viernes, 2 de septiembre de 2022

Retorno al hogar

Autor: Harold Pinter. Dirección y adaptación: Daniel Veronese.

Producciones Teatrales contemporáneas.
con
Miguel Rellán, David Castillo, Fran Perea, Alfonso Lara, Juan Carlos Vellido y Silma López.

2 de septiembre de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 90’ aprox. Estreno absoluto.

Teddy vuelve de América con Ruth a la casa de su familia en Londres. Allí viven su padre Max, su tío Sam y sus hermanos Lenny y Joey. Ellos ni siquiera saben que está casado y que tiene tres hijos. Los cuatro forman una familia arisca y asfixiantemente masculina. Así que el regreso de Teddy y la presencia de Ruth desvelarán y cambiarán muchas cosas. También para estos.
 
Soy devoto de Pinter. Así que de este texto, con este elenco y con la dirección de Veronese ya me esperaba lo mejor. Y la verdad es que esta noche de estreno ha sido extraordinaria. Absolutamente todo ha estado fascinante. Por ejemplo, lo bien que Veronese ha entendido la potencia del texto y la forma en que ha sabido modular los tiempos y las transiciones para aprovechar al máximo esa combinación de naturalismo sórdido y comedia inquietante tan propia de Pinter. Y qué decir de Miguel Rellán en el papel de Max, con esa presencia hipnótica y total cuando habla, cuando apostilla, cuando se mueve, cuando calla y hasta casi cuando su personaje no está en escena. O de Fran Perea y David Castillo que han estado perfectos en los papeles de esos hermanos menores de maneras intensas, turbias, atormentadas y esquivas. O de Juan Carlos Bellido clavando el papel de Teddy, el personaje que más tiene que perder. O de Alfonso Lara interpretando magníficamente a ese Sam doliente y sensato que tanto ha perdido ya (la mirada moral de este personaje podría ser en cierto modo un trasunto de la del objetor de conciencia que fue el propio autor). O de Silma López que consigue hacer del personaje de Ruth el contrapunto al de Max dándole además la mayor hondura a esos momentos detenidos en los que ella absorbe toda la atención y sus gestos se convierten en espectro poético. En este inquietante microcosmos familiar se van trenzando juegos de simetrías entre lo que vemos y lo que no. Porque lo que no sabemos de los presentes resulta tan importante como la atracción de los ausentes: los tres hijos que ha tenido Teddy igual que Max, el secreto de Ruth y los de la madre de su marido, aquel amigo llamado McGregor con el que Max compartió a su mujer. Y es que el fuera de campo se ubica directamente en la mente del espectador, obligado a llenar los huecos y a interpretar los puntos de fuga, a imaginar qué hicieron Ruth y Joey durante esas dos horas en la habitación de arriba o a buscar las simetrías entre la tesis de la filosofía académica de Teddy en el ejemplo de la mesa (quizá un guiño de Pinter al conocido ejemplo de Russell en Los problemas de la filosofía), la antítesis de la filosofía mundana de su hermano Lenny que reniega de lo trascendente y la síntesis a la que apunta Ruth con su inteligente reflexión cuando pone la pierna sobre la mesa. Y en medio de este animalario que no deja de porfiar, Veronese ha decidido puntuar algunas de sus dentelladas con unas desconcertantes risas enlatadas que acabarán por ser menos impertinentes que las del propio público cuando se acerca esa desoladora propuesta del tramo final con la que Pinter lleva al extremo y denuncia  unas pulsiones machistas para las que las mujeres solo pueden ser madres venerables o putas despreciables. Por eso es tan acertado ese final que le da el mayor protagonismo al personaje de Ruth y la salida hacia el fondo de un Sam aturdido que bien podría ser el propio Pinter regresando a las cocinas de la creación escénica. Un final que Veronese ha decidido prolongar evitando el oscuro en el escenario ya vacío y trasladándonos una leve luz ante la que no sabemos bien cuándo deberíamos romper el silencio. Quizá para que, como debe ser, lo preservemos unos instantes para poder pensar sobre lo que hemos visto. Otro acierto más de un director que, por si fuera poco, nos regala en el dossier un texto magnífico sobre el cariz de una historia a la que creo que le ha añadido un sugerente preámbulo con ese pequeño relato de la casa de madera que no encuentro en el texto. Retorno al hogar es, por tanto, una joya. Y esta noche de estreno ha sido memorable. Así que nadie debería perderse lo que han hecho Veronese, Rellán, Castillo, Perea, Lara, Vellido y Silma López con este turbador texto del gran Harold Pinter.   
 

domingo, 14 de agosto de 2022

Los Dioses y Dios

Reflexión libre a partir de “Antifrión”, de Plauto. Versión y dirección: Rafael Álvarez.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la Compañía de Rafael Álvarez, “El Brujo”.
con
Rafael Álvarez, “El Brujo”.

14 de agosto de 2022. Ruinas de Cáparra. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 85’ aprox.

El Anfitrión de Plauto comentado por El Brujo. Con la irreverencia surrealista que le caracteriza. Hablando sin ton ni son de lo divino y de lo humano. De lo universal y lo local. Y haciendo sátira de todo dios.

El Brujo es un género en si mismo. Con él es completamente cierto que cada función es irrepetible. En Cáparra se mete con Mérida y le saca mucho partido a la demora del comienzo. La conexión con el público es inmediata porque su habilidad monologuista es distinta y anterior a la aparición de esa estirpe televisiva. Su genealogía tiene que ver más bien con los juglares medievales y los comediantes del Barroco. Su casa son los clásicos pero su despensa está llena de presente. Por eso se hace tan corta esta hora y media en la que casi da igual que nos hable de Plauto, de la ópera o de los murciélagos que le han acompañado esta noche.

sábado, 13 de agosto de 2022

Las suplicantes

Versión libre de Silvia Zarco sobre las obras homónimas de Esquilo y Eurípides. Dirección: Eva Romero.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Maribel Mesón.
con
María Garralón, Juan Ant. Mancha, Carolina Rocha, Rubén Lanchazo, Cándido Gómez, Laura Moreira, Nuria Cuadrado, Maite Vallecillo, Eduardo Cervera, Javier Herrera. Voz Diosa: Luisa Gavasa.

13 de agosto de 2022. Ruinas de Cáparra. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 85’ aprox.

Las suplicantes de Esquilo son un grupo de mujeres que huyen de los egipcios que pretendían casarlas contra su voluntad. Conducidas por su padre llegan a Argos para pedir protección al rey que, tras consultar con su pueblo, decide ayudarlas. Las de Eurípides son las propias mujeres argivas las que piden ayuda a Teseo, rey de Atenas, para que interceda ante los tebanos y les permita recuperar los cuerpos de sus hijos muertos en la guerra. 

Silvia Zarco combina muy bien las dos historias y Eva Romero tiene el acierto de convertirlas en una tragedia coral en un escenario sobrio que aprovecha al máximo la fuerza visual de este arco bimilenario en una noche en la que hasta la luna naciente parece querer ayudar a las suplicantes. La obra es sobriamente coreográfica y visualmente poética. Además consigue algo tan difícil como evocar temas intemporales (el auxilio a los refugiados, la libertad sexual de las mujeres, la memoria, el duelo y el derecho a dar sepultura a los muertos) sin caer en lugares comunes ni en tópicos edificantes. Así que, tras el desastre de anoche, las piedras de Cáparra, y especialmente las de su arco, recuperan su magnetismo como punto de fuga capaz de cautivar la atención ante los dramas más clásicos. El de las suplicantes quizá parezca marginal en la literatura griega, pero en esta magnífica noche no ha podido ser más central, conmovedor y pertinente.

viernes, 12 de agosto de 2022

Mercado de amores

de Plauto. Versión de Eduardo Galán. Dirección: Marta Torres.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida Festival de Mérida, Secuencia 3, Saga Producciones, Teatro de Malta, Summum Music y Hawork Studio.
con Pablo Carbonell, Victor Ullate Roche, Ania Hernández, José Saiz, Francisco Vidal / Javier Ortiz, Esther Toledano / Leyre Juan.

12 de agosto de 2022. Ruinas de Cáparra. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 100’ aprox.

Erotía vuelve con su esclavo Carino a Roma donde la espera su padre Pánfilo. Ella quiere casarse con Carino y para conseguirlo se le ocurre disfrazarlo de esclava y llamarlo Carina. El problema es que Pánfilo queda prendado de ella y quiere comprársela.

Pablo Carbonell no se mete en su personaje. Más bien hace de Pablo Carbonell haciendo de un rico y rijoso mercader romano. El resto del elenco también viene bien surtido de esos resortes que activan la risa de un público muy dispuesto. Y es que un borracho, un travestido, una chica desenvuelta y unos maduros salidos pueden ser suficiente para que se establezca ese extraño pacto según el cual los intérpretes harán muchas chorradas y el público les reirá las gracias. Poco importa que la iluminación sea plana, la dirección sonrojante y el decorado parezca querer ocultar el arco de Cáparra. Casi mejor. Así puedo olvidarme de que estoy aquí viendo esto.

jueves, 11 de agosto de 2022

Hipatia de Alejandría

Dramaturgia: Miguel Murillo y Pedro A. Penco. Dirección: Pedro A. Penco.

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y De Amarillo Producciones.
con Silvana Navas, Rafael Ortíz, Antonio M.M., Alberto Puerto, Paca Velardíez, Chema Pizarro, Juan Carlos Tirado, Francis Lucas, Gema González.

11 de agosto de 2022. Ruinas de Cáparra. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cáparra. 110’ aprox.

Hipatia hereda del sabio Teón el ansia por conocer y la voluntad de dudar. Apasionada por la astronomía y las matemáticas renuncia al amor y se entrega al cultivo del saber y a su cátedra. Hasta que las hordas del obispo Cirilo la asesinan.

Comienza esta nueva edición de la extensión del festival de Mérida en Cáparra con la luna en el perigeo y noche de perseidas. De modo que esta Hipatia de Alejandría no podía estar mejor acompañada en este hermoso cielo extremeño: la luna ascendiendo sobre el arco, Saturno un poco a la izquierda y Júpiter asomando sobre las montañas que separan los valles del Ambroz y del Jerte. De modo que aún cobra mayor significado ese coro de cinco giróvagos que representan a los cinco planetas conocidos cuando vivía Hipatia o cuando se construyó este arco. La escenografía es sencilla para dar el mayor protagonismo a un relato que reivindica las luces de la razón frente a la intransigencia. Un conflicto que, por lo demás, sigue muy vivo todavía hoy, como estamos comprobando en este verano en que las terribles evidencias del cambio climático comparten espacio en los informativos con la encendida defensa de las luces en los escaparates de la ardorosa Cirila madrileña. Sin embargo, la apuesta ilustrada y feminista que vertebra esta obra pierde fuerza al estar protagonizada por una Hipatia (quizá demasiado joven) que se presenta más como hija y mujer amada que como sabia respetada a la que asesinaron cuando tenía sesenta años Por lo demás, el relato de sus contribuciones astronómicas incurre en errores (también presentes en la película de Amenábar) como el descubrimiento, más de mil años antes que Kepler, de la forma elíptica de las órbitas planetarias. En todo caso, resulta oportuno y meritorio este homenaje a una mujer que demostró lo mucho que aportaron (o que podrían haber aportado) las mujeres a la historia de la ciencia. Y también lo dañinos que han sido los Cirilos de todos los tiempos.

domingo, 7 de agosto de 2022

Pesadilla de una noche de verano

escrita y dirigida por Jesús Manchón a partir del clásico de William Shakespeare.

una coproducción de Escenamateur (España) y Universidad Nacional de las Artes (Argentina).

7 de agosto de 2022. Plaza de la Corredera, Alcántara. 36º Festival de Teatro Clásico. 90’ aprox.

Dos compañías de jóvenes teatreros están ultimando (quizá sea mucho decir) los ensayos de El sueño de una noche de verano. Unos intérpretes son argentinos y otros son españoles pero todos tienen mucho carácter. Faltan pocas horas para el estreno y ni siquiera está del todo claro quién dirige la obra. Por momentos asistimos a algunas escenas muy logradas del clásico de Shakespeare pero también a la intimidad de la creación escénica y sus paranoias.

Tras la representación del Tartufo de Ernesto Caballero en la Conventual de San Benito nos hemos acercado a la Plaza de la Corredera para ver este estupendo espectáculo de la programación off del Festival de Alcántara. Está coproducido por Escenamateur de España y la Universidad Nacional de las Artes de Argentina y es una excelente muestra de la buena salud creativa de la juventud escénica de ambos países y de lo bien que se entienden y lo mucho que aportan este tipo de hibridaciones en las que el aparente desconcierto está tan bien concertado. Nuevamente metateatralidad, pero también destreza interpretativa, excelente dirección (de Jesús Manchón habíamos visto el año pasado un excelente Cayo César en Cáparra) y muchísima ironía binacional (con discurso de Eva Perón incluido) han hecho que regresemos encantados a la hospedería  pasadas las tres de la mañana. Así que ha sido otro reencuentro delicioso con esta bonita esquina extremeña en la que a principios de agosto se puede ver tan buen teatro. Volveremos.

Tartufo de Molière

Versión y dirección: Ernesto Caballero.

una producción de Lantia Escénica.
con Pepe Viyuela
, Paco Déniz, 
Silvia Espigado, 
Germán Torres, 
María Rivera, 
Estibaliz Racionero, 
Javier Mira y 
Jorge Machín.

7 de agosto de 2022. Conventual de San Benito, Alcántara. 36º Festival de Teatro Clásico. 115’ aprox.

Una compañía de teatro está a punto de representar el Tartufo de Molière. El actor protagonista tiene algunas dudas sobre la relevancia actual de las cuitas del patético Orgón abducido por ese hipócrita meapilas. Algunas de ellas encontrarán respuesta en los comentarios de Dori, una joven limpiadora que se ha animado a interpretar el papel de la deslenguada Dorina.

Volvemos después de cuatro años a Alcántara para disfrutar de otra noche de buen teatro en un lugar tan hermoso como la Conventual de San Benito (y de la estancia en la Hospedería Conventual de Alcántara). Nadie cuestiona hoy el acierto de Adolfo Marsillach cuando apostó por actualizar los clásicos a través de juegos metateatrales. Sin duda, se corren riesgos con ello pero hay que reconocer que las dudas que nos plantea Pepe Viyuela sobre el interés actual del texto de Molìere son más que razonables (de hecho, lo diáfano de esta comedia no se ve acompañado por la sutileza y la belleza presentes en tantos textos de Lope). De modo, que Ernesto Caballero ha acertado plenamente en el tono y el ritmo de esta obra en la que el clásico de Molière sigue intacto pero se ve oportunamente apostillado por esas paradas reflexivas del gran Pepe Viyuela sobre las acciones de su personaje y por la agudeza y el desparpajo de esa Dori casi Choni. El recital interpretativo de Viyuela aporta mil matices geniales en este Tartufo que van desde la hilarante impostura del santurrón hasta el dramatismo de un Drácula. El resto del elenco está también soberbio en una obra que, descansando en gran medida en el magnífico trabajo de Pepe Viyuela, no deja de ser por ello notablemente coral. El merecido e intenso aplauso final creo que ha sido muy bien recibido por el equipo. Ojalá también le llegue a Ernesto Caballero este reconocimiento por su acierto en este trabajo.

sábado, 30 de julio de 2022

De Sheherazade

Dirección: María Pagés y El Arbi El Harti. Coreografia, diseño de vestuario, dirección musical: María Pagés. Dramaturgia, textos y letras: El Arbi El Harti.

Compañía María Pagés.
Bailaora: María Pagés. Bailaoras: Júlia Gimeno. Marta Gálvez, Almudena Roca, Ariana López,
Meritxell Rodríguez,  Nerea Pinilla, Sofía Suárez, Yardén Amir, Marina Madiedo, Raquel Guillén. Cantaoras: Ana Ramón Muñoz, Cristina Pedrosa. Guitarra: Rubén Levaniegos, Isaac Muñoz. Violín: David Moñiz. Cello: Sergio Menem. Percusión: José María Uriarte.

30 de julio de 2022. Teatro Romano. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 85’ aprox.

Diez bailaoras y dos cantaoras acompañadas por guitarras, violín, cello y percusión. Y, por supuesto, María Pagés...

Sororidad entre el flamenco y los textos. Entre lo orientalizante y lo contemporáneo... En De Shehrazade todo es complicidad femenina y feminista. Con la belleza, la música y la danza. Hace casi once años María Pagés estrenaba en el Centro Niemeyer Utopía, aquella genialidad inspirada en las curvas blancas que diseñaba el arquitecto brasileño. Dentro de pocos meses volverá a Asturias para recibir el Premio Princesa de las Artes. Y en esta noche de julio hasta la Luna, tímidamente creciente, ha querido acompañarla para que quedara muy claro que esta mujer, de brazos poéticos, merece más que nadie ese premio. En De Sheherezade todo es perfecto y conmovedor. La música, el cante, la iluminación y, por supuesto, esas once magas del movimiento y la emoción que son capaces de fundirse hasta hacerse árbol, de empuñar delicadamente los libros, de mariposear con abanicos, de hacer de un abrazo un círculo o de conseguir que parezca que hasta la diosa Ceres quería levantarse para bailar con ellas esta noche. En Mérida hay obras que parecen asustadas por estas piedras. Otras que quieren competir con ellas y acaban por ofenderlas. Pero hay algunas noches en que hasta las piedras se emocionan y agradecen tanta belleza. Creo que Maria Pagés lo ha podido sentir hoy.

Las bingueras de Eurípides

Autora: Ana López Segovia. Dirección: José Troncoso.

Una producción de Las Niñas de Cádiz.
con Ana López Segovia, José Troncoso, Teresa Quintero, Rocío Segovia, Alejandra López, Fernando Cueto.

30 de julio de 2022. Teatro María Luisa. 68º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. 65’ aprox
.

Tres amigas se reúnen por las tardes en un local para ponerse al día y jugar al bingo. Una de ellas invita a otra  que acaba de quedarse viuda y le vendrá muy bien el buen rollo de Dionisia, la animadora del grupo. Por la zona rondan dos policías, uno gaditanísimo y tan majete como ellas y el otro muy serio y muy sieso. Este está empeñado en detenerlas por actividades ilegales. Lo llaman el Schwarzenegger y resulta ser el hijo de la viuda.

Volvemos a Mérida donde se acaba de abrir el recién reformado Teatro María Luisa y se programan aquí algunas obras del festival. De modo que aprovechamos para hacer programa doble y luego iremos al teatro romano para ver De Sheherazade, el nuevo espectáculo de María Pagés. A Las Niñas de Cádiz las vimos hace unos meses en el Valey con El viento es salvaje y estaban magníficas. Aquí también están estupendas en esta historia en la que Dionisos es Dionisia y promueve catarsis con rimas chirigóticas. Las cuatro están perfectas en los papeles de esas gaditanas sufridoras pero alegres y sin complejos. Y ellos son el contrapunto más adecuado haciendo de ese poli bueno y jaranero que lleva saldalias y calcetines blancos y de ese poli malo y desabrido que habla fino y no se quita las gafas de sol. La obra tiene mucha gracia y da gusto verla en este flamante teatro. Y aún más con el llenazo de un público entregadísimo que se lo pasa de lo lindo y lo demuestra en todo momento.

domingo, 24 de julio de 2022

Lo fingido verdadero

de Lope de Vega. Dirección: Lluís Homar.
producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico.
con Silvia Acosta, María Besant, Montse Díez, Miguel Huertas, José Ramón Iglesias, Ignacio Jiménez, Álvaro de Juan, Jorge Merino, Aisa Pérez, Paco Pozo, Arturo Querejeta, Verónica Ronda, Aina Sánchez, Eva Trancón.

24 de julio de 2022. Teatro Adolfo Marsillach, 45º Festival de Almagro. 120’ aprox.

En la primera jornada vemos cómo Diocleciano pasa de ser un militar muy apreciado a convertirse en emperador. En la segunda, lo vemos como mandatario razonable que prefiere el realismo del teatro al sadismo del circo. La tercera jornada será la de la transgresión entre realidad y ficción. Así que Diocleciano tendrá que participar en la obra en la que Gines representa y vive su conversión cristiana y finalmente su martirio.  

Lo singular de Stanislavski y Pirandello anticipado por Lope. Lo fingido verdadero contiene en su primer tramo una reflexión sobre el poder en la que Lope combina esa crudeza y lucidez que parece patrimonio Shakespeare. Pero lo mejor viene después. Cuando, en esta historia apta para tantos públicos (por ejemplo, los del siglo XVII y los del XXI), se nos ofrece una maravilla metateatral acerca de la distancia entre el intérprete y el personaje y también una mirada especular sobre la ontología del escenario. Lluís Homar lo está haciendo muy bien en la Compañía Nacional de Teratro Clásico. En su labor como director y también cuando elige y dirige obras como esta. No pudimos verla en Madrid, pero hemos podido disfrutarla ahora en esta última noche del Festival de Almagro. Había leído maravillas sobre la interpretación de Israel Elejalde como Gines. Pero Nacho Jiménez ha estado perfecto en ese papel. También todos los demás (impresionante, por ejemplo, Arturo Querejeta en el papel de Diocleciano) que derrochan calidad en esta propuesta teatral tan contenida en lo formal y tan contudente en  su capacidad de destilar toda la belleza, la profundidad y la fuerza del mejor Lope (si es que en él caben grados). Así que han sido solo dos días en Almagro. Pero, una vez más, deliciosos. Volveremos. 

Programa de mano

Yo solo vine a ver el jardín

A partir de "Los jardines y campos sabeos" de Feliciana Enríquez de Guzmán. Dramaturgia y dirección: Carla Nyman.
producción: Amor&Rabia.
con Lluna Issa Casterà.

24 de julio de 2022. Teatro Municipal de Almagro, 45º Festival de Almagro. 90’ aprox.

Soliloquio  existencial de una joven que elige tener una sexualidad plural. Concretamente con seis hombres con los que tiene contactos virtuales y los invita a su jardín. La vemos en su erotismo ensimismado pensando en las cosas que más le gustan. Luego la veremos también con ellos. Desnudos en el suelo. O convidados a su mesa.

Yo solo vine a ver el jardín ha ganado el XI Certamen Almagro Off. Por eso se programa en este último día del festival. La referencia a los textos de Feliciana Enríquez de Guzmán es muy leve. Tanto que se podría pensar que lo poco que de ellos contiene esta obra fue incluido para cumplir los requisitos de este Off almagreño. Hay que reconocer que Lluna Issa Casterà tiene soltura en el escenario. Sobre todo en su expresión corporal y vocal. Sin embargo, lo que se propone aporta poco y resulta reiterado. Nada que ver con trabajos superlativos, mucho más radicales e intencionados, con los que podría compartir formato. Estoy pensando, por ejemplo, en los de Barbara Mestanza (La mujer más fea del mundo o Pocahontas o la verdadera historia de una traviesa). Por lo demás, la última cena demediada con seis comensales elegidos de entre el público se acaba convirtiendo en un divertimento para algunos de ellos que provoca sonrisas en el patio de butacas. Me temo que eso no estaba previsto.

sábado, 23 de julio de 2022

La celosa de sí misma

de Tirso de Molina. Adaptacióin y  dirección: Santiago Doria.
producción: Compañía Argentina de Teatro Clásico.
con Irene Almús, Gastón Ares, Andrés D'Adamo, Mónica D'Agostino, Pablo Di Felice, Luis Longhi, Francisco Pesqueira y Ana Yovino.

23 de julio de 2022. Corral de Comedias, 45º Festival de Almagro. 85’ aprox.

Melchor es un leonés que llega a Madrid para casarse con Magdalena. El enlace está pactado con el padre de ella pero, antes de conocerla, queda prendado por la belleza de otra mujer a la que ha visto en una iglesia. En realidad de su mano, que es lo único que ha llegado a ver de ella. Él la cree condesa y repite encuentros en los que solo volverá a ver esa mano y apenas un ojo. Eso será suficiente para que él se sienta rendido por esa mujer y desprecie a su prometida. Pero lo cierto es que no hay tal condesa. Melchor no lo sabe pero la cautivadora mano es también de Magdalena, así que la actitud de él hace que ella se acabe sintiendo celosa de sí misma.

Esta tarde hemos visto una comedia de Lope con el dios del amor enamorado y ahora vemos otra de Tirso con una madrileña celosa de si misma. El enredo es notable y podría ser un antecedente de muchas comedias televisivas. Aunque todo transcurre en los corredores del escenario de este Corral de Comedias sin más escenografía, es fácil imaginar la fascinación que sentirían ese leonés y su criado recién llegados a los madriles. Y aún resulta más interesante escuchando el verso primorosamente dicho con acento argentino por los intérpretes de esta Compañía de Teatro Clásico que, como los de El amor enamorado que hemos visto esta tarde, no solo saben pronunciar con fuerza y claridad el verso sino darle la expresividad justa que conviene a cada lance.

El amor enamorado

de Lope de Vega. Versión: Fernando Sansegundo. Dirección: Borja Rodríguez.
producción: MIC Producciones y 300 Alas Blancas.
con Teté Delgado, Juan de Vera, Abraham Arenas, Raquel Nogueira, Anabel Maurín, Rafa Núñez, Alba Cuartero, Rubén Casteiva.

23 de julio de 2022. Antigua Universidad Renacentista (AUREA), 45º Festival de Almagro. 100’ aprox.

Unos aldeanos viven asustados por los ataques de una gran serpiente. Hasta que Phebo la mata y desde entonces se celebran las fiestas de Pitón. Ese es el contexto de una serie de litigios entre dioses y humanos en los que también participan Venus, Dafne, Sirena y sobre todo Cupido, el dios niño del amor que también acabará enamorado.

El río no es el Peneo sino el Eume y el entorno no es en Tesalia sino en Galicia. Por lo demás, puro Lope superlativo con una puesta en escena impecable, un elenco afinadísimo y el punto perfecto para una comedia divina en la que se enredan y porfían los humanos y los dioses. Los ocho actores dicen el verso de maravilla porque han entendido que eso también se hace con el gesto y con el cuerpo. Su trabajo es magnífico. Sin histrionismos, pero con la expresividad justa para que intérpretes y personajes se luzcan con las hermosas frases de Lope. La versión de Fernando Sansegundo pone y quita poco al texto. Lo que pone nunca chirría y lo que quita es lo justo para que la duración sea perfecta. Así que ha sido un magnífico comienzo para este fin de semana en el Festival del Almagro.  

viernes, 24 de junio de 2022

Los santos inocentes

Autor: Miguel Delibes. Versión: Fernando Marías y Javier Hernández-Simón. Dirección: Javier Hernández-Simón.
GG Producción Escénica y Teatro del Nómada

con Javier Gutiérrez, Pepa Pedroche, Yune Nogueiras, José Fernández, Fernando Huesca, Luís Bermejo, Raquel Varela, Jacobo Dicenta, Marta Gómez.

24 de junio de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 140’ aprox.

Paco el Bajo y Régula vuelven de La Raya al cortijo. Vienen con el Quirce, la Nieves y la niña chica. También llegará Azarías y su milana bonita.

Era imposible. Sucede pocas veces que una obra maestra de la literatura inspire una obra cumbre en la historia del cine y que cada una de ellas haga aún más grande a la otra. Por eso es tan complicado llevar al escenario Los santos inocentes, una historia de poética sutil y contenido hiperrealista. Y aún más difícil si los espectadores tenemos reciente la película (la han vuelto a poner hace poco en televisión con motivo de la muerte de Juan Diego) o hemos vuelto a leer la novela (yo lo hice esta semana). Pero tampoco a quienes no hayan visto la película de Camus (¿habrá alguien?) o no hayan leído la novela de Delibes les resultará ajena esa milana bonita que hasta da nombre a una asociación reivindicativa extremeña. El primer problema de llevar la obra a las tablas es el lenguaje: ¿ser fiel a Delibes y a la forma de hablar entre Zafra y La Raya o adoptar un ruralismo canónico que solo resultará convincente a los urbanitas para los que el campo es un destino turístico? El segundo problema, aún más complejo, es el reto de los actores: ¿cómo ser Azarías, Paco el Bajo o el señorito Iván obviando a Paco Rabal, a Alfredo Landa o a Juan Diego? Y lo mismo para los demás personajes e intérpretes, cuyos modos, gestos y palabras están en la memoria todos. Este segundo reto era prácticamente insuperable (como lo es cantar los poemas de Machado o de Miguel Hernández intentando separarse de Serrat). Pero aún así hay que decir que los intérpretes han hecho un trabajo muy digno porque han tenido que vérselas, en cada frase y en cada gesto, con la comparación que el espectador hace en su mente con aquellos trabajos inconmensurables. Pero lo que más me chirría es el intento de completar a Delibes con actualizaciones tópicas de los personajes de Nieves y de Purita, haciendo de esta la mujer maltratada del pasado y de aquella la mujer liberada del futuro. En todo caso, esta obra quizá sirva para que se vuelva a ver la película o a leer el libro. Y eso no es poco.

viernes, 17 de junio de 2022

Ir a Saturno y volver

Dramaturgia: Marta Barceló. Dirección: Núria Vizcarro.
Una producción de Cultural-Ment
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Marga López.

17 de mayo de 2022. Centro Niemeyer (club), Avilés. 70’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Rosa se despide de sus alumnos del instituto. Tiene un cáncer de mama y le espera un tratamiento complicado. Como un viaje a Saturno del que tiene que volver.

Rosa nos cuenta las etapas del viaje. La forma en que reaccionaron los alumnos cuando se lo dijo. Aquel otro viaje a Logroño en el que no se atrevió a decírselo a su madre. La deliciosa ingenuidad de sus hijos que resultó tan reconfortante. Y el apoyo de las mujeres con las que compartió salas de espera, miedos y esperanzas. La forma en que Marga López evoca todo eso hace que casi veamos a Fede, el alumno algo bruto que acabó siendo como de la familia. A la madre amorosa con sus ironías impagables. A los niños que bromean con lo bien que les sienta la calva a los astronautas. Y por supuesto a Ester y las demás compañeras del viaje a Saturno. Entre el público seguro que muchos teníamos en mente otros nombres para Rosa y otras circunstancias para el mismo viaje. Incluso es posible que esta noche no hayan querido venir aquellos a los que este tema se les hace insoportable. Ir a Saturno y volver es un estupendo monólogo que solo tiene un problema. Que lo vemos pocos meses después de Sí, a todo.

miércoles, 15 de junio de 2022

Cine María Cristina

Dramaturgia y dirección: José Troncoso.
Producción: El Callejón del Gato
.
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on Ana Eva Guerra, Beatriz Canteli, Borja Roces.

15 de junio de 2022. Teatro Palacio Valdés, Avilés. 65’ aprox. Ciclo "Hecho en Asturias".

Doña Consuelo no se quiere poner nostálgica. Es la dueña del cine María Cristina que acaba de cerrar en Gijón. Esta noche se encuentra con los espectros y recuerdos de quienes habitaban aquella sala.

Con la solvencia propia de El Callejón  del Gato asistimos a esta evocación nostálgica por más que doña Consuelo no lo quiera. Y así vemos a los personajes del viejo ecosistema cinematográfico que reviven la intensidad de aquellos tiempos en los que el cine se veía en los cines y en las ciudades había muchos. Los personajes hablan con la frescura propia de las frases hechas en versión asturiana y se mueven componiendo estampas evocadoras. También las de esa parte final en la que los vemos en la pantalla volviendo a la calle Corrida y encontrando una tienda de bragas donde antes estaba su cine. De todas formas, la evocación no debe ser derrotista. Es verdad que los cines clásicos ya no están, pero ayer vi una película en la Casa de la Cultura y mañana veré otra en el Niemeyer (curiosamente también sobre el propio cine). Y hoy mismo he publicado en Cuadernos de Pedagogía un artículo en el que reivindico el arte de esculpir en el tiempo. Así que, como dice doña Consuelo, no nos pongamos nostálgicos.

viernes, 10 de junio de 2022

Variaciones enigmáticas

de Eric-Emmanuel Schmitt. Versión de Alberto Iglesias. Dirección: Román Calleja.
Producción: Palco Tres.
con Juan Gea y Alberto Iglesias.

10 de junio de 2022. Centro Niemeyer (auditorio), Avilés. 100’ aprox.

Erik Larsen llega  a una isla noruega  en la que vive ajeno a todo Abel Znorko, un premio Nobel de Literatura que acaba de publicar en libro con las cartas de amor que intercambió con una mujer. El motivo de la visita es hacerle una entrevista para un periódico provinciano. Aunque la verdadera razón es otra. Y es que la mujer de la que el escritor se separó hace doce años y con la que, desde entonces, mantuvo una apasionada correspondencia era la esposa de Larsen. Y falleció hace diez.

Durante buena parte de la obra las variaciones no son tan enigmáticas. De hecho, vamos intuyendo lo que cada uno de esos hombres esconde o ignora antes de que se revele. Es verdad que en el tramo final la cosa se acelera y cobra cierto interés la pregunta sobre si el amor puede mantenerse por correspondencia o si, en tal caso, sería posible obviar el sexo de los amantes epistolares. Pero es poco aliciente para una obra a la que no le ha sentado muy bien el paso del tiempo. Ni siquiera con ese subtexto sobre la homosexualidad que quiza explica por qué se representa ahora.

domingo, 22 de mayo de 2022

Cómo hemos llegado hasta aquí

Dirección: Andrea Jiménez. Autoría: Olga Iglesias y Nerea Pérez de las Heras. Dramaturgia: Olga Iglesias, Nerea Pérez de las Heras y Andrea Jiménez.
Una producción de Teatro del Barrio
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Olga Iglesias y Nerea Pérez de las Heras.

22 de mayo de 2022. Centro Niemeyer (club), Avilés. 75’ aprox. Ciclo Off-Niemeyer.

Nerea nos ha traído esta noche a Olga, una chica de Plasencia que no ha conseguido superar los complejos que la machacan desde niña ni tampoco la relación con su madre. A modo de concurso casposo o programa televisivo con aires de denuncia, Nerea intenta redimir a Olga sin caer en el panfleto de autoayuda ni en los alienantes rollos de la superación personal. Y con la ayuda del público quizá lo logre.

Nerea, Olga y Andrea. Las tres están geniales en este artefacto perfecto que es a la vez testimonio, parodia, denuncia y espejo. A las dos primeras las vemos en este escenario íntimo en el que la complicidad con el público es inmejorable. Y Andrea nos aporta ese estilo inconfundiblemente hilarante, tierno y crítico que caracteriza todas las obras que ha hecho con Noemí Rodríguez en su Teatro en Vilo. Cómo hemos llegado hasta aquí no renuncia a ninguna de las señas de identidad de los territorios feministas y LGTB que algunos parecen empeñados (y empeñadas) en separar. Al contrario. Las reivindica sin la aburrida seriedad que esos del extremo centro (aspirantes a convertirse en el superyo de la izquierda) suelen atribuir al feminismo y aledaños. Y es que Nerea, Olga y Andrea saben que la risa no es incompatible con la lucidez y la crítica. Algo que sorprendería a los neorrancios emergentes si esta noche se hubieran pasado por este magnífico club teatral que tenemos en los bajos del Niemeyer.

sábado, 21 de mayo de 2022

Un hombre de paso

Dirección: Manuel Martín Cuenca. Dramaturgia: Felipe Vega.
Producción: Producciones Off
con Antonio de la Torre, María Morales y Juan Carlos Villanueva.

21 de mayo de 2022. Teatro Jovellanos, Gijón. 70’ aprox.

En la cafetería del hotel Roma de Turín una periodista ha quedado con Maurice Rossel para entrevistarlo sobre la visita que, como representante de la Cruz Roja, hizo a Theresienstadt en 1944. Se trataba de saber cómo trataban los nazis a los judíos que allí vio. Maurice Rossel no encontró nada malo y así lo recogía su informe. Y así se lo cuenta a esta periodista que también ha citado a Primo Levi como testigo de la entrevista. Nada menos.

En El último de los injustos Claude Lazmann regresó a Theresienstadt para aportar el contrapunto más adecuado a los testimonios de Benjamin Murmelstei que hacían tan relevante aquella película. En Himmelweg (camino del cielo) Juan Mayorga también evocó el engaño trágicamente teatral que tuvo lugar durante aquella visita. Sobre la base del testimonio recogido por  el propio Claude Lazmann en Alguien vivo pasa, Felipe Vega y Manuel Martín Cuenca tenían la oportunidad de retomar aquellos hechos y aprovechar la hondura de ambos trabajos para explorar la dimensión de farsa que a veces puede llegar a tener la banalidad del mal. Por desgracia, la han desaprovechado y Un hombre de paso apenas deja poso. De hecho, parece abundar en lo resabido y poblar de tópicos el recuerdo de aquellos hechos. Por lo demás, la amplificación no hace mejor la experiencia para el espectador que incluso llega a perderse algunas palabras. Probablemente por la seguridad que les da a algunos actores no tener que preocuparse mucho por la nitidez de su voz. Un pena.

Programa de mano