La otra bestia

Texto: Ana Rujas. Dramaturgia y dirección: José Martret y Pedro Ayose
una producción de Nave 10 Matadero y Producciones Come y calla.
Con Ana Rujas, Joan Solé y Teo Planell.

14 de junio de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 85’ aprox.

Marc vuelve de Japón donde ha estado trabajando en un proyecto de arquitectura con su padre. Sara ya no le está esperando igual que antes. Ahora reniega de su vida con él y ha encontrado una salida con un joven amante. 

 

La otra bestia parte de un libro que Ana Rujas escribió más en clave poética y catártica que para una dramaturgia. Seguramente por eso en la obra hay mucho de confesión existencial (femenina y feminista) que, en cierto modo, sigue la senda de obras anteriores tan interesantes como La mujer más fea del mundo o ¿Qué sabes tú de mis tristezas? Esta última la dirigió también Pedro Ayose y pudimos verla en La pensión de las pulgas, aquel inolvidable espacio mínimo  por el que (junto con La casa de la portera) José Martret bien merece un lugar destacado en la historia del teatro de trinchera. En La otra bestia hay mucho acierto en la configuración de un espacio escénico que está horizontal y verticalmente escindido. Arriba una pantalla nos muestra, casi siempre en directo, lo que podría ser una película clásica en blanco y negro magníficamente filmada, cámara en mano, con lo que está ocurriendo abajo, en los habitáculos opresivos y reconfigurables en que se desarrolla la vida doliente de esta mujer. El espacio más estrecho es el del deseo y la transgresión con el joven amante. El más ancho es el de esa vida burguesa y mortecina decorado con el gris propio de las morgues (Sara habla a veces de un camposanto).  Joan Solé y Teo Planell le dan una réplica impecable, pero es Ana Rujas la que protagoniza esta historia con una intensidad que pudiera recordar a la de los personajes que interpretaban Barbara Lennie en La clausura del amor o Irene Escolar en Finlandia. Su trayectoria está en un gran momento, como demuestran también películas recientes como 8 o La buena letra. En todo caso, las rupturas amorosas en el teatro de Pascal Rambert son más radicales y equilibradas entre los contendientes, mientras que en esta obra, formalmente impecable, encuentro más interés en las grietas y el dolor existencial del personaje de Sara que en el pugilato con su marido. Y es que el desamor, el negro desamor, a veces se expresa mejor  en soliloquios. Como el de Jean Cocteau en La voz humana.

 

Dossier 

Saudade

Dirección y dramaturgia: Ici Díaz.
producción: La Westia Producciones.
con Francisco Pardo, Xana del Mar, Isabel Marcos, César Alonso, Ici Díaz.

4 de junio de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 95' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

Pessoa visto por Ofelia. A partir de una supuesta entrevista de los años cincuenta se evoca aquel amor sin igual de los años veinte. A través de los espejos y las transparencias del tiempo vemos sus juegos, sus cartas, sus encuentros y también sus desencuentros. Los de Ofelia con Pessoa y con sus heterónomos.

 

¿Será en los Oh! o también en los Max? Los de La Westia bien podrían aspirar a los dos porque méritos no le faltan a esta obra que nos ha hecho aplaudir como si fueran a oírnos en Lisboa. Ici Díaz (con Francisco Pardo, Xana del Mar, Isabel Marcos y César Alonso) ha convertido esta Saudade en un festín escénico memorable, en una coreografía de tiempos, personas y personajes con espejos que muestran y ocultan, reflejan y escudriñan, los amores entre Ofelia y Fernando. Si uno no supiera nada de Pessoa (ni de los otros) disfrutaría igualmente con este relato poliédrico, escénicamente sencillo, pero deliciosamente apabullante. El ritmo y el derroche coreográfico creo que le encantaría (ojalá que lo vea) al Peris-Mencheta de Lehman Trilogy, Castelvines y Monteses y Ladies Football Club. Y los juegos narrativos creo que le gustarían a alguien tan poco teatrero como José Luis García Martín (ojalá que lo vea). Así que bravo por Pessoa, por Mariza (su música nos recibía al comienzo) y bravo por los de La Westia.   Tras La ley de la selva y Ada Byron, se han consagrado con esta obra. Así que espero verlos en los Oh! y ojalá que también en los Max.

Programa de mano

Seis personajes en busca de un autor

Autor: Luigi Pirandello. Adaptación: Pablo Álamo. Dirección: Pepa Gamboa
Producciones Teatrales Faraute.
Con Aiden Botia, Eva Egido, Ruth Gabriel, Nuria Gallardo, Ramón Langa, Chema León, Paula Muñoz, Didier Otaola, Montse Peidro, Fernando Ramallo, Jorge Torres y Lena Vega.

30 de mayo de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 110’ aprox.

Un director y varios actores van a ensayar el segundo acto de una obra de Pirandello, pero en ese momento llegan al teatro seis personajes de negro. Son el padre, la madre, la hijastra, el hijo, el joven y la niña. Vienen buscando un autor que escriba su historia. 

 

En La función por hacer (aquella joya seminal del proyecto Kamikaze) la referencia a la propuesta de Pirandello era mucho más distante. Aquí están sus tres elementos: los teatreros en faena, los personajes espectrales y las referencias metateatrales que lleva dentro el texto. Lo mejor son los personajes que llegan, todos acertadamente de negro, con gestualidad impecable (también el joven y la niña que, aunque silentes, están siempre bien) y una expresividad que parece lorquiana. Sin embargo, la actualización de la compañía de teatro tiene un tono bufo que perjudica el equilibrio de la obra. Y el más afectado es el personaje del director que me parece una caricatura, muy inoportuna, de un gran director español por el que siento el mayor aprecio. La querencia hacia la comedia gruesa tiene el efecto de hacer reír a buena parte del público, pero a costa de diluir la hondura reflexiva, teatral y existencial, de la obra. Así que, como siempre, me sigo quedando con la función por hacer. Es lo más pirandelliano.

Victoria viene a cenar

Dramaturgia: Olga Mínguez Pastor. Dirección y adaptación: Carmen Nieves.
Producción: Pisando escenario.
con Teresa Soria Ruano y Celia Medrano

17 de mayo de 2025. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Fuera del tiempo, Clara Campoamor invita a Victoria Kent a cenar, pero antes beberán juntas vino navarro. Ella quiere hablar del tema, pero Victoria se resiste. En el entreacto se recrean los discursos que el 1 de octubre de 1931 las enfrentaron en el Congreso. Después llega la catarsis y quien perdió aquella histórica votación acaba pidiendo perdón.

 

María Moliner, María de Maeztu y, por supuesto, Clara Campoamor y Victoria Kent. Sobre ellas, y sobre tantas otras, el teatro puede hacer una encomiable labor de memoria. Interpretando a la primera, Vicky Peña hizo un trabajo magnífico en El diccionario, dirigida por José Carlos Plaza. Y en este mismo off tuvimos a Pilar Gómez encarnando a doña Emilia en la estupenda obra de Anna Costa. Sin embargo, siendo interesante, este duelo entre los espectros de Clara Campoamor y Victoria Kent no está a esa altura. De hecho, intentando reivindicar a las dos, la figura de Victoria Kent acaba resultando malparada. Especialmente al presentarla como alguien que solo se sincera cuando está algo piripi. Una expresión que solo se aplica a las mujeres, a quiene se supone más vulnerables a los efectos del alcohol que los hombres. De hecho, en los dramones masculinos o no se bebe o se entiende que el tabaco y el whisky no los debilitan sino que estimulan la lucidez y bravura de los combatientes. A veces las mejores intenciones no tienen los mejores efectos.

Blaubeeren

Autoría: Moisés Kaufman y Amanda Gronich. Adaptación y dirección: Sergio Peris-Mencheta.
Una producción de Barco Pirata y Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Clara Alvarado, Víctor Clavijo, Nacho López, Eric de Loizaga, Irene Maquieira, Natxo Núñez, María Pascual y Paloma Porcel.

8 de mayo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90' aprox. Estreno absoluto 

Un hombre entrega un álbum a la directora de los archivos del Museo del Holocausto de Estados Unidos. Contiene fotografías tomadas en Auschwitz en 1944 que muestran escenas de oficiales y personal administrativo en momentos de ocio y celebración. El álbum era de Karl Hocker ,un tipo que tenía una vida normal antes de la guerra y que, como miembro de las SS, parecía encantado junto a los jefes del lugar. La indagación sobre esas imágenes desvelará muchas cosas. También para los descendientes de gentes como Rudolf Höss, el comandante de aquel campo de exterminio cuando fueron tomadas las fotos.

 

Además de un actor imponente, Sergio Peris-Mencheta es un director extraordinario. Lo demuestran obras como 14.4,  Cielos, Ladies Football Club, Castelvines y Monteses, Una noche sin luna, ¿Quien es el señor Schmitt?, Lehman Trilogy, o Continuidad de los parques. En algunas de ellas muestra su voluntad de levantar acta y denunciar realidades del presente (por ejemplo, en 14.4) o de un pasado no demasiado lejano (Una noche sin luna, Lehman Trilogy o Ladies Football Club). En Blaubeeren lo hace de forma aún más radical. Es una obra que se acerca al teatro documental con una puesta en escena sobria, pero muy potente, en la que el apoyo audiovisual, además de necesario, está hecho con una perfección admirable en esos muros que parecen de acero corten y que resultan ideales para proyectar en imágenes la banalidad del mal. Blaubeeren es teatro explicativo, lleno de testimonios y declaraciones para este ejemplo de hermenéutica de la memoria a partir de imágenes encontradas. Eso y la seriedad del tema hacen que la obra no tenga el ritmo trepidante de otras. En clase de Historia de la Filosofía, veíamos esta semana el discurso de Hannah Arendt en la parte final de la película de Margarethe von Trotta. Y en Psicología los experimentos de Stanley Milgran sobre la obediencia en la película de Michael Almereyda. Así que he recomendado a mis alumnos que no se pierdan la segunda función de esta obra en el Palacio Valdés. Es pura lección de memoria histórica y de filosofía moral en torno a la banalidad del mal. Blaubeeren hace un díptico perfecto con esa joya titulada La zona de interés.  El contexto y los protagonistas son los mismos y también seguramente las intenciones de Jonathan Glazer y Sergio Peris-Mencheta. Quizá menos conocida sea otra película magnífica sobre la recuperación de la memoria histórica a partir de imágenes encontradas. Me refiero a Tres minutos: una exploración. Una pequeña joya que es toda una lección de historia y de buen hacer cinematográfico con tan solo tres minutos filmados en 1938 en un pueblo polaco y una voluntad ilimitada de indagación.

 

Dossier

Caperucita en Manhattan

Texto: Carmen Martín Gaite. Dirección: Lucía Miranda.
Producción: Teatro de La Abadía.
con Mamen García, Miriam Montilla, Carmen Navarro, Mar Calvo, Marcel Mihok (contrabajo).

25 de abril de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 90' aprox.

Sara Allen vive en Brooklyn y a veces se inventa palabras. Su madre, algo pesada, hace tartas de fresa muy buenas y cada viernes le llevan una a la abuela que vive en Manhattan. Por suerte para Sara, a sus padres les ha surgido un viaje y, por primera vez, podrá ir sola hasta la casa de la abuela. De camino conocerá a personajes tan curiosos como Edgar Woolf o miss Lunatic, una mujer fantástica que vive en la estatua de la Libertad.

 

Lucía Miranda ha conseguido destilar el aliento poético de la deliciosa novela de Carmen Martín Gaite. De su capacidad para sugerir mucho con escenarios nada barrocos nos dejó sobradas pruebas en el conmovedor monólogo Chicas y chicos que, con un texto magnífico de Dennis Kelly y una interpretación soberbia de Antonia Paso, nos puso a todos un nudo en la garganta. En el escenario solo hay doce formas cúbicas con aspecto de lavadoras y un rótulo que anuncia el lugar de cada escena. Y solo con eso Lucía Miranda consigue que nos sintamos en los espacios neoyorquinos en que Carmen Martín Gaite situó el periplo de esa Caperucita maravillosamente indómita y libertaria. Para ello ha contado con unas actrices polivalentes y con expresividad de arlequines que han dado el tono perfecto para esta adaptación escénica de aquel cuento de ternura infinita sobre una niña que aprendía a disfrutar de la libertad. La gestualidad y la dicción colorista de Mamen García, Miriam Montilla, Carmen Navarro y Mar Calvo, acompañadas por Marcel Mihok al contrabajo, han hecho deliciosos todos los personajes de aquella novela que era a la vez infantil, adulta, hiperrealista y fantástica. Así que ha sido otra noche teatral magnífica en este año que trae dos centenarios ilustres: el de Carmen Martín Gaite y el de Ángel González.  

 

Programa de mano

Sobre las hojas de hierba (Walt Whitman)

Dramaturgia: Walt Whitman. Dirección: Juan Diego Botto y Alejandro Pelayo.
Una producción de La Rota Producciones.
con Juan Diego Botto y Nur Levi.

23 de marzo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 55' aprox.

Al fondo, Alejandro Pelayo toca el piano. Delante, Juan Diego Botto y Nur Levi recitan los poemas. El primero y el último son en inglés, pero el conjunto parece la ceremonia de una religión panteísta y humanista. Una exaltación conmovedora de la vida y una reconciliación maravillada con la naturaleza.

 

El viernes, 14.4 en el auditorio Niemeyer. Ayer un encuentro con Juan Diego Botto en el mismo escenario. Y hoy los poemas de Whitman en el Palacio Valdés. Una programación así no suma momentos de felicidad. Los multiplica. Sobre todo, con tan buena gente como la que hemos tenido este fin de semana en Avilés. Suelo decir que la poesía es intraducible, pero esta noche me ha parecido que Whitman ha hablado siempre en mi lengua. O en todas las lenguas en las que sea posible decir praderas, llanto, flores, noche y conmover. Por eso pienso que se habría despertado feliz si aedos como Juan Diego Botto y Nur levi le recitaran estas otras:

 

                                    Duerme: no queda nada.

                                    Una danza de muros agita las praderas

                                    y América se anega de máquinas y llanto.

                                    Quiero que el aire fuerte de la noche más honda

                                    quite flores y letras del arco donde duermes,

                                    y un niño negro anuncie a los blancos del oro

                                    la llegada del reino de la espiga.

 

Programa de mano

14.4

Dramaturgia: Juan Diego Botto, Sergio Peris-Mencheta y Ahmed Younoussi. Dirección: Sergio Peris-Mencheta
Una coproducción de Barco Pirata y Teatro Español.
Con Ahmed Younoussi.

21 de marzo de 2025. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100’ aprox.

Ahmed nos lo cuenta desde el principio. Desde los cinturonazos de su padre en Ksar-el-Kébir hasta su formación como actor de la mano de Cristina Rota. En medio, asistimos al deambular de aquel niño silvestre por los arrabales de Tánger o de Ceuta, a sus siete intentos por llegar a la Península y a la bondad de quienes le acogieron cuando lo logró.

 

Una historia verdadera y una verdadera historia. Con una verdad que conmueve mucho más que cualquier verosimilitud. Ahmed Younoussi relata, evoca y reflexiona en primera persona sobre su vida. La misma que la de tantos nadies que se la juegan, y muchos la pierden, en el Mediterráneo y en el Atlántico. Porque 14.4 es mucho más que teatro edificante (ese que deberían ver tantos diputados y presidentes autonómicos que ignoran el pasado, desprecian el presente y juegan con el futuro de miles de niños en Canarias). Es también teatro perfecto que comienza con un estupendo engaño (Juan Diego Botto también nos engañó al comienzo de su extraordinaria Una noche sin luna), destila vitalidad y sabe combinar de manera impecable el lirismo conmovedor y la fuerza arrebatadora de un niño de la calle. La historia es íntima y personal porque Ahmed Younoussi interpreta, en todos los sentidos, lo vivido. Pero también es universal, y por tanto política, porque señala la textura de este mundo obscenamente injusto que hace invisibles a los desheredados y mantiene ciegos a esos que piensan que sus derechos proceden de sus raíces, sin darse cuenta de que acabarán habitando un tronco seco y en su mitad podrido. Ahmed Younoussi, Juan Diego Botto y Sergio Peris-Mencheta forman una trinidad teatral perfecta. Ahmed Younoussi pone su cuerpo para encarnar admirablemente su vida, Juan Diego Botto pone palabras que sintonizan con la mirada encendida de un poeta en Nueva York y Sergio Peris-Mencheta pone el espacio, el tiempo y el movimiento creando imágenes evocadoras y disponiendo los resortes de los que Ahmed va rescatando ese afán por vivir que, desde su pueblo marroquí, le ha traído hasta aquí. Esta noche, en el abarrotado auditorio del Niemeyer todo el mundo ha entendido que, ante propuestas como esta, se aplaude mucho mejor de pie. Ojalá que ese aplauso tan intenso fuera contagioso, se escuchara fuera de los teatros y sacara de su ceguera a esos que cuando votan lo hacen contra la justicia, contra la belleza y hasta contra la compasión.

 

Programa de mano

Yo soy 451

Autoría: Xavo Giménez a partir de la novela de Ray Bradbury Fahrenheit 451. Dirección: Xavo Giménez y María Cárdenas.
Producción: La Teta Calva.
con Xavo Giménez

15 de marzo de 2025. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Montag es un bombero que no sabe que los suyos antes apagaban los fuegos. Ahora se dedica a encenderlos donde hay libros, para que no se detenga esa felicidad paroxística que los demás disfrutan en presente continuo. Pero Montag siente, a veces, cierta extrañeza y hasta nostalgia de lo que no ha conocido. Sobre todo desde que, en la casa de una mujer que ha ardido con sus libros, él se ha guardado uno de ellos.

 

Ray Bradbury estaría encantado con lo que ha hecho La Teta Calva con su Fahrenheit 451. Con solo un barril y una iluminación impecable, Xavo Giménez hace que no perdamos prenda del fascinante soliloquio de este bombero que va sofocando su propia alienación. Sin ninguna impostura, con un texto memorable y con la fuerza contenida de su gesto y de su voz, consigue que nos sintamos en ese parque en que una mujer mira y sabe ver, en la casa en que su esposa quiere comprar una nueva pantalla para cerrar la cuarta pared, en esa otra casa, llena de libros, en la que otra mujer se incinera junto a ellos, o en el bosque en que se reúnen esos seres para los que los libros son ya memoria viva incorporada. Xavo Giménez ha estado antes en esta misma sala con obras tan magníficas como Sindrhomo y Espaldas de Plata. Así que ya somos intensamente adictos a sus magníficas propuestas y necesitamos que vuelva pronto por aquí.

El efecto

de Lucy Prebble. Dirección: Juan Carlos Fisher.
Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Alicia Borrachero, Fran Perea, Elena Rivera e Itzan Escamilla.

14 de marzo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90' aprox. Estreno absoluto.

Connie y Tristan aceptan participar durante varias semanas en un ensayo clínico. Vivirán en un entorno controlado y tomarán dosis crecientes de un fármaco experimental con posibles efectos emocionales. Al notar que se atraen se preguntarán si lo que les está pasando es realmente amor.

 

Un experimento con doble ciego. La expresión podría referirse a cualquier ensayo científico o a cualquier experiencia amorosa. O a las dos cosas a la vez, como en esta obra de Lucy Prebble en la que los sujetos experimentales son la pareja joven, pero quizá también esos investigadores que se pretenden a salvo de los daños del amor. Si este es causa o efecto, elixir o placebo, químico o etéreo, son algunos de los interrogantes que nos plantea esta experiencia teatral con escenas sincopadas en las que los sujetos experimentales van tomando las dosis prescritas de ese fármaco con efectos que pudieran ser indiscernibles de los de la azarosa sintonía del amor. La puesta en escena es eficaz para esbozar los perfiles borrosos de esa ciencia distópica. Por lo demás, las interpretaciones de los cuatro están muy bien ajustadas, especialmente en los escarceos y desavenencias entre Connie y Tristan, a quienes el texto da más juego y permite mucha más naturalidad.

 

Dossier 

El dilema del corcho

Texto: Patxo Tellería. Dirección: Mireia Gabilondo.
Producción: Tartean Teatroa.
con Ramón Barea y Patxo Tellería.

8 de marzo de 2025. Teatro Filarmónica, Oviedo. 90' aprox.

Como el corcho, un profesor veterano y progresista siempre ha salido a flote. Justificó y en cierto modo se implicó en actos de violencia política. Ahora tiene el dilema de ser coherente con sus ideas o aceptar un tratamiento que podría salvarle la vida a costa de renunciar a sus principios. La inesperada visita de un antiguo alumno le obligará a decidirse.

 

Hemos venido mucho al Filarmónica a ver cine, pero nunca habíamos visto teatro aquí. Así que no éramos conscientes de su mala acústica. O al menos de la que tiene cuando, como hoy, los actores renuncian a que se amplifique su voz (algo que siempre es de agradecer). Seguramente eso ha afectado a la impresión de una obra en la que Ramón Barea y Patxo Tellería están muy bien, pero no acaba de quedar claro el interés que puede tener ahora el cuestionamiento de la honestidad de algunos intelectuales que quizá no hayan merecido el buen trato que han recibido. Supongo que Patxo Tellería estará pensando en algunos profesores vascos que, como el de esta obra, habrán llegado a los setenta sin ninguna pena y con bastante más gloria de la que merecen. Pero me temo que en esta tarde de cuaresma en que Oviedo celebra su carnaval no se aprecian mucho las intenciones críticas de esta obra.

 

Programa de mano

Dossier

Los nuestros

texto y dirección: Lucía Carballal.
una producción del Centro Dramático Nacional y Teatre Nacional de Catalunya.
con Miki Esparbé, Marina Fantini, Mona Martínez, Manuela Paso, Ana Polvorosa, Gon Ramos, Alba Fernández Vargas / Vera Fernández Vargas y Asier Heras Toledano / Sergio Marañón Raigal.

2 de marzo de 2025. Teatro Valle-Inclán (Sala Grande), Madrid. 105' aprox.

La madre de Reina ha muerto. Ella era una sefardí que regresó de Marruecos y al pasar por Granada fue a la tumba de los Reyes Católicos para decirles "hemos vuelto". Reina ha reunido a la familia para pasar juntos el Avelut, el duelo de siete días para el que consigue reunir a su hijo Pablo y su pareja que viven en Londres, a su hermana Esther con sus hijos y a Tamar, una prima que ha vivido en Israel. Serán jornadas de reencuentros y desencuentros que dan mucho que pensar sobre las tradiciones. Y también sobre las grietas familiares. 

 

Entiendo lo que pretende Reina tratando de unir por unos días a esa familia y queriendo mantener vivo un legado de más de quinientos años. Las familias no son siempre cielos que nos elevan, pero todos quisiéramos sentirlas, al menos, como un suelo protector. De eso va, en cierto modo, esta obra que enfrenta el reto imposible de hilvanar los conflictos generacionales en pos de la libertad con los anhelos de mantener tradiciones insondables. En esto, Denisse Despeyroux acierta mucho más en Misericordia al tomarse con ironía los ritos judíos y trenzar de forma conmovedora los recuerdos infantiles, el exilio uruguayo y las cuitas de los teatreros. Creo que esta vez Lucía Carballal no ha alcanzado el tono cautivador que tenían otras obras suyas como Una vida americana, La resistencia o Los pálidos. En todo caso, la puesta en escena sorprende con ese gran espacio vacío, con frontón de objetos cotidianos, en torno al cual nos situamos los espectadores. Y, por supuesto, están muy bien los intérpretes, incluidos esos prodigiosos niños bailarines que nos maravillan en su momento musical.

 

Programa de mano

Natacha

de Luisa Carnés. Adaptada y dirigida por: Laila Ripoll.
una producción del Teatro Español.
con Natalia Huarte, Jon Olivares, Pepa Pedroche, Fernando Soto, Isabel Ayúcar y Andrea Real.

1 de marzo de 2025. Teatro Español (Salón pequeña - Margarita Xirgu), Madrid. 110' aprox. 

Natalia lleva una vida triste y llena de penurias. Su padre está enfermo y el trabajo en una sombrerería no le alcanza para ayudar a su madre, una mujer buena que se está quedando sin recursos. Un muchacho del pueblo les ha alquilado un cuarto, pero ni siquiera con eso consiguen salir adelante. Aunque él tiene una novia allí, se enamora de Natalia, su Natacha. Sin embargo, tendrá que volver repentinamente al pueblo y las cosas cambiarán mucho para todos.

 

No he leído la novela de Luisa Carnés, pero en la versión escénica de Laila Ripoll tiene una intensidad y una finura en el retrato de los personajes que hacen cautivadoras estas casi dos horas de drama social y sentimental que es a la vez urbano y rural. La puesta en escena es sobria, con un especial cuidado en el vestuario y sus códigos cromáticos. Buenos mimbres para facilitar lo más importante: el trabajo sobresaliente de los intérpretes. Todos están afinadísimos, pero no puedo dejar de destacar la perfección emotiva y la verdad que Natalia Huarte aporta al personaje de Natacha. Ella es una actriz superlativa que nos había maravillado en trabajos tan inolvidables como el que hizo con Nao d'Amores en  Nise, la tragedia de Inés de Castro. Así que, con Cumpleaños, hoy hemos tenido un magnífico díptico sobre textos de Luisa Carnés en el Teatro Español. Una reivindicación necesaria casi en vísperas del 8 de marzo.

 

Programa de mano

Cumpleaños

de Luisa Carnés. Adaptada y dirigida por: Laura Garmo.
una producción Laura Garmo.
con Mamen Camacho.

1 de marzo de 2025. Teatro Español (Salón de los balcones - Andrea D´Odorico), Madrid. 50' aprox. 

Eva llega a casa y no hay nadie. Su marido ha dicho que tardará. Los hijos están lejos y le mandan un regalo. Va a ser su cumpleaños y tiene tiempo para estar a solas con sus miedos y sus angustias. Y quizá también para tomar una decisión.

 

Mamen Camacho está perfecta en este soliloquio triste de una mujer burguesa. Y no podía haber mejor lugar que este Salón de los balcones para recrear los ambientes elegantes y opresivos que enmarcan la depresión radical de esta mujer. Laura Garmo nos hace acompañarla desde las tres bandas de este salón que Eva solo abandona un momento para asomarse al balcón y respirar el aire de la calle. Cumpleaños es un monólogo intenso y desolador. Luisa Carnés lo escribió en 1966, aquella década que no fue prodigiosa para tantas mujeres. Su aliento reflexivo y pesimista no está lejano del monólogo de aquella Carmen que Miguel Delibes situó también en aquel año en Cinco horas con Mario. Así que está muy bien que Laura Garmo recupere ahora esta obra que hoy formará un díptico muy oportuno con Natacha, la versión teatral que Laila Ripoll ha preparado a partir de la novela que Luisa Carnés escribió en 1930.

 

Programa de mano