Inteligencia artificial (Ay)

Dramaturgia y dirección: Maxi Rodríguez.
Una producción de El cohete internacional.
con Jerónimo Granda y Maxi Rodríguez.

4 de junio de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 70' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

Dos paisanos muy arturianos hablan de lo divino y lo humano. De la religión digital y la inteligencia natural. Son Jerónimo y Maxi. Los dos le dan a la parpayuela, pero también uno canta (Granda) y el otro borbonea (Rodríguez). 

 

Quizá no sea teatro, pero de lo que no hay duda es que es hecho en Asturias. Jerónimo Granda y Maxi Rodríguez son la quintaesencia de la oralidad asturiensis, académicos de un decir y un sentir sedimentados durante generaciones en el chigre y la caleya. Al comienzo parecía que asistíamos a la encarnación de los personajes de Maxi en el periódico, pero enseguida quienes estaban ahí eran él y Jerónimo quintaesenciados y en plenitud de facultades interpretativas y musicales. La última vez que vimos a Jerónimo Granda en un escenario fue en aquel memorable concierto de hace ocho años que compartió con Paco Ibañez en el Campoamor solo dos días después de que se entregaran allí los premios Princesa de Asturias. Así que ha sido un gustazo disfrutar de lo bien que se entienden estos dos genios del monólogo, el diálogo y la retranca. Asturianísima sintonía entre unos tipos estupendos que tienen muchas tablas.   

Las amargas lágrimas de Petra Von Kant

Autoría: Rainer Werner Fassbinder. Versión, dirección artística y escénica: Rakel Camacho.
Una producción de Pentación Espectáculos y Nave 10 Matadero.
con Ana Torrent, Rebeca Matellán, Maribel Vitar, Julia Monje y María Luisa San José.

29 de mayo de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90’ aprox.

Tras una relación presidida por el tedio, Petra Von Kant se ha divorciado de su marido. Ella es una exitosa diseñadora de moda y una mujer segura de si misma. Hasta que una amiga le presenta a una joven por la que pierde la cabeza.

 

La historia de Fassbinder pretendía remover, conmover y agobiar. Siendo muy distintas, tenía algo en común con la densidad de las atmósferas que habitaban los personajes de Un tranvía llamado deseo.  Pero la historia de Tenesse Williams parece haber resistido mejor el paso del tiempo, porque hoy no parece tan provocador que una mujer exitosa inicie un amor lésbico. En este sentido, la reciente versión de David Serrano de aquella obra logró conmovernos mucho más con una puesta en escena acertada, unas interpretaciones magníficas, pero también quizá porque aquel texto sigue estando más vivo. Rakel Camacho ha apostado fuerte con un decorado, un vestuario y una puesta en escena que tiene mucho más que ver con las distopías kubrickianas que con el extraordinario trabajo que el año pasado hizo en su magnífica Fuenteovejuna. Quizá haya sido que uno venía esperando algo tan rompedor y de tanta calidad como esa obra y las expectativas han quedado defraudadas. Aquí la radicalidad formal tiene un punto ortopédico y acaba condicionando la cadencia del relato sin que uno se sienta conmovido por los deseos y tormentos de esta Petra Von Kant. Eso sí, el personaje de Marlene, tan felino y silente, que interpreta magníficamente Julia Monje, aporta una de las capas más interesantes de la obra. Esa que apunta hacia el sadismo y la sumisión como elementos ocultos, pero consustanciales, de la relación humana con el poder. También cuando lo ejerce una mujer amarga.  

Dossier 

Constelaciones

de Nick Payne. Dirección: Sergio Peris-Mencheta.
Producción: Centro Dramático Nacional y Barco Pirata.
con Paula Muñoz, María Pascual, David Pérez Bayona, Clara Serrano, Diego Monzón y Jordi Coll.

22 de mayo de 2026. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 95’ aprox. 

Variantes sucesivas (o paralelas) de los encuentros, desencuentros y despedidas entre María y Jordi. Una historia de amor (o muchas) entre una física cuántica y un apicultor.

 

El resumen es el mismo que el de la reseña que hice hace once años de la versión de Constelaciones que vimos en la sala íntima de abajo (en el off del Niemeyer) dirigida por Fernando Soto con un trabajo superlativo de Inma Cuevas y Fran Calvo. Solo he cambiado los nombres de los personajes porque aquí no son los del texto de Payne, sino que el azar ha decidido (alguien del público sacó sus nombres de una saca) que los interpreten María Pascual y Jordi Coll en un trabajo magnífico. Y ahí está el primer atrevimiento de un Sergio Peris-Mencheta empeñado en que el fascinante juego de posibilidades tentativas del texto de Payne salten a la realidad haciendo que sea la fortuna la que decida quiénes del elenco interpretarán esta noche a los personajes y quienes pondrán música a las variaciones con repetición de esta historia de amor. Los fundidos a negro son como fundidos de plomos de esos universos paralelos que vemos en rotación en una plataforma que, en versión sosegada, recuerda a la que usó Peris-Mencheta en Lehman Trilogy. Aquí los giros son una metáfora perfecta de las órbitas micro y macro de los universos que albergan las historias posibles de unas vidas en las que el azar, la libertad y la necesidad también recuerdan las texturas del eterno retorno Nietzscheano. Unos universos teatrales paralelos que abren en la mente de quien los contempla otras conexiones imprevistas. De hecho, esta noche me he quedado con la duda de si ya estaba en el texto de Payne, y en la magnífica propuesta de Fernando Soto, esa conmovedora insistencia en la pérdida de las palabras y la libertad que da saber que se puede decidir el propio final. Hace once años no reparé en ello y ahora no sé si es cosa del universo biográfico en el que ahora habita Peris-Mencheta, de la perspectiva vital que me da el paso del tiempo o simplemente que tengo muy reciente el recuerdo de Las gratitudes, la conmovedora versión teatral de la novela de Delphine de Vigan que Juan Carlos Fisher estrenó hace dos meses en el Palacio Valdés con una Gloria Muñoz inconmensurable. Sea como sea, da gusto seguir asistiendo a las combinaciones  de espacios, tiempos y sentimientos que nos depara el teatro. Son constelaciones escénicas y personales que no dejan de orbitar. 

 

Dossier

Nínive

Dirección: Kika Garcelán. Texto: Guadalupe Sáez.
Producción: La Familia Política.
con Mertxe Aguilar, Pau Gregori y Sandra Sasera.

16 de mayo de 2026. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Ella no conoció a su abuelo, pero algo sabe de él. Sabe que en 1936 estaba en el ejercito republicano y que su barco fue hundido, pero él sobrevivió. Sabe que pasó más de un año en Francia y luego decidió volver. Sabe que ella existe y no es francesa porque él se empeñó en resistir y regresar. Ahora que es madre piensa en todo eso mientras sostiene a flote a su hijo y duda si debería enseñarle a resistir o a dejarse llevar.   

 

Un soliliquio entre dos aguas. Las del mar en el que ahora se bañan una madre y un hijo y aquellas otras en  las que pudo morir el abuelo frente a una ciudad que en otro tiempo, aún más lejano, decidió ser cantón. Pero también entre las aguas de la memoria y el futuro, las que incitan a luchar por seguir a flote o a claudicar. El personaje (o la persona) ha venido esta tarde al Niemeyer con algunas reliquias: la fotografía de aquel abuelo, el sabor de una natillas, un mar teñido de rojo... También viene con sus espectros: el del padre, el de la madre y el de aquel abuelo náufrago con el que ella conversa antes de dejar esas aguas y ponerse a bailar imantada por un derviche de nombre Franco. Franco Battiato.

Viejos tiempos

Texto: Harold Pinter. Traducción y versión: Pablo Remón. Dirección: Beatriz Argüello.
Una producción Entrecajas Producciones y Teatro de la Abadía.
con Ernesto Alterio, Marta Belenguer y Mélida Molina.

24 de abril de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90’ aprox.

Deeley y Kate forman un matrimonio que vive lejos de todo en una casa de campo. Él viaja por trabajo y ella no suele salir de allí. Están esperando la visita de Anna que vive en Sicilia y a la que hace veinte años que Kate no ve. Las dos fueron muy amigas y compartieron piso en Londres en una época intensa y memorable. Antes de que ella llegue, Deeley le pregunta morosamente a Kate cómo era aquella relación. Cuando Anna aparece habla torrencialmente de aquel tiempo juvenil. Así se va abriendo un triángulo de recuerdos dudosos y silencios llenos de melancolías. Y se ahonda el ensimismamiento existencial de los tres. 

Espectros de cuerpo presente. Así podría definirse el teatro. Y así lo entiende Harold Pinter en una ontología escénica en la que el ser, el tiempo y el silencio dejan siempre espacio al espectador. En Avilés lo sabemos bien porque aquí se han estrenado obras suyas tan destacadas como Invernadero, Traición o Retorno al hogar. En Viejos tiempos la grieta que nos acoge se ensancha y nos obliga a asumir que, más que nunca, estamos ante una obra abierta que nos invita a pronunciarnos sobre si es espectral el cuerpo yacente de Anne o si hay ensoñaciones en los recuerdos del encuentro en aquel garito que pudo cambiar la vida de los tres. Pablo Remón es, con Lucía Carballal, el más pinteriano de nuestros dramaturgos, así que es perfecto para esta adaptación que no traiciona, pero mejora cualquier traducción. Beatriz Argüello acierta plenamente con la medida de la luz, los silencios y la fuerza de las interpretaciones. Mélida Molina consigue que las escuchas de Kate sean tan informativas como los cambios de tono que Ernesto Alterio da a su personaje, siempre dispuesto a saltar entre la flema sonriente y una dolorosa ira que no consigue contener. Y Marta Belenguer cierra con intensidad ese triángulo que a veces parece situarse entre la espesura de lo onírico y la equívoca nitidez de unos recuerdos que no encajan, pero igualmente duelen por la imposibilidad de recuperar aquel tiempo perdido y resolver las dudas sobre cómo fue. Si el teatro es siempre obra abierta y arte vivo, en estos Viejos tiempos aún lo es más. A estos tres personajes espectrales les conmueve la fuerza evocadora de esa música que los traslada a sus felices años cincuenta. Pero su presente en los primeros setenta es para nosotros un tiempo remoto y no menos evocador. Quizá es eso lo que pretende Pinter.  Ofrecernos los recuerdos disonantes de unos espectros de cuerpo presente para que intentemos ajustar cuentas con los nuestros. Sabe que, como ellos, también podríamos salir malparados.

 

Programa de mano 

Dossier 

 

 

Salto o caída

Autor: Juanma Díez Diego. Orientaciones: Eusebio Calonge.
Producción: Luces & Sueños.
con Mabel del Pozo, Lolo Diego y Juanma Díez Diego.

17 de abril de 2026. Centro Niemeyer (club), Avilés. 80’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Una mujer seca a su niño mientras juegan en la arena. La misma mujer prueba a abrir la puerta de varios edificios. Un hombre se enamora de la mujer en un autobús. La mujer consigue entrar en el 201 de la calle Alcalá. Un conserje barre hojas del suelo. La mujer sube al sexto piso y encuentra una ventana baja. El niño se ha hecho hombre y ahora saca hojas de una caja. A la mujer el otoño le sienta muy mal y se le abren grietas en la realidad. El niño ha llegado a la edad de la madre y busca respuestas en el conserje del edificio. Por eso se asoma al patio de luces al que la mujer saltó para terminar con sus grietas y regresar a la arena.  

 

Antes de la migraña el campo visual se fractura anunciando el dolor que vendrá. En la esquizofrenia es la realidad entera la que se agrieta en una ontología imposible. Es la terrible experiencia que llega cuando la luz es escasa y quien la padece se siente desahuciado de la realidad. Salto o caída es una inmersión reflexiva en la soledad del suicidio y en las honduras de la esquizofrenia. Pero también es un conmovedor canto a los instantes de felicidad infinita que se escabullen entre la grietas del nuevo brote. Por eso ella decide saltar. Y por eso, cuando se hace hombre, aquel niño que jugaba en la arena también busca en ese edificio respuestas a su dolor. Mabel del Pozo hace aquí un trabajo impresionante. El personaje que construye parece el de una heroína que se inmolara en la más poética de las tragedias griegas. Su hermosa voz a veces evoca y a veces se quiebra. Su mirada y gestualidad despiertan por igual amor y compasión. Y su poderosa presencia transmite el desamparo de quien sabe que la grieta volverá a abrirse y demolerá la realidad. Juanma Díez Diego (quizá con el apoyo del gran Eusebio Calonge) ha acertado plenamente al pensar esta obra como una experiencia  fragmentaria que sintoniza con la fenomenología de esa mujer. El suyo recuerda al teatro bajo la arena que defendía Lorca y parece buscar esa grieta que, según Mayorga, define al verdadero teatro. Salto o caída consigue lo máximo con recursos escénicos mínimos: dos escaleras plegables, una caja y muchas hojas. Pero cuenta con un texto, también fragmentario, en el que son frecuentes las variaciones con repetición que dotan a la historia de ese aliento poético que habita en las letanías de la cotidianidad. Así que, al margen de lo concernido que uno pueda sentirse por los dramas de la esquizofrenia o el suicidio, hoy hemos tenido en el off del Niemeyer otra gran noche de teatro mayúsculo (¿cuántas van ya?). El público ha sabido reconocerlo con un aplauso largo y sincero.

El rey de la farándula

Dramaturgia y dirección: Ángel Ruiz.
Producción: Lazona.
con Ángel Ruiz y Bru Ferri.

10 de abril de 2026. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 85’ aprox. 

Cuatro siglos después, Segismunda se presenta ante nosotros para hablarnos de Felipe IV, de sus descuidos gubernamentales y de sus andanzas eróticas. Nos lo cuenta con mucha picardía y nos lo canta con mucha afinación, a veces con textos de Calderón, Lope o Quevedo. En el escenario la acompaña una pianista que interpreta, canta y a veces apostilla los secretos que nos va revelando esta cortesana sobre las intimidades de aquel Felipe, sexualmente hiperactivo, que quizá habría querido ser el rey de la farándula.  

La corte de Felipe IV ha dado juego en propuestas escénicas desiguales. Entre las menos afortunadas están La Calderona y La puta enamorada. Y entre las mejores y más juguetonas sobresalen Andanzas y entremeses de Juan Rana y esta. El rey de la farándula destaca, sobre todo, por la música y por la puesta en escena. Comienza pareciendo un cabaret en el que un personaje travestido, más histriónico que barroco, nos relata sus andanzas cortesanas en unos tiempos tan intensos como los del penúltimo de los Austrias. La obra comienza con un tono entre lo cómico y lo sicalíptico, como si, más que en el Niemeyer avilesino,  Segismunda aterrizara en el Molino barcelonés. Pero conforme avanza, el vestuario va cambiando y el relato se hace más íntimo y revelador. Tanto Ángel Ruiz como Bru Ferri están magníficos tocando, cantando, gesticulando y hablando. Así que casi no nos damos cuenta de que en realidad la obra es prácticamente un magnífico monólogo a cargo de Ángel Ruiz. Aunque el contexto y el tono es distinto (de hecho, se incorpora a la programación LGTBI que estos días se desarrolla en el Niemeyer), Ángel Ruiz lleva ahora al Barroco su buen hacer escénico e interpretativo que nos había deslumbrado con aquel inolvidable Miguel de Molina al desnudo.

Dossier 

Las gratitudes

Basada en la novela de Delphine de Vigan. Traducción de la novela: Pablo Martín Sánchez. Adaptación teatral: Marta Bertoldi. Dirección: Juan Carlos Fisher.
Una producción de Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Gloria Muñoz, Macarena Sanz y Rómulo Assereto.

27 de marzo de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90’ aprox. Estreno absoluto.

Michka está perdiendo las palabras. En la residencia en que vive la visita a menudo Marie, la joven vecina a la que ella cuidó desde niña. También viene a verla Jerôme, un logopeda tenaz que también se ocupa de ella. Los dos la aprecian mucho e intentan cumplir su deseo más ansiado: encontrar al matrimonio que la salvó  durante la guerra para darles las gracias. 
 
Los humanos no lo seríamos si no tuviéramos las palabras. Por eso nos fascinan los niños que aún no saben hablar y sentimos compasión por quienes ya no las encuentran. Aquellos no saben que sabrán, pero estos saben que supieron y eso les hace sufrir. La novela de Delphine de Vigan trata de eso, del lenguaje y de la erosión de las palabras. Pablo Martín Sánchez hizo un trabajo magnífico con una traducción que también resulta conmovedora en nuestra lengua. Y Marta Bertoldi y Juan Carlos Fisher consiguen que en esta versión escénica el público empiece sonriendo con las variaciones y permutaciones de las palabras de Michka y acabe con un nudo en la garganta. Las escenas se suceden como estampas sosegadas de sus encuentros con esos jóvenes en el espacio inmaculado de una habitación anónima. Entre ellas, los fundidos en negro recuerdan a aquellos trallazos con que Juan Carlos Fisher nos aproximaba a las grietas de una mente que también se deshilachaba en La madre. Las gratitudes mantiene la ternura de la novela y el anhelo de una mujer que se está quedando sin palabras por expresar su gratitud a quienes la cuidaron. Pero Marta Bertoldi y Juan Carlos Fisher tienen el acierto de incluir también una escena final que rima muy bien con la que cierra La última noche con mi hermano, de Alfredo Sanzol. Las dos son obras balsámicas sobre unas despedidas cuya tristeza se compensa con la dulzura propia de los arrullos. Hay que destacar especialmente el impresionante trabajo de Gloria Muñoz que aquí asume el reto de una dificilísima deconstrucción poética de las palabras. La primera entrada de este blog fue la reseña de Emilia y también están aquí las de otros trabajos suyos tan sobresalientes como Ira y Mestiza. En Las gratitudes su trabajo ha estado acompañado por el de Macarena Sanz y Rómulo Assereto, dos jóvenes intérpretes que han sabido aportar esa calidez paciente y contenida que requerían sus personajes. Así que, una vez más, hemos tenido en Avilés otra estupenda noche de estreno en el Palacio Valdés.

 

Dossier

 

La vida extraordinaria

Dramaturgia y dirección: Marco Tenconi Blanco.
Una producción de Producciones Teatrales Contemporáneas.
con Malena Alterio y Carmen Ruiz.

20 de marzo de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 120’ aprox. Estreno absoluto.

Las vidas de Aurora y de Blanca. Dos amigas que lo son desde los cinco años y han llevado vidas separadas, pero finalmente se reencuentran. La sintonía es total. También en lo fallido de sus peripecias sentimentales.    

 

Tres partes con escisión en la segunda, la de los diarios amorosos de cada una. La primera es el encuentro en el entierro del padre de Aurora. La última es la reunión final de las dos. Hay también un prólogo y un epílogo audiovisuales sobre la nada, el todo y la vida. Un relato poético en blanco y negro que recuerda a Las potencias de diez de los Eames o al Calendario cósmico de Carl Sagan y que enmarca y da trascendencia a esta singular historia doblemente femenina. El tono de la obra no puede ser más mestizo. Tan naif como sarcástico y tan sicalíptico como tierno. El registro de los personajes es a la vez pretérito e intemporal. En el escenario están acompañados por la música en directo de un violín y un piano que subrayan, acompañan o matizan el tono de sus cuitas. Tanta mezcolanza es posible por el acierto de Marco Tenconi Blanco con un texto inesperado y el trabajo impecable de las dos actrices. Malena Alterio está magnífica en el personaje de Aurora  con el que añade un nuevo éxito a su buen hacer en el teatro (Los que hablan, Los amigos de ellos dos) y en el cine (Que nadie duerma). Y Carmen Ruiz está también estupenda con su poderosa interpretación del personaje de Blanca. Así que ha sido otra noche de estreno muy grata con esta obra inclasificable y cautivadora.

 

Dossier 

Viva!

Autoría y dirección: Daniel Olmos y Lisa Peyron
Producción: La Loquace Cie.
con Daniel Olmos y Lisa Peyron

14 de marzo de 2026. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Daniel y Lisa vienen de un pueblo de los Pirineos para contarnos la historia de Pepe y María, los abuelos de él. Ella es francesa y primero ayuda a Daniel con el relato de la vida de Pepe, pero luego será la que nos muestre el punto de vista de María. Daniel conoció hace poco la historia de sus abuelos. La del drama que vivieron juntos en 1936 y el terrible final de ella a manos de él en 1973.

Solo Daniel, Lisa, un escritorio, recado de escribir y poco más. En ningún momento  dejan de ser ellos mismos mientras nos cuentan la historia de los abuelos. Con una artesanía escénica muy sencilla consiguen que lapiceros, sacapuntas, serrín, papeles, cartones o cintas de celo se conviertan en metáforas de unas vidas castellanas que acabaron bajo la alfombra de la historia. El suyo es teatro sincero y modesto, capaz de provocar efectos máximos con recursos mínimos. La historia de Pepe y María es radicalmente local, pero nos resulta muy familiar a los españoles que crecimos ajenos a los tiempos pretéritos, pero conscientes de sus penalidades (eso que azules y rojipardos hoy se empeñan en negar). Viva! es memoria histórica con formato íntimo y artesanal. El mejor para este off teatral avilesino en el que ni los objetos más pequeños necesitan cámaras, pantallas ni amplificaciones para cobrar significado. Aunque con menos recursos, lo que hacen los de La Loquace Cie recuerda a propuestas escénicas tan sugerentes como las de Xavier Bobés en El mar (también sobre la memoria histórica), Cristina Blanco en El agitador Vortex, Magnum Soares en Jacarandá o las de la Agrupación Señor Serrano. Es verdad que el acento de Lisa puede parecer un inconveniente para encarnar a María. Sin embargo, el reconocimiento expreso de esa circunstancia y la ironía final de Daniel sobre la posibilidad de hacer otra obra en la que levanten la alfombra de la memoria histórica del colaboracionismo francés, hacen que ella y él nos parezcan la pareja perfecta para rescatar del olvido a aquella otra tan tristemente imperfecta. Así que esta obra, pequeña y delicada, cierra otro fin de semana teatralmente magnífico en nuestra ciudad. Y es que ayer (con segunda función hoy) comenzó aquí la gira nacional de Fuenteovejuna, de María Folguera y Rakel Camacho. Nosotros la habíamos visto en julio en Almagro, pero volvimos a disfrutarla anoche en el Palacio Valdés. Son las ventajas que tiene vivir en Avilés.

La patética

Autor y director: Miguel del Arco.
Producción: Centro Dramático Nacional y Teatro Kamikaze.
con Emilio Buale, Fran Cantos, Inma Cuevas, Israel Elejalde, Juan Paños, Manuel Pico y Francisco Reyes.

6 de marzo de 2026. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 120’ aprox. 

Pedro Berriel es un director de orquesta que, antes de morir, quiere grabar una versión perfecta de la Sinfonía Nº 6 de Chaikovski. Según el médico, le queda poco tiempo de vida y quizá por eso se siente acompañado por el propio compositor. Igual que él, Chaikovski también buscaba la gloria, sufría con las críticas y no quería que su trabajo se viera condicionado por su homosexualidad. 

 

Pathos, pasión, padecimiento, patético, ridículo. Variaciones semánticas, entre el griego y el castellano, sobre la palabra que da nombre a la famosa sinfonía de Chaikovsti. Y que quizá también presiden la compleja sintaxis con que Miguel del Arco compone esta obra inclasificable que, por momentos, tiene la hondura de un acercamiento serio al pathos de la creación artística, pero también la comicidad de esos tratos que los humanos pretenden hacer, a veces, con la muerte. De modo que La patética de Miguel del Arco tiene poco que ver con otras obras recientes sobre el mismo tema como La última noche con mi hermano o Tres noches en Ítaca. Sin rehuir la seriedad del asunto, su acercamiento es mucho más barroco y desatado, combinando la pasión y lo patético con hallazgos tan interesantes como que el propio compositor apostille y de consejos al protagonista o los encuentros que este tiene con el crítico, el médico, Putin, los colegas del barrio, su marido negro, sus padres y hasta con la gloria celestial. Esta última se les aparece alada a los dos en una escena enjundiosa y divertidísima a cargo de la, siempre magnífica, Inma Cuevas. Es una actriz capaz de desdoblarse en papeles muy diversos, igual que Francisco Reyes (impagable como crítico y como médico) o Juan Paños (un Putin odioso y un padre conmovedor). También está muy bien Jesús Noguero que muestra una contención perfecta en el papel de Chaikovski y, por supuesto, Israel Elejalde que es aquí el director de orquesta y casi el jefe de todo esto. La patética es una propuesta atrevida que se mete en jardines complejos: la Rusia de ayer y de hoy, la corrección política y el movimiento LGTBI, la posteridad, el papel de la crítica, la relación entre el autor y el director, la demanda de prórrogas ante lo inevitable, y algunos otros. Miguel del Arco consigue aunar todo eso con mucho tino  manejando como partitura nada menos que los temas de la música, la muerte y el silencio. Hay que destacar también el acierto de Paco Azorín en el diseño de un espacio presidido por dos paredes negras con formas acolchadas, como en una sala de grabación, que aquí tienen una relación especial con la luz, generando efectos ópticos e ilusiones visuales que resultan muy adecuadas para  enmarcar la pasión de quien compone, dirige o contempla esa ilusión de eternidad que caracteriza a la buena música antes de que llegue el silencio.

 

Programa de mano 

La balada del Norte

Autoría: Alfonso Zapico. Dramaturgia y dirección: Luis Alija.
Una producción: de Saltantes Teatro.
con Carlos Dávila, Enrique Dueñas, Carmen Gloria García, Ernesto González, Carla Loga, Alberto Rodríguez, David Varela y Nerea Vázquez.

4 de marzo de 2025. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 120' aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

La Revolución del 34 vista desde las peripecias de algunos de sus protagonistas. Por ejemplo, una familia minera y el hijo de un marqués que regresa a Asturias y quiere ser periodista. Hay personajes históricos como Lerroux, Gil Robles, Companys, Franco, Belarmino Tomás o Largo Caballero, pero también una pareja de enamorados que pertenecen a clases beligerantes. 

 

La magna obra de Alfonso Zapico llega a las tablas en esta obra coral con una escenografía muy versátil que, según se gire, puede representar un tren, una mina, un palacio, una cárcel o lo que haga falta. El elenco está muy compenetrado en un trabajo trepidante y muy exigente. Entre ellos destaca la gran presencia de Alberto Rodríguez y esa oralidad suya tan asturianísima. La balada del Norte tiene un tono entre documental y costumbrista con algunos aciertos notables. Por ejemplo, ese juego de luces y sombras que en la primera parte alterna los diálogos entre las gentes de la mina a la izquierda del escenario y los que mantienen a la derecha de los gerifaltes que los explotan. Sin embargo, la multiplicación de escenas breves no tiene siempre una cadencia tan acertada. Es como si la estructura en viñetas del original de Zapico se contagiara (deliberadamente o no) a la obra, mermando, en cierta medida, sus posibilidades poéticas. En todo caso, Zapico, Asturias, octubre del 34 y, en general, el imaginario de la minería, garantizan un gran éxito de público. Hoy el Palacio Valdés estaba lleno, algo que no ocurre con otras obras mayúsculas hechas también en Asturias.

 

Programa de mano 

Sensación térmica

Autoría: Mayte López. Adaptación: Adolfo Fernández. Codirección: Vanessa Espín y Adolfo Fernández.
Una producción de K Producciones y Late Producciones.
con Claudia Galán, Nora Hernández y Adriana Ubani.

27 de febrero de 2026. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 85’ aprox. Estreno absoluto.

Lucía ha llegado a una ciudad nórdica para ampliar sus estudios y huir de un padre maltratador. Allí comparte piso con Alma, otra joven que la ayuda a adaptarse. También se hace amiga de Juliana, una chica alegre y apasionada que entra en una relación de dependencia y sometimiento con un profesor exitoso, pero canalla. 

 

Claudia Galán, Nora Hernández y Adriana Ubani están magníficas en los papeles de esas jóvenes que buscan una vida mejor (o huir de lo peor) en tierras septentrionales. Las tres se encargan también de mostrarnos las formas, obscenas o sutiles, con que algunos machos, situados tanto al norte como al sur de la escala social y el prestigio cultural, han aprendido a controlar y maltratar a las mujeres. En una semana en que se han publicado nuevos datos sobre el distanciamiento de parte de la juventud masculina respecto del feminismo,  el estreno de esta obra resulta especialmente oportuno. Y no solo por la sutileza de la adaptación (conmueve recordar que estuvo a cargo de Adolfo Fernández), por una puesta en escena evocadora e intensamente azul y por el buen hacer de las actrices (Nora Hernández podría recibir mañana un Goya por su excelente papel en La cena), sino también por la necesidad de seguir denunciando ese machismo unas veces bronco y otras tácito, pero siempre dañino para la propia condición humana. Por eso resulta reconfortante que el público avilesino haya recibido tan bien este estreno. El aplauso ha sido muy cálido y sentido. Sin duda, es un reconocimiento al trabajo de las intérpretes, la autora y la directora. Pero también muestra sintonía con las intenciones de una propuesta tan comprometida como esta.

 

Dossier 

El día del Watusi

basada en la novela de Francisco Casavella. Adaptación y dirección: Iván Morales.  Dirección musical: Jordi Busquets y Eduard Alves.
una coproducción de Teatre Lliure, Los Montoya y Festival Grec de Barcelona.
con Guillem Balart, David Climent, Raquel Ferri, Anna Alarcón, Vanessa Segura, Artur Busquets y Eduard Alves.

20 de febrero de 2026. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 265’ aprox., con dos pausas. 

El 15 de agosto de 1971 fue el día del Watusi para Fernando Atienza. Un hito existencial que a los trece años marcó buena parte de su vida. Desde la miseria de su primera adolescencia en las casitas al pie de Montjuïc hasta los anhelos juveniles de tener una vida importante y el posterior repliegue hacia el amor y la música. Es la historia de un joven barcelonés entre los setenta y los ochenta. Pero también la de una ciudad y un país en plena mutación en aquel tiempo. 

 

Una trilogía potentísima  que ha sabido llenar como pocas obras el inmenso escenario del Niemeyer. Y desbordarlo, porque los personajes han saltado varias veces a los pasillos del auditorio. El elenco se convierte también en banda musical en la primera parte y en la tercera. En medio, un retrato de ciertas faunas de la transición, basado en la novela de Casavella, que en esta versión teatral podría haber firmado un Valle-Inclán redivivo (de hecho, hay referencias explícitas a Luces de Bohemia). Las interpretaciones son tan intensas e impecables como requieren unos personajes desgarrados, ambiciosos, dolientes y canallas. Los diálogos con micrófonos en mano tienen una fuerza que aporta a la historia un singular naturalismo entre trágico y poético. El día del Watusi es teatro coral y también musical sobre la adolescencia y juventud de un personaje aturdido. Y a la vez un retrato en tres tiempos de esa Barcelona elitista y suburbial, pero siempre fascinante, en los momentos anteriores a los olimpismos y gentrificaciones. Pero en esta propuesta descomunal y maravillosamente barroca hay también algo íntimo y existencial en el repliegue de la tercera parte. Algo que recuerda a otra joya de formato mínimo sobre otro personaje ensimismado que quedó arrasado por el tiempo y al que también acompañaba la música. Me refiero a Sé de un lugar y a la canción de Triana. El día del Watusi y  aquella primera obra son radicalmente distintas en formato, duración y complejidad. Pero en las dos Iván Morales demuestra su maestría para hacer conmovedora la intensidad de unos personajes heridos.

La última noche con mi hermano

Texto y dirección: Alfredo Sanzol
Producción: Centro Dramático Nacional y Teatre Nacional de Catalunya.
con Elisabet Gelabert, Ariadna Llobet, Nuria Mencía, Biel Montoro, Jesús Noguero y Cristóbal Suárez.

15 de febrero de 2026. Teatro María Guerrero, Madrid. 130’ aprox.

A Nagore le han diagnosticado un cáncer avanzado. Ella vive sola, pero tiene una relación muy estrecha con su hermano Alberto, que es muy feliz con Ainhoa. Nahia y Oier son los hijos de él y de ella. Los dos se llevan como hermanos. A Ainhoa le duele especialmente haber perdido la relación con el suyo. Se llama Claudio y es un reputado oncólogo al que ahora piden ayuda para afrontar y acompañar el final de Nagore.

 

Una reflexión honda y conmovedora sobre el acompañamiento en las circunstancias más difíciles. Alfredo Sanzol tiene el acierto de situarnos en el punto de vista de Nagore y que sea ella la que nos guíe. Así podemos entender mejor los tres binomios fraternos de esta familia desde la singular perspectiva de su personaje angular. De forma más patente que en otras obras anteriores, la ternura hiperrealista preside esta nueva aproximación de Sanzol al universo de la familia. Aquí hay desavenencias pretéritas de raíz política, pero predomina el afecto y la esperanza. Sentimientos que hacen tan deseable, pero tan difícil, sortear la desesperación. El título y el tema podrían hacer pensar que la congoja, el miedo o las resonancias con vivencias personales podrían hacer poco estimulante esta propuesta. Sin embargo, sucede lo contrario. Sanzol nos hace querer mucho a esos personajes, tan bien interpretados, en esas hermosas escenas que se van sucediendo de forma  tan fluida y sutil. De hecho, la referencia final al duelo con ese objeto que la hermana había recomendado al hermano, tiene una dulzura inigualable como broche de estas dos horas y pico de teatro delicado y cercano que se pasan en un suspiro. La última noche con mi hermano tiene afinidad temática con Tres adioses, la última película de Isabel Coixet. Pero lo que conmueve y hace recomendables ambas propuestas es la ternura vitalista que comparten Marta y Nagore, tan magníficamente interpretadas por Alba Rohrwacher y Nuria Mencía. 

 

Programa de mano 

El nudo gordiano

de Johnna Adams. Dirección: Israel Elejalde. Adaptación: Paula Paz
Producción: Teatro Español y Teatro Kamikaze.
con Eva Rufo y María Morales.

14 de febrero de 2026. Teatro Español (Sala pequeña - Margarita Xirgu), Madrid. 80' aprox. 

La madre de un alumno de primaria aparece el lunes en la clase para hablar con la tutora. El viernes su hijo había sido expulsado y llegó a casa con una nota para que ella acudiera al centro. Sola en el aula, la profesora no esperaba esa reunión porque durante el fin de semana el chico se suicidó. 

 

El encuentro más difícil. Para las dos. Para esa madre lúcida que quiere saber qué pasó y para la profesora que tomó aquella decisión. Las dos se enfrentan  a la tragedia y a la necesidad de escrutar las circunstancias de lo que sucedió. Para ello se habrán de asomar a la complejidad de la vida secreta de los menores superando el mito de la inocencia infantil. De todo eso trata esta obra sobre un texto soberbio de Johanna Adams, magníficamente adaptado por Paula Paz, por el que ha apostado Israel Elejalde con una dirección sobria e impecable que convierte en extraordinario el duelo interpretativo entre Eva Rufo en el papel de la profesora y María Morales en el de la madre. En fuera de campo queda esa jefa de estudios que no viene a la entrevista porque ese día ha cogido un permiso de asuntos propios (oportuna puya a la deontología declinante de un gremio que considera los moscosos como una conquista y no una vergüenza). Pero el magnífico texto de Johnna Adams, tan bien entendido por Israel Elejalde, va mucho más allá de las circunstancias trágicas que la maternidad (aquí no está ni se espera ninguna figura masculina) y la docencia (también femenina) han de afrontar en el cuidado de unos menores cuyas vidas, pretendidamente controladas, tuteladas y orientadas, no son bien conocidas. El nudo gordiano aporta también una certera reflexión sobre el arte y la vida (con un breve subtexto sobre el belicismo y el machismo), sobre la ética y la estética, en estos tiempos asediados por los tópicos y los miedos, valga la redundancia. El nudo de este conflicto trata de un tema próximo al de una película extraordinaria y radicalmente teatral. Me refiero a Mass de Fran Kranz. Ambas comparten el carácter gordiano de sus respectivos conflictos y la necesidad de matizar para entender, de escuchar para comprender, y de asumir que es posible lamentar la imposibilidad de perdonar. Así que bravo por Johnna Adams, por Israel Elejalde, por Eva Rufo y por María Morales. Por su excelente trabajo y por ofrecernos esta prueba de que es mucho más importante entender los nudos gordianos que cortarlos. 

Programa de mano