecido que Whitman ha hablado siempre en mi lengua. O en todas las lenguas en las que sea posible decir praderas, llanto, flores, noche y conmover. Por eso pienso que se habría despertado feliz si aedos como Juan Diego Botto y Nur levi le recitaran estas otras:
 
                                    Duerme: no queda nada.
                                    Una danza de muros agita las praderas
                                    y América se anega de máquinas y llanto.
                                    Quiero que el aire fuerte de la noche más honda
                                    quite flores y letras del arco donde duermes,
                                    y un niño negro anuncie a los blancos del oro
                                    la llegada del reino de la espiga.
 

viernes, 21 de marzo de 2025

14.4

Dramaturgia: Juan Diego Botto, Sergio Peris-Mencheta y Ahmed Younoussi. Dirección: Sergio Peris-Mencheta
Una coproducción de Barco Pirata y Teatro Español.
Con Ahmed Younoussi.


21 de marzo de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100 aprox.

Ahmed nos lo cuenta desde el principio. Desde los cinturonazos de su padre en Ksar-el-Kébir hasta su formación como actor de la mano de Cristina Rota. En medio, asistimos al deambular de aquel niño silvestre por los arrabales de Tánger o de Ceuta, a sus siete intentos por llegar a la Península y a la bondad de quienes le acogieron cuando lo logró.
 
Una historia verdadera y una verdadera historia. Con una verdad que conmueve mucho más que cualquier verosimilitud. Ahmed Younoussi relata, evoca y reflexiona en primera persona sobre su vida. La misma que la de tantos nadies que se la juegan, y muchos la pierden, en el Mediterráneo y en el Atlántico. Porque 14.4 es mucho más que teatro edificante (ese que deberían ver tantos diputados y presidentes autonómicos que ignoran el pasado, desprecian el presente y juegan con el futuro de miles de niños en Canarias). Es también teatro perfecto que comienza con un estupendo engaño (Juan Diego Botto también nos engañó al comienzo de su extraordinaria Una noche sin luna), destila vitalidad y sabe combinar de manera impecable el lirismo conmovedor y la fuerza arrebatadora de un niño de la calle. La historia es íntima y personal porque Ahmed Younoussi interpreta, en todos los sentidos, lo vivido. Pero también es universal, y por tanto política, porque señala la textura de este mundo obscenamente injusto que hace invisibles a los desheredados y mantiene ciegos a esos que piensan que sus derechos proceden de sus raíces, sin darse cuenta de que acabarán habitando un tronco seco y en su mitad podrido. Ahmed Younoussi, Juan Diego Botto y Sergio Peris-Mencheta forman una trinidad teatral perfecta. Ahmed Younoussi pone su cuerpo para encarnar admirablemente su vida, Juan Diego Botto pone palabras que sintonizan con la mirada encendida de un poeta en Nueva York y Sergio Peris-Mencheta pone el espacio, el tiempo y el movimiento creando imágenes evocadoras y disponiendo los resortes de los que Ahmed va rescatando ese afán por vivir que, desde su pueblo marroquí, le ha traído hasta aquí. Esta noche, en el abarrotado auditorio del Niemeyer todo el mundo ha entendido que, ante propuestas como esta, se aplaude mucho mejor de pie. Ojalá que ese aplauso tan intenso fuera contagioso, se escuchara fuera de los teatros y sacara de su ceguera a esos que cuando votan lo hacen contra la justicia, contra la belleza y hasta contra la compasión.
 

sábado, 15 de marzo de 2025

Yo soy 451

Autoría: Xavo Giménez a partir de la novela de Ray Bradbury Fahrenheit 451. Dirección: Xavo Giménez y María Cárdenas.
Producción: La Teta Calva.
con Xavo Giménez


15 de marzo de 2025. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Montag es un bombero que no sabe que los suyos antes apagaban los fuegos. Ahora se dedica a encenderlos donde hay libros, para que no se detenga esa felicidad paroxística que los demás disfrutan en presente continuo. Pero Montag siente, a veces, cierta extrañeza y hasta nostalgia de lo que no ha conocido. Sobre todo desde que, en la casa de una mujer que ha ardido con sus libros, él se ha guardado uno de ellos.
 
Ray Bradbury estaría encantado con lo que ha hecho La Teta Calva con su Fahrenheit 451. Con solo un barril y una iluminación impecable, Xavo Giménez hace que no perdamos prenda del fascinante soliloquio de este bombero que va sofocando su propia alienación. Sin ninguna impostura, con un texto memorable y con la fuerza contenida de su gesto y de su voz, consigue que nos sintamos en ese parque en que una mujer mira y sabe ver, en la casa en que su esposa quiere comprar una nueva pantalla para cerrar la cuarta pared, en esa otra casa, llena de libros, en la que otra mujer se incinera junto a ellos, o en el bosque en que se reúnen esos seres para los que los libros son ya memoria viva incorporada. Xavo Giménez ha estado antes en esta misma sala con obras tan magníficas como Sindrhomo y Espaldas de Plata. Así que ya somos intensamente adictos a sus magníficas propuestas y necesitamos que vuelva pronto por aquí.

viernes, 14 de marzo de 2025

El efecto

de Lucy Prebble. Dirección: Juan Carlos Fisher.
Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Alicia Borrachero, Fran Perea, Elena Rivera e Itzan Escamilla.


14 de marzo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90' aprox. Estreno absoluto.

Connie y Tristan aceptan participar durante varias semanas en un ensayo clínico. Vivirán en un entorno controlado y tomarán dosis crecientes de un fármaco experimental con posibles efectos emocionales. Al notar que se atraen se preguntarán si lo que les está pasando es realmente amor.
 
Un experimento con doble ciego. La expresión podría referirse a cualquier ensayo científico o a cualquier experiencia amorosa. O a las dos cosas a la vez, como en esta obra de Lucy Prebble en la que los sujetos experimentales son la pareja joven, pero quizá también esos investigadores que se pretenden a salvo de los daños del amor. Si este es causa o efecto, elixir o placebo, químico o etéreo, son algunos de los interrogantes que nos plantea esta experiencia teatral con escenas sincopadas en las que los sujetos experimentales van tomando las dosis prescritas de ese fármaco con efectos que pudieran ser indiscernibles de los de la azarosa sintonía del amor. La puesta en escena es eficaz para esbozar los perfiles borrosos de esa ciencia distópica. Por lo demás, las interpretaciones de los cuatro están muy bien ajustadas, especialmente en los escarceos y desavenencias entre Connie y Tristan, a quienes el texto da más juego y permite mucha más naturalidad.
 

sábado, 8 de marzo de 2025

El dilema del corcho

Texto: Patxo Tellería. Dirección: Mireia Gabilondo.
Producción: Tartean Teatroa.
con Ramón Barea y Patxo Tellería.


8 de marzo de 2025. Teatro Filarmónica, Oviedo. 90' aprox.

Como el corcho, un profesor veterano y progresista siempre ha salido a flote. Justificó y en cierto modo se implicó en actos de violencia política. Ahora tiene el dilema de ser coherente con sus ideas o aceptar un tratamiento que podría salvarle la vida a costa de renunciar a sus principios. La inesperada visita de un antiguo alumno le obligará a decidirse.
 
Hemos venido mucho al Filarmónica a ver cine, pero nunca habíamos visto teatro aquí. Así que no éramos conscientes de su mala acústica. O al menos de la que tiene cuando, como hoy, los actores renuncian a que se amplifique su voz (algo que siempre es de agradecer). Seguramente eso ha afectado a la impresión de una obra en la que Ramón Barea y Patxo Tellería están muy bien, pero no acaba de quedar claro el interés que puede tener ahora el cuestionamiento de la honestidad de algunos intelectuales que quizá no hayan merecido el buen trato que han recibido. Supongo que Patxo Tellería estará pensando en algunos profesores vascos que, como el de esta obra, habrán llegado a los setenta sin ninguna pena y con bastante más gloria de la que merecen. Pero me temo que en esta tarde de cuaresma en que Oviedo celebra su carnaval no se aprecian mucho las intenciones críticas de esta obra.
 

domingo, 2 de marzo de 2025

Los nuestros

texto y dirección: Lucía Carballal.
una producción del Centro Dramático Nacional y Teatre Nacional de Catalunya.
con Miki Esparbé, Marina Fantini, Mona Martínez, Manuela Paso, Ana Polvorosa, Gon Ramos, Alba Fernández Vargas / Vera Fernández Vargas y Asier Heras Toledano / Sergio Marañón Raigal.


2 de marzo de 2025. Teatro Valle-Inclán (Sala Grande), Madrid. 105' aprox.

La madre de Reina ha muerto. Ella era una sefardí que regresó de Marruecos y al pasar por Granada fue a la tumba de los Reyes Católicos para decirles "hemos vuelto". Reina ha reunido a la familia para pasar juntos el Avelut, el duelo de siete días para el que consigue reunir a su hijo Pablo y su pareja que viven en Londres, a su hermana Esther con sus hijos y a Tamar, una prima que ha vivido en Israel. Serán jornadas de reencuentros y desencuentros que dan mucho que pensar sobre las tradiciones. Y también sobre las grietas familiares. 
 
Entiendo lo que pretende Reina tratando de unir por unos días a esa familia y queriendo mantener vivo un legado de más de quinientos años. Las familias no son siempre cielos que nos elevan, pero todos quisiéramos sentirlas, al menos, como un suelo protector. De eso va, en cierto modo, esta obra que enfrenta el reto imposible de hilvanar los conflictos generacionales en pos de la libertad con los anhelos de mantener tradiciones insondables. En esto, Denisse Despeyroux acierta mucho más en Misericordia al tomarse con ironía los ritos judíos y trenzar de forma conmovedora los recuerdos infantiles, el exilio uruguayo y las cuitas de los teatreros. Creo que esta vez Lucía Carballal no ha alcanzado el tono cautivador que tenían otras obras suyas como Una vida americana, La resistencia o Los pálidos. En todo caso, la puesta en escena sorprende con ese gran espacio vacío, con frontón de objetos cotidianos, en torno al cual nos situamos los espectadores. Y, por supuesto, están muy bien los intérpretes, incluidos esos prodigiosos niños bailarines que nos maravillan en su momento musical.
 

sábado, 1 de marzo de 2025

Natacha

de Luisa Carnés. Adaptada y dirigida por: Laila Ripoll.
una producción del Teatro Español.
con Natalia Huarte, Jon Olivares, Pepa Pedroche, Fernando Soto, Isabel Ayúcar y Andrea Real.


1 de marzo de 2025. Teatro Español (Salón pequeña - Margarita Xirgu), Madrid. 110' aprox. 

Natalia lleva una vida triste y llena de penurias. Su padre está enfermo y el trabajo en una sombrerería no le alcanza para ayudar a su madre, una mujer buena que se está quedando sin recursos. Un muchacho del pueblo les ha alquilado un cuarto, pero ni siquiera con eso consiguen salir adelante. Aunque él tiene una novia allí, se enamora de Natalia, su Natacha. Sin embargo, tendrá que volver repentinamente al pueblo y las cosas cambiarán mucho para todos.
 
No he leído la novela de Luisa Carnés, pero en la versión escénica de Laila Ripoll tiene una intensidad y una finura en el retrato de los personajes que hacen cautivadoras estas casi dos horas de drama social y sentimental que es a la vez urbano y rural. La puesta en escena es sobria, con un especial cuidado en el vestuario y sus códigos cromáticos. Buenos mimbres para facilitar lo más importante: el trabajo sobresaliente de los intérpretes. Todos están afinadísimos, pero no puedo dejar de destacar la perfección emotiva y la verdad que Natalia Huarte aporta al personaje de Natacha. Ella es una actriz superlativa que nos había maravillado en trabajos tan inolvidables como el que hizo con Nao d'Amores en  Nise, la tragedia de Inés de Castro. Así que, con Cumpleaños, hoy hemos tenido un magnífico díptico sobre textos de Luisa Carnés en el Teatro Español. Una reivindicación necesaria casi en vísperas del 8 de marzo.
 

Cumpleaños

de Luisa Carnés. Adaptada y dirigida por: Laura Garmo.
una producción Laura Garmo.
con Mamen Camacho.


1 de marzo de 2025. Teatro Español (Salón de los balcones - Andrea D´Odorico), Madrid. 50' aprox. 

Eva llega a casa y no hay nadie. Su marido ha dicho que tardará. Los hijos están lejos y le mandan un regalo. Va a ser su cumpleaños y tiene tiempo para estar a solas con sus miedos y sus angustias. Y quizá también para tomar una decisión.
 
Mamen Camacho está perfecta en este soliloquio triste de una mujer burguesa. Y no podía haber mejor lugar que este Salón de los balcones para recrear los ambientes elegantes y opresivos que enmarcan la depresión radical de esta mujer. Laura Garmo nos hace acompañarla desde las tres bandas de este salón que Eva solo abandona un momento para asomarse al balcón y respirar el aire de la calle. Cumpleaños es un monólogo intenso y desolador. Luisa Carnés lo escribió en 1966, aquella década que no fue prodigiosa para tantas mujeres. Su aliento reflexivo y pesimista no está lejano del monólogo de aquella Carmen que Miguel Delibes situó también en aquel año en Cinco horas con Mario. Así que está muy bien que Laura Garmo recupere ahora esta obra que hoy formará un díptico muy oportuno con Natacha, la versión teatral que Laila Ripoll ha preparado a partir de la novela que Luisa Carnés escribió en 1930.
 

viernes, 28 de febrero de 2025

Camino a La Meca

de Athol Fugard. Dirección: Claudio Tolcachir.
Producción: Pentación Espectáculos .
con Lola Herrera, Natalia Dicenta y Carlos Olalla.


28 de febrero de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90' aprox. Estreno absoluto.

Helen recibe la visita de una vieja amiga. Las dos tienen mucha sintonía y mucha confianza. El momento es delicado para Helen, porque el pastor de la iglesia local la quiere convencer para que se vaya a un geriátrico.
 
Los desafíos de la edad madura. Los recelos que provocan la independencia y la creatividad, sobre todo, si son femeninas. Y la luz que desprende la amistad cuando es sinónimo de sinceridad y estima. De eso va este texto de Athol Fugard que, siendo diáfano y sencillo, está lleno de capas y sugerencias. Claudio Tolcachir lo ha entendido muy bien creando las condiciones para que esta madre y esta hija den una lección superlativa de sintonía interpretativa encarnando a esas dos amigas de las que uno quisiera saber más y tener cerca. Carlos Olalla está estupendo en el papel de ese tercero que, sin pretenderlo, potencia la concordia entre esas dos mujeres de distintas edades a las que interpretan una Lola Herrera pletórica y radiante a sus casi noventa años y una Natalia Dicenta que ojalá viéramos más en los escenarios. Es una actriz magnífica capaz de transmitir emociones con una fuerza y una intensidad que, hasta cuando está silente, consigue que su personaje sea un imán para la mirada. Así que ha sido otra noche magnífica de estreno absoluto en Avilés. En El Cultural suelen señalarlo bien, pero en otros medios deben pensar que todo lo que se ve en Madrid se estrena en ese ombligo. Estaría muy bien que cuando llegue allí esta obra la vieran no solo los teatreros. También  esos a los que tanto les molesta el número 7.291.
 

viernes, 21 de febrero de 2025

La música

Autoría: Marguerite Duras. Versión y dirección: Magüi Mira.
Okapi Producciones.
con Ana Duato y Darío Grandinetti.


21 de febrero de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 70' aprox. Estreno absoluto.

El último encuentro de una pareja en un hotel. Solo van para rematar los trámites del divorcio, pero esa noche recordarán el infierno de los últimos meses antes de la separación. Y también lo mucho que se querían. O se quieren todavía.
 
Ontología de la monogamia. Ser y tiempo del amor. Eso es lo que nos proponen Marguerite Duras y Magüi Mira con estos dos seres varados en ese espacio indeterminado que parecen seguir habitando y rehuyendo tras el final de su relación. La música es aquí un baile de cuerpos y sentimientos que se buscan y repelen. El compás, más intenso y doliente, parece llevarlo ella. Las certezas y las dudas, más contenidas, le corresponden a él. Los intérpretes parecen estar en sintonía con los personajes. Ella queriendo distanciarse de Merche. Él dejando muy atrás a Oliverio, pero sabiéndose igual de cautivador. Dario Grandinetti es uno de los más grandes desde que nos demostró que, si se cruzaba una y otra vez el charco entre Montevideo y Buenos Aires, era posible encontrar con Eliseo Subiela El lado oscuro del corazón. Y me lo confirmó hace años, precisamente en Buenos Aires, cuando pude verlo en otro barco poético en el que fue Novecento de la mano de Alessandro Baricco y Javier Daulte. Así que ha sido un gusto verle esta noche en Avilés estrenando este retrato doliente sobre la insularidad del amor.

sábado, 15 de febrero de 2025

Electra

de Sófocles. Versión y dirección: Fernanda Orazi.
Producción: Pídales Teatro.
con Carmen Angulo, Javier Ballesteros, Leticia Etala y Juan Paños.


15 de febrero de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 95’ aprox.

Elektra, Orestes y la muerte del Agamenón. Clitemnestra, Egisto y el regreso de Orestes. Esperanza, desesperación y venganza. El escenario como espacio vacío, los personajes de entonces bajando y hablando como personas de hoy. Y las palabras... Por debajo de todo, las palabras.
 
Este blog nació comentando obras de Claudio Tolcachir, Pablo Messiez y Fernanda Orazi. Entre las primeras aquí reseñadas estaban Emilia, Las palabras y La realidad, aquella maravilla de Denise Despeyroux con la que se inauguró el Off-Niemeyer. En las dos últimas, representadas un viernes y un sábado en Avilés, actuaba Fernanda Orazi. Después la hemos visto en obras de Ionesco, Pascal Rambert o Pablo Remón. Y ahora comprobamos que, además de una magnífica actriz, es una directora extraordinaria que consigue entreverar como nadie la vida y los clásicos. En los últimos tiempos hemos visto otras Electras muy buenas (la Elektra de Etelvino Vázquez o la Electra.25 de Atalaya TNT), pero la de Orazi será inolvidable. En un espacio radicalmente vacío cuatro personajes componen una polifonía escénica trufada de ecos trágicos y frases hechas, de combinaciones paroxísticas sin repetición entre seres que hablan y no escuchan, que traen del pasado prosodias de ahora, que licuan la cuarta pared haciendo fascinante y desasosegante esta experiencia. Lo mejor de las disputas entre los personajes de Rambert (por ejemplo, en Ensayo) o las interferencias de los de Tolcachir (por ejemplo, en La omisión de la familia Coleman) está presente en esta Electra inigualable de Fernanda Orazi. Pero lo que ella hace no se inspira en aquellos, sino que compone un modo de entender el espacio escénico (el Palacio Valdés es ideal para esto), la dramaturgia y la dirección de actores pocas veces visto antes. Siendo accesible, su Electra quizá no sea apta para todos los públicos, pero resulta fascinante para quienes saben que sigue habiendo maravillas bajo la arena de los teatros.

Dossier

viernes, 14 de febrero de 2025

4 x 4

creación colectiva de Ron Lalá. Dramaturgia y letras: Álvaro Tato. Composición y arreglos: Yayo Cáceres, Juan Cañas, Miguel Magdalena y Daniel Rovalher. Dirección escénica: Yayo Cáceres
Dirección musical: Miguel Magdalena
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Una producción de Ron Lalá..
Con Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana y Daniel Rovalher.


14 de febrero de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100 aprox.

Miscelánea ronlalera con fragmentos de los espectáculos Mi misterio del interior (2005), Mundo y final (2008), Time al tiempo (2010) y Siglo de Oro, siglo de ahora (2012). Todos con la música, las rimas, la gracia y esa destreza trepidante que es marca de la casa.

Luis Retama es aquí el novato que se suma al grupo ronlalero para regocijo de quienes hayan descubierto hoy lo mucho bueno que se estaban perdiendo por no haber visto antes las obras de Ron Lalá (o las de Ay teatro). El comienzo recuerda a Les Luthiers, con lo que queda claro desde el principio que estos tipos se toman la risa muy en serio. Es verdad que se echa de menos a Iñigo Echeverría (sobre todo en el maravilloso Entremés de los autores de la última parte), pero el quinteto de este 4x4 está tan afinado que a los de Ron Lalá (y Ay Teatro) les pasa como a Les Luthiers: son siempre ellos mismos aunque algunos sean diferentes. Ojalá que este repaso de sus obras pretéritas  sea solo un interludio en su trabajo y, más pronto que tarde, estrenen algo nuevo. Podrían hacerlo, por ejemplo, aquí mismo, en el Palacio Valdés, donde estrenaron hace cuatro años sus Andanzas y entremeses de Juan Rana.

Programa de mano
Dossier

sábado, 1 de febrero de 2025

La Celestina

Autor: Fernando de Rojas. Adaptación y dirección: Darío Galo.
Producción: Calema Producciones.
con Carolina Calema. Músicos en directo: Cristina Suey (cello) Charly Sánchez (percusión), Mario Garcia (guitarra) y Arturo Pueyo (clarinete)


1 de febrero de 2025. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Las tramas y urdimbres de los amores entre Calisto y Melibea trenzados por esa vieja hedonista de nombre Celestina. Ellos serán títeres en sus manos y los dos criados, Pármeno y Sempronio, unas peligrosas marionetas. Literalmente.

Carolina Calema nos dejó impresionados hace cuatro años con aquella maravilla de Yolanda Pallín, dirigida por Ernesto Arias, titulada Querella de Lope y las mujeres. Así que hoy solo podíamos esperar lo mejor de su Celestina. Y lo cierto es que en la intimidad de este off teatral, más que a la actriz, a quien hemos visto todo el tiempo es a la alcahueta canónica de nuestras lengua. Hemos asistido a sus reflexiones sobre la vida, el deseo y el amor, a los gestos de su rostro que aún daban más relieve a sus pensamientos, a esas manos manipuladoras que gobernaban las cuitas de los amantes y ponían ademanes a los criados. Todo un prodigio de artesanía creativa en el que la intérprete ya no pone el cuerpo al personaje sino que deja que este lo habite. Y ese milagro se traslada también a esos hermosos títeres y máscaras de mano logrando que las voces limpias y diferenciadas parezcan salir de sus cuerpos de madera y contrasten con la prosodia reflexiva de la vieja más intemporal de nuestras letras. Así que, siendo impecable el acompañamiento musical que la ha acompañado en el escenario, uno siente que lo único importante esta noche ha sido el trabajo de Celestina. Quiero decir, de Carolina.

viernes, 31 de enero de 2025

Un tranvía llamado deseo

Autoría: Tennessee Williams. Versión y dirección; David Serrano
Una producción de Producciones Abu, Milonga Producciones, La Casa Roja Producciones, Teatro Picadero y Gosua. Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas
con Nathalie Poza, Pablo Derqui, María Vázquez, Jorge Usón,Carmen Barrantes, Rómulo Assereto y Carlos Carracedo.


31 de enero de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 170' aprox (con descanso). Estreno absoluto

Blanche DuBois llega a casa de su hermana Stella que está casada con Stanley Kowalski. Blanche viene con algunas ínfulas y muchos nervios que acabarán sacando a la luz lo peor de Stanley. Ella ha perdido la casa familiar y, aunque quiere ocultarlo, tiene un pasado tormentoso que Stanley se empeña en descubrir para hacerle el mayor daño. 

David Serrano consigue crear un sutil juego de espejos con nuestros recuerdos de la película de Kazan. Cambiar el punto de vista sobre el espacio de los Kowalski no es solo un recurso escenográfico, también es una metáfora sobre lo que nos pasa al comparar lo que recordamos con lo que estamos presenciando. No falta patetismo en el personaje de Blanche, pero uno siente que ahora es mayor la compasión y la ternura que inspira y que resulta más artero, y no solo primario, el comportamiento de Stanley. La historia es la misma, la puesta en escena es impecable y la historia se mantiene fiel al texto, sin embargo, uno tiende a interpretar ahora en femenino plural todo lo que provoca ese macho egocéntrico. Quizá sin pretenderlo, David Serrano consigue que las diferencias entre el recuerdo de la película y su obra no se deban solo a los énfasis de su dirección o a la fuerza de los intérpretes, sino también a la manera en que el tiempo condiciona nuestra mirada. Ya solo por eso y por su exquisita calidad (con una inteligente y sobria escenografía, con una impecable iluminación y logrando que no decaiga el interés en sus casi tres horas), Un tranvía llamado deseo sera una de las obras imprescindibles de este año. Pero, además, la elección de los intérpretes no podía ser más atinada. Nahalie Poza compone una Blanche memorable consiguiendo que se hagan uno en el espectador los sentimientos de impostura, de pena y de compasión que su personaje provoca y logrando una verdadera mutación entre la aparente seguridad de la mujer angustiada que llega a la casa y el desvalimiento completo con que sale de ella cuando ya solo conserva la conmovedora bondad de su mirada. Una interpretación superlativa que nos ha recordado la extraordinaria calidad de otros trabajos suyos, como el que vimos aquí con José María Pou en A cielo abierto, de David Hare. Para el papel de Stanley Kowalski nadie mejor que Pablo Derqui que ha conseguido que nos olvidemos de Marlon Brando. Tras haberlo visto en Mérida en el Calígula de Albert Camus, dirigido por Mario Gas, estaba claro que sería capaz de aportar esa fuerza bravía que el personaje necesita para acabar dañando, de distintas maneras, a las dos hermanas. Y ese triángulo requería una actriz tan especial como María Vázquez que ya nos tenía cautivados con trabajos cinematográficos tan magníficos como los de Matria, de Alvaro Gago Díaz, o Los pequeños añores, de Celia Rico Cavellino, y que aquí está magnífica en el papel de Stella. El resto del elenco también está impecable, resultando destacable la contención y bonhomía que Jorge Usón confiere al personaje de Mitchell. Así que ha sido una magnífica noche de estreno. Mañana habrá aquí una segunda función y luego comenzará la gira de esta obra que, a buen seguro, tendrá mucho éxito.

Programa de mano